blog del poeta Manuel López Azorín

Claudio Rodríguez, sus Poemas laterales y este 30 de enero

2012-01-30T05:57:00.001-08:00

Memoria poética:

Claudio Rodríguez, sus Poemas laterales y este 30 de enero.

Siempre que ando cansado recurro a la poesía de Claudio Rodríguez. No se bien el porqué pero es así. Y siempre que recurro a ella mi memoria se empaña de tristeza al tiempo que se inunda de alegría. Tristeza y alegría que permanecen, en mi recuerdo, hoy 30 de enero fecha de su aniversario de nacimiento en 1934 en Zamora.

(Un buen día, hará unos dos o tres años, un joven poeta, Sesi García, sabiendo de mi devoción por Claudio Rodríguez, me trajo un libro publicado en 2006 por la Fundación Cesar Manrique, en la colección de poesía Péñola Blanca, dirigida por Fernando Gómez Aguilera –Péñola Blanca es una colección de poesía de carácter bibliófilo – que recoge obra inédita de poetas contemporáneos con una trayectoria consolidada.

La edición de este libro es del profesor titular de Literatura Española en la Universidad de Salamanca y crítico literario Luis García Jambrina, uno de los grandes conocedores de la obra de Claudio Rodríguez.)

Siempre que le recuerdo siento tristeza porque pienso que se nos fue pronto (1999) aunque él pensara ya en la vejez -me decía- y por eso andaba escribiendo sobre ella. Tristeza porque ya no es posible caminar juntos, como hacíamos, mientras, a cada momento, le saludaban, le miraban con respeto, con afecto, con admiración y, al tiempo, con la misma afabilidad, Claudio les ofrecía su saludo, su sonrisa…

Era gente del pueblo, gente de la calle, que trabajaba su oficio y ganaba su jornal. Yo lo vi, lo sentí, Claudio el poeta, el Académico, nunca se mostró por encima de nadie (aunque a mí siempre me pareció que estaba por encima de todo) Tristeza porque con su marcha, no sólo perdí a un amigo, perdí también un magisterio tácito porque Claudio Rodríguez, enseñaba sin enseñar, sin querer enseñar, era una actitud en la vida.

(Luis García Jambrina nos cuenta en sus Notas a la edición de Poemas laterales que Claudio Rodríguez tenía el proyecto de recoger y editar algún día bajo ese título, como algo lateral a su trayectoria poética, estos poemas que son homenajes a poetas, o poemas sobre pintura o escultura escritos en su mayor parte entre 1976 y 1988, años que coinciden con la gestación de Casi una leyenda. En la misma carpeta guardó el autor tres poemas que en un principio iban a ser incluidos en Don de la ebriedad, Conjuros y Alianza y condena, y que descartó por diversas razones.

Todo ese material de la carpeta azul lo ha organizado Luis García Jambrina en cuatro secciones.

-Una.- Homenajes, con poemas a Vicente Aleixandre,

a Blas de Otero,

a Machado,Antoñete,
Ángel González…

- Dos.- Sobre pintura y escultura, con poemas como Cosecha de la materia, que contiene mucho de la cosmovisión del mundo poético de Claudio.

- Tres.- Poemas excluidos que el autor desechó al preparar la edición de sus tres primeros libros.

- Cuatro:- Los Primeros poemas, anteriores a Don de la ebriedad, que aportan muchas claves de lo que luego fue el mundo poético de Claudio Rodríguez.)

Y siento alegría, por todo el tiempo que compartimos juntos, alegría por su hermosa inocencia, como de niño que nunca quisiera dejar de serlo, alegría porque tuve la inmensa fortuna de contar con su afecto, de conocer por él y junto a él a poetas como Pepe, es decir José Hierro, y...

a Rafael Morales, y...

a Ángel González...

Siento alegríano sólo por la grandeza de su poesía, la siento también por su nobleza, por su rigor, por su bondad. Alegría por haber formado parte de su vida y, sobretodo, porque él fue parte importante de la mía.

Confieso que no conocía esta edición de Poemas laterales; pero al ver el libro y leer algunos de sus poemas, me vi, de repente, junto al poeta en la última casa donde vivió, Santa Hortensia. Claudio sostenía entre sus manos una carpeta azul, de gomas, y me decía: Estos poemas que guardo en esta carpeta, son Poemas laterales.

Eran poemas –como bien dice ahora Jambrina– no recogidos en libro, unos publicados en revistas o catálogos de exposiciones y otros inéditos. Y me contaba que los fue escribiendo para los amigos, etc. y que al no encajar en los libros, los guardaba como algo lateral a su obra poética ya publicada.

Yo no tenía estos poemas –me confesó Claudio– pero alguien me los hizo llegar (este alguien, ahora al leer la Nota de edición de esta publicación lo sé, fue Luis García Jambrina. Había tenido conocimiento de estos poemas a través del crítico de arte Miguel Gamazo y –según nos dice– fue en 1992.

Luis García Jambrina dio cuenta de estos poemas en un artículo publicado en la Revista Hispánica Moderna de Nueva York en 1993.

Cuando Claudio me hablaba, ya fuese de futbol, de mus, de sus veranos en Zarautz, de las canciones infantiles que tanto le gustaban, de la naturaleza, de sus paseos, de poesía… lo hacía siempre con entusiasmo, parecía que al contarte las cosas las estaba inventando, creando, haciendo nuevas, ponía énfasis en lo que me contaba y lo hacía con absoluta naturalidad, normalidad, ya fuese algo importante o la más sencilla de las cosas que le sucedían o contemplaba.

Aquel día que tuve el libro Poemas laterales por primera vez en mis manos, recordé cómo Claudio me hablaba de un poema publicado en una revista de toros dedicado a Antoñete
o de otro poema dedicado a Ángel González que publicaron en Asturias y me habló también de poemas que había escrito antes de escribir Don de la ebriedad (cuenta Jambrina que durante el año 50, Claudio no me precisó la fecha exacta o, al menos yo no la recuerdo) para un futuro libro que andaba preparando y que nunca se publicó.

Y me mostró este soneto sin título que escribió en 1953. En ese año conoció a Clara Miranda, Clara y él se casarían en 1959 y vivirían los primeros años de casados en Cambridge, Inglaterra. (Dionisio Cañas lo publicó en los 80 en Júcar.) ¿Puedo leerlo Claudio? –pregunté– Te lo leo yo –contestó– mi letra es muy desordenada, etc. y te costaría entenderla.

Sabe que en cada flujo, en cada ola
hay un impulso mío hacia ti. Sabe
que tú me resucitas, como el ave
resucita a la rama en que se inmola.

Si tú supieras cómo no estás sola
cómo te abrazo, lejos, cuanto cabe.
Pon el oído para que se lave,
mi corazón como una caracola.

Y oirás, no el mar, sino la tierra mía
hecha con el espacio más abierto.
Y oirás su voz, mi voz que yo quisiera

meterte por el alma cada día,
clara como tu nombre, al descubierto
como este mar de amor mío que espera.

Todavía me parece oír su voz, su peculiar manera de entonar el poema, su forma de dejar colgando algunas palabras, como bailando, al aire, como el agua de las olas de un mar en calma con su cadencia suave, alargada, desparramada, como de abrazo y de beso de la naturaleza y el hombre. Como la espuma, el alma de este poeta que siempre vivirá por mi memoria.

A finales de noviembre hablábamos Clara (Miranda) y yo y, como siempre, Claudio entre nosotros, en nuestra memoria y en nuestro corazón. Y hablábamos del poeta y de su correspondencia con Vicente Aleixandre mientras estuvieron en Inglaterra y hablábamos de hombre, del marido, del amigo, de la persona más verdadera y más noble que yo he conocido.

He buscado en la red y en la web de la Fundación Cesar Manrique podéis (www.fcmanrique.org/publiDetalle.php?idPublicacion=81) acceder a la lectura de este libro. Poemas laterales resulta, al menos para mí, un tesoro. En primer lugar por los poemas de Claudio Rodriguez, y, luego, por la excelente edición, en esta hermosa y cuidada colección, de Luis García Jambrina

Luis García Jambrina (Zamora, 1960) es profesor de Literatura Española en la Universidad de Salamanca y, entre otros, ha escrito sobre el poeta zamorano: Guía de lectura de Claudio Rodríguez (1988), De la ebriedad a la leyenda. La trayectoria poética de Claudio Rodríguez (1999), Claudio Rodríguez y la tradición literaria (1999). Claudio Rodríguez para niños (1988 y 2000), Hacia el canto (1993 y 1999), Don de la ebriedad. Conjuros (1998), Alianza y condena (2001), Aventura (2005) y este hermoso libro Poemas laterales (2006), que tantos recuerdos me trajo cuando supe de él y hoy 30 de enero, día en que cumpliría años, cuando leo a Claudio siento tristeza y alegría y lo recuerdo.

Jesús Riosalido: Zéjeles y Muswashajas (con la música y la voz de Estela Uriarte)

2012-01-20T03:16:00.001-08:00

Foto: Jesús Riosalido en el jardin de la Fundación Al-Aissiya.

Zéjeles y Muwashajas es una nueva edición, para cantar, con CD incluido y partituras, publicada por la Fundación Al-Aissiya. Dos libros en uno que, en su día, fueron publicados por separado. Con el título de Zéjel del Libro de Amor y Algunos Más apareció en la Colección Ágora, de Editorial Alfaguara que, por entonces, 1970, llevaba Concha Lagos, y el libro de las Muwashajas que fue publicado por primera vez por Editora Nacional en la Colección Libros de bolsillo, en 1975.

Según nos cuenta Riosalido: La palabra zéjel significa algo así como baile, contoneo y eso es lo que solían hacer los poetas cuando interpretaban zéjeles durante la Edad Media. Bailar y contonearse mientas cantaban. En realidad era lo mismo que una Muwashaja pero escrito en lengua vulgar en lugar de culta. A partir de ahí la jarcha, que es el estribillo aclaratorio, en español, con que terminaban el poema principal escrito en árabe, dió paso al zéjel.

El zéjel y la Muwashaja fueron una invención de los musulmanes españoles, quizá por influencia de la música europea de los trovadores y al contrario de la oda árabe clásica o qasida la dividieron en estrofas

(La poesía hispanoárabe se desarrolló en el siglo XI en los distintos reinos que se formaron tras la caída del califato de Córdoba (época de taifas). Fue un tiempo de gran esplendor cultural en Al- Ándalus. En Poesía surgieron innovaciones autóctonas que dieron lugar al zéjel y la moxaija o Muwashaja géneros típicamente hispanos de la poesía árabe que, sin duda, influyeron en la poesía de tradición oral en nuestra lengua.)

El zéjel es pues un poema de la métrica española. Está formado por un estribillo (dos versos aa), una mudanza (tres versos monorrimos bbb), y un verso de vuelta (a). Es decir: un estribillo, un tríptico monorrimo y un cuarto verso de vuelta, con la misma rima que el estribillo. Esta es una de sus formas (aa-bbba) y puede tener una o más estrofas.

Video-canción

Yo mismo, hacia el final de los años ochenta, escribí un zéjel empleando esta forma con algunas variantes: el inicio, que era de cuatro sílabas, la rima asonante y dos versos finales rimados como el estribillo (aa-bbb-aa). Más tarde lo incluí en mi libro Vértigo y decía así:

I

Se deshilan
las horas y los días

y la madeja va formando ovillo .
El tiempo va trenzando, hilo a hilo,
la cuerda de un ahora siempre vivo

mientras brillan
las luces de la vida.

Un zéjel éste, no de referencias islámicas sino, por la temática, griegas o latinas por aquello de las Moiras o las Parcas.

El zéjel tenía diferentes rimas y se diferenciaba de la qasida , que era monorrima. La estructura más común del zéjel, según nos dice Riosalido, era: ab-aaab-b-aaab (casi siempre en octosílabos) aunque se encuentran también muchas variantes como la anteriormente comentada (aa-bbba) que resulta ser como esta de Alfonso Álvarez de Villasandino ( un poeta castellano de los siglos XIII-XIV. Poeta de cancionero, representante del tipo de poesía culta que surgió bajo la influencia de la lírica trovadoresca en la Corte del rey de Castilla Enrique II) que nos dice:

Vivo ledo con razón,
amigos toda sazón.

Vivo ledo y sin pesar,
pues amor me fizo amar
a la que podré llamar

más bella de cuantas son.

Video canción

El zéjel pasó del mundo musulmán al cristiano y ya no abandonó esta cultura donde lo han cultivado poetas, además del anterior, como Lope de Vega, Cervantes, Góngora o Federico García Lorca, así como Jesús Riosalido desde su primera edición en los años 70.

Si del zéjel no se conoce quién lo inventó, la Muwashaja parece ser que la creó un poeta ciego de la ciudad de Cabra llamado Muqaddan Ibn Muafa, también conocido como Ben Mocádem de Cabra, nacido entre los siglo IX y X.

El doctor Jesús Riosalido, experto arabista, diplomático de carrera, ensayista, dramaturgo, narrador y poeta, autor de estos dos libros reunidos en este volumen, nos dice en la nota inicial: Están ustedes ante la segunda edición de mis Zéjeles y mis Muwashajas, publicadas por primera vez hace muchos años y cuyo esfuerzo adicional se justifica por varias razones. La primera y más importante es la de añadir a los mismos la magnífica partitura de Estela Uriarte, una excepcional compositora e intérprete argentina, que trabaja conmigo desde hace lustros, así como su interpretación personal de mis textos, tal y como se halla recogida en el adjunto CD.

Video canción

La música de Estela Uriarte para este libro: Suite del libro del amor número 1 ya apareció en Copenhague por primera vez en un LP realizado en el Twin Studio de Copenhague en 1982 y en relación a las Muwashajas,canciones de amor y de dolor, suite número 2, se grabó en CD, también en Copenhague, en el año 2007.

Continúa diciéndonos Jesús Riosalido en la Nota inicial de esta nueva edición que la segunda razón es la de actualizar: un poco en el caso de los Zéjeles y un mucho en el de las Muwashajas, y darles una versión más vigente, menos radicalmente surrealista, y hacerlos, por consiguiente, más accesibles al oyente y al público en general.

Por último la tercera e importante razón que nos expone el autor de estos Zéjeles y Muwashajas es la de pulir un tanto su anterior postura – nos dice – no sólo literaria, sino también histórica y quizá política respecto de los árabes y el Islam, lo que se ha hecho necesario a causa de un acontecimiento que entonces (se refieres a los años 70 cuando se publicaron ) era imprevisible, como es el incremento del fundamentalismo islamista y sus tendencias violentas.

Jesús Riosalido añade: Por todo ello se ha intentado adecuar estos poemas a la nueva situación que se vive en el siglo XXI, reafirmar nuestra fe en la libertad, no en la imposición religiosa y cultural, y esperar que estas angustias que hoy se viven en toda la cuenca del Mediterráneo, y aún más allá del Mediterráneo pasen pronto, y la vieja cultura árabe vuelva a ser parte integrante e indubitada del patrimonio común basado en la tolerancia y en la coexistencia de todos en el mismo territorio.

Video canción

Un hermoso volumen de poesía tradicional,popular y culta, donde se incluyen las partituras y el CD con la magnificas versión musical cantada de Estela Uriarte, reeditado de nuevo para que la obra musical y poética de ambos no caiga en el olvido, o no quede de ella ninguna grabación o archivo que de fe de este largo y fructífero trabajo conjunto.

Un volumen con dos libros, en fin, de enorme valía para todos aquellos que quieran adentrarse en el conocimiento de las primeras formas tradicionales de la poesía en lengua romance o, sencillamente, para aquellos que pretendan disfrutar con su lectura.

Foto(P. Mancebo:Jesús Riosalido y Manuel López Azorín

Zéjel de las manos encantadas

Tus manos encantadas
vienen de lejos.

En mis Granadas frías
tus dedos abarquillan
polvaredas de chispas
sobre los hielos.

Tus manos encantadas
vienen de lejos.

Costeando la nuca
tus palmeras escuchan
una escarcha madura
que se hace cuerpo.

Tus manos encantadas
vienen de lejos.

Arrebol en tus palmas,
verano entre dos ascuas
que ondean mis entrañas:
ponlas más dentro.

Tus manos encantadas
vienen de lejos.

Jesús Riosalido

Antonio Praena: Actos de amor

2012-01-12T10:31:00.000-08:00

Antonio Praena (Granada, 1973) Con el libro Actos de amor, resultó ganador, del XXII Premio Nacional de Poesía José Hierro y con el premio, además de la dotación económica, la publicación del libro en la Colección Literaria Universidad Popular del Ayuntamiento de San Sebastián de los Reyes. Madrid 2011. La obra Actos de amor consiguió el unánime veredicto del jurado y concretamente Antonio Hernández, destacó en sus palabras durante la presentación del libro, el pasado 13 de diciembre, que Antonio Praena (que es fraile dominico, profesor agregado de la Facultad de Teología de Valencia, prior del convento de Santa Cruz la Real de Granada, licenciado en Teología Dogmática y ultima su doctorado en la teología apofática y analógica de Santo Tomás de Aquino), parece un heterodoxo cercano a la Teología de la Liberación.

El joven fraile

Y pensar que nadie desabrochará mi camisa
con manos de paloma,
ni hará caracoles en el vello de mi pecho
porque ya tengo un amor que es Todo y Nada...

Y saber que soy un guerrero
que reza como un almendro...

(De “Humo verde”. Amarú. Salamanca 2003).

Antonio Praena había obtenido anteriormente con su libro Humo Verde, el Accésit del premio de poesía Víctor Jara 2003. Igualmente fue accésit del Premio Adonáis 2006 con Poemas para mi hermana (Colec. Adonáis. Rialp. Madrid 2007). Sobre este libro dijo Luis Ramoneda en Poesía digital: Poemas para mi hermana es un libro elegíaco. El motivo, que otorga una gran unidad a los veinticinco poemas de que consta, es el fallecimiento de la hermana del autor.

El elegíaco es un género difícil, por los riesgos de deslizarse hacia excesos melodramáticos o de ceñirse demasiado a la vivencia personal, que lógicamente afecta intensamente al autor, pero que puede resultar demasiado ajena para los lectores. Antonio Praena consigue el equilibrio, a mi modo de ver.

Este es su tercer libro de poemas publicado y supone-según ha comentado el autor- un giro de complejidad formal respecto a los dos anteriores, Un libro que cuida mucho la forma, y el ritmo al tiempo que nos ofrece en algunos poemas (lease Enmanuel, página 68) emoción verdadera y vida. Algo que resulta coherente sabiendo que Antonio Praena piensa que: En realidad la forma nace para llevar la palabra a su máxima expresión de belleza y esta belleza ya contiene en sí misma una necesidad de ver juntas verdad y emoción, rigor artístico y profundidad vital.

En Actos de amor emplea el autor la intertextualidad, la voz se hace más libre, sin dejar por ello el empleo de lo formal, y con diferentes registros con relación, al menos, a lo que anteriormente he leído suyo. Se acusan en este nuevo poemario contrastes entre tonos duros y tonos tiernos, casi ingenuos, en el sentido de inocencia frente a dureza. Un poemario que se mete de lleno en las distintas dimensiones del amor. En el poema Vida oculta, que antes el autor había titulado Vida monacal nos dice: Von Balthasar lo dijo de una forma / distinta, pero siempre ha sido así:/ amor y ser son algo coextensivo.

Antonio Praena nos ofrece un poemario dividido en cuatro partes y un prólogo final. En la primera parte, nos canta al amor espiritual, como el abandono de una determinada forma de vida mundana por otra. San Francisco de Asis: Un hombre se desnuda ante la nieve. / Abraza a sus amigos y uno de ellos / le toma suavemente de la mano: –Francisco, no nos dejes.

En la segunda parte, Mundo, nos habla y canta a la amistad que es otra forma de amor: Javier, hermana furia, sangre amiga / ¿Qué vínculo verbal nos has desatado / entre esta muerte mía y el exceso / de amor que en cada abrazo te encelaba?

En la tercera titulada Carne, canta al amor mundano, al alma y a la carne e inicia este apartado con una cita de Platón que nos dice: Los demonios son muchos y Eros es uno de ellos. Y en él abre con un poema, 8 de junio, donde nos dice: Nací el 8 de junio./ Toda la luz se derramó en mi sangre, / pero hace tiempo que no encuentro / ni la luz ni mi sangre.

En la cuarta, Praena canta al amor de familia y finalmente en el Prólogo con el que concluye este poemario pretende – así nos lo dijo- que tras la lectura de esta Actos de amor, se inicie algo nuevo por parte del lector. Algo nuevo como conclusión abierta a la interpretación y todo con un único mensaje que no es nuevo pero que algunos poetas defendemos: "la poesía, entre otras muchas cosas, debe servir para hacernos mejores personas". Y Antonio Praena tal y como dejó escrito en la dedicatoria que me dejó en mi ejemplar debe pensarlo: Actos de amor en los que espero que el “acto de la belleza”, acto de habla, acto de vida, se convierta en amor a la vida y en bondad.

Si más arriba recomendaba leer el poema dedicado a su sobrino: Enmanuel, (página 68 de este libro), ahora quiero finalizar con este titulado Cuando sepas leer igualmente dedicado al hijo de su hermana que nos deja un mensaje da ese amor que nos hace mejores y que forma parte del amor a la vida.

Cuando sepas leer

La estrella de papel,
las alas de angelote que tu padre
te ha hecho esta mañana, ya están dentro
del reino de tus ojos, son ya parte
de todo lo que eres y algún día
querrás mirar de nuevo en las estrellas.
Yo lo canto
por eso en estos versos
que aguardan para ti.

Antonio Praena
Del libro Actos de amor

Ángela Reyes: Fantasmas de mi infancia Un cofre de palabras hermosas en un tiempo de sinrazón no consciente en la niñez

2012-01-07T02:58:00.001-08:00

Hace poco recibí un nuevo poemario, Fantasmas de mi infancia de Ángela Reyes (Jimena de la Frontera, Cádiz, 1946)), publicado por Huerga & Fierro y que la autora, como en anteriores ocasiones, amablemente me envió. Ángela Reyes está dedicada desde 1980 a la creación literaria. Es poeta y narradora y ha publicado una decena de poemarios en solitario y algunos en colaboración con Juan Ruiz de Torres, su marido, con quien también se dedica a la promoción cultural.

En esta labor fue cofundadora junto con él de la Asociación Prometeo de Poesía, también pertenece al Patronato y Secretaria General de la Comisión Delegada. Ha coordinado la organización de la Escuela de Poesía de Madrid y varios encuentros nacionales e internacionales de poesía. Igualmente cofundó con su marido la asociación El Foro de la Encina, la Orden de la Encina del Mérito Poético, la Academia Iberoamericana de Poesía y la Casa del Tiempo (una extensa biblioteca a la vez que foro cultural).

Ángela Reyes nos ha dejado escrito a modo de poética: Para mí, la poesía es un cofre lleno de palabras que encontré en Granada, a la edad de ocho años. Nadie vino a reclamármelo, nadie echó en falta su pérdida y desde entonces no me he separado de él porque es una de las cosas más preciosas que poseo.

En su poesía es constante una inquietud sobre problemas que afectan a esta sociedad. Poesía pues de preocupación por el ser humano que, sin mucho intimismo, nos muestra un reflexivo interés por los demás. Así en su poemario La muerte olvidada nos habla de la mujer guerrillera del Frente Polisario; en Lázaro dudaba, se plantea la duda sobre Dios; en Cartas a Ulises de una mujer que vive sola reflexiona sobre la soledad. y en el último libro que , anterior a este me envió, No llores, Poseidón, nos habla del hombre en la vejez.

Cada poemario supone una temática concreta y en este Fantasmas de mi infancia nos canta a la niñez y adolescencia en tiempo de postguerra que es, al tiempo, un homenaje a la madre en particular y, en general, a las mujeres de la familia que ejercieron un matriarcado junto al temor y la pena, y con la valerosa decisión de seguir adelante pese a ello.

Con una docena de poemarios publicados, varias novelas y algunos cuentos Ängela reyes ha obtenido, entre otros, premios como el San Lesmes Abad, el Leonor y el Blas de Otero en poesía y el Ciudad de Majadahonda y Calicanto en narrativa.

En este nuevo libro Ángela Reyes echa mano de su cofre lleno de palabras y nos habla, con ellas, de personas tan desgraciadas como valientes y lo hace con palabras llenas de lirismo en ocasiones y a veces con palabras directas, tan pronto emplea la metáfora como la imagen poética y casi siempre dentro de una métrica formal, llena de ritmo, en la que las palabras de su mágico cofre florecen armoniosamente tanto en la ternura como en la dureza, en el recuerdo vivo o la memoria distorsionada por el tiempo, en el acto de rescatar lo perdido y en el de soñar lo pasado. Todo el libro rezuma sosiego, sin rencor, sin temor, solo un tiempo sucedido ya donde la infancia, ajena y no consciente del momento, fue feliz y ésta, la infancia –nos dice la autora en las Palabras previas – le ha servido para toda la vida. Un libro, en definitiva,que se presenta con un cofre de palabras hermosas en un tiempo de sinrazón, no consciente en la niñez, para despejar la sombra
y hacer llegar la luz de un tiempo sin ella y, sobretodo, de los que vivieron en esa larga e inquietante sombra fantasmagórica de un tiempo que, Ángela Reyes ahora,nos acerca desde la memoria.

Ángela Reyes, que dedica este libro a su madre, a quien ha querido homenajear a través del recuerdo que, como todo, entra en nosotros, nos dice ella en uno de los poemas de este Fantasmas de mi infancia: por nuestra piel crujiente.

Todo entra por nuestra piel crujiente.
Hasta las barcas solitarias se adentran en la arena,
soñando con el cuerpo tendido bajo el sol.

Madre, te encuentro tan cansada
que tu piel no crepita por mucho que la bese.
Poco a poco tu cuerpo va haciéndose de aldea;
tu cuerpo es un pueblito
dormido tras la bruma de los amaneceres.

Ángela Reyes

Enrique Villagrasa: Mudanzas de la voz

2011-12-29T02:28:00.001-08:00

De Enrique Villagrasa González (Burbáguena, Teruel, 1957), aparece este Mudanzas de la voz, su nuevo poemario, en la colección dirigida por Jesús H. Angulo, Los libros del señor Nicolás de la editorial Libros del innombrable (Zaragoza, 2011), en volumen al cuidado de Juan F. Nevado.

A Enrique Villagrasa le preocupa la Poesía. Esa realidad trastocada en otra realidad que es, nos dice él, canto y cuento y su empeño es robarle al silencio sus palabras. Y de ahí este libro que funde la poesía y la vida en un solo canto que es dolor y miedo, rebelión y esperanza... y amor.

Leyendo este libro trato de caminar, entre sus versos, donde el amor y la amistad, con el miedo en la voz que, se hace poesía, sirve como bálsamo y bandera del cuerpo, del espíritu y de la emoción. Preocupado siempre por la poesía y la vida, nos dice Enrique Villagrasa: El poeta experimenta en el poema / todas las formas de la nada y el azar / del lenguaje en el lenguaje. / Todo mudanzas de la voz.

Qué nos quiere decir Villagrasa con estos versos: ¿Nos quiere hablar de esa cosa mínima o de escasa entidad que es, en su segunda acepción, la palabra nada? (La nada habita / concupiscente,/ en el no ser/ del poema) Tal y como nos presenta el poema, debemos atenernos a la nada, como algo indeterminado, como a ninguna cosa, la negación absoluta de las cosas, a distinción de las personas. Es decir: … la nada y el azar / del lenguaje en el lenguaje puede producir un cambio, una mudanza, o varias, de la voz.

Pero cómo interpretar mudanza, como acción, traslación, como cambio de movimiento, de compás, como variedad de los afectos (Allí donde está ella tú no estás y ni tu poema salvaje podrá / sustituir a esa mujer que creías amar, ¿amas a tu pesar o/ amas a su pesar?). (Tal vez todo sean mudanzas del miedo,/ no de la luz).

El caso es que la voz no viene por sí misma, ni escribe por sí misma la mano que escribe la página en blanco, esa voz tiene un aliento y, como decía Unamuno, al tranquilo compas de un dulce aliento, /ara en mí, como un manso buey la tierra,/ el dulce silencioso pensamiento.

Con esta cita, aclaratoria , de Miguel de Unamuno y tras el introito donde se pregunta dónde están los poetas (Recuerda poeta, / mercenario de la palabra con los jonios,/ habitante de las Cícladas y de Sais,/ en tu sigo VII antes de todo), se inicia este Mudanzas de la voz que, tras su lectura, me parece a mí que el nuevo poemario de Enrique Villagrasa se muda en el tono, con el lenguaje de la incertidumbre y del temor, con el miedo y el fervor del amor puestos, por una parte, en el dulce aliento del amor, de la vida, y en la amistad y, por otra, en la Poesía que, desde los griegos (No fuiste tú quien llevaste la leyenda / de la Atlántida a Egipto./ -Y no fue tu amigo Platón, / quien se bastó, errado o no, / para criticar la política de ayer / y mandarte al arrabal), nos viene ofreciendo su poso de sabiduría, su voz de conocimiento, su canto y su mudanza continua de la voz: del corazón al pensamiento, del pensamiento al corazón.

Y en esta alternancia que se funde va en la voz el miedo (De tanto miedo, miedo no siento,) y la emoción, emoción que Enrique Villagrasa, me parece a mí, reivindica como función esencialmente literaria y no como parte sentimental de la Poesía y el lenguaje, la palabra como forma que debe nacer para que esa palabra nos ofrezca su máxima expresión de belleza pero conteniendo en ella la necesidad de la emoción (Cinco gotas de agua / contienen cinco gotas de luz. / Su alma anida /en la belleza de los versos. / Hoy he enterrado mi angustia / mordiendo sus labios)

Emoción que forma parte de la realidad de la vida, y es la verdad interior que, como él suele decir, une el rigor formal de lo aprehendido ( Aquella leyenda donde Hércules / rompe el istmo de Gibraltar. / Acaso, poeta, no fue real…/ ¡Ah, me lo contaste y lo conté / a fenicios y griegos!/ ¿Qué ha sido de ti? ) y lo más profundo del hombre y de la vida, o dicho de otra forma: forma y contenido poéticos en estas Mudanzas de la voz que pretenden servir, con la experiencia vital y la poética, además de para que el hombre sea mejor persona (Si la poesía es el gozne del poema, / el amor es el quicial sobre el que gira), como bálsamo de salvación y bandera de intenciones. (Fuera del tiempo quiero encontrarte; / pero no sé en qué espacio.)

Esa manera de hacer poesía por parte de Enrique Villagrasa,me parece que es su necesidad, una necesidad vital que le hace rebelarse y le lleva a escribir este libro, un libro sincero y enmascarado, de indefensión, de impotencia,a veces descarnado y sin embargo esperanzador (Desencarnar; tal vez sea la belleza mística./ Buscar la humildad no la soberbía./ Tras festejar el instante.)
Sencillez de lenguaje que nos habla de cosas cotidianas al tiempo que nos lleva hacia la profundidad de las preocupaciones que le embargan, y lo hace con una poesía desnuda y limpia, clara, directa a las emociones. (Levanto la vista y veo /Mis manos ensangrentadas,/ De tinta azul y negra,/
Y a mis pies ella: / La poesía humilde.)

Y el azar, puesto que el corazón y el pensamiento del hombre no saben su destino, tan solo el de la muerte inevitable, dejémosle en el aire del viaje del vivir, no vaya a ser que exista y sople lejano del camino que llevamos hacia la ignota isla, que llamamos Itaca y que, otra vez los griegos, ya lo dijo T.S. Eliot: Somos Grecia, no sólo seguir sus tradiciones, nos legaron en un lenguaje que une el corazón y el pensamiento dándole forma y contenido: la voz en sus mudanzas.

Casi desnudos, como los hijos de la mar. Nos dejó escrito Antonio Machado, así marcha el poeta cuando, como dice el hermano, Manuel Machado: Mi voluntad se ha muerto una noche de luna. Y Enrique Villagrasa, a través del sujeto lírico: Estoy en el centro de la noche / y tu vida en el vértigo , y se abraza a la lluvia, que es un llanto penitente, a la tristeza de la tarde, que le parece un ocaso de luz, al humo del silencio, que muere impotente frente al miedo y al vértigo y al amor porque todos los caminos nos conducen al mar (¿Hasta cuándo estaré en esta orilla? / Si cierro los ojos veo las otras playas / de mi vida; ¿dónde mis años, dónde / he olvidado mi alma?)

Estas Mudanzas de la voz me parecen, en definitiva, un hermoso y noble y sincero acto de amor al amor (Tengo miedo de perderte. /Luché por ti con mis versos:/ Fue mi error. De ceniza mis días.), a la vida, a la amistad y a la Poesía y en ella, en este libro, en su lenguaje, que al fin y al cabo es, además de con la emoción, con lo que se construye la Poesía, queda permanente, como Palabra en el tiempo. Nada más y nada menos (Los trinos callan. /Los pájaros conocen / lo que tú sufres.), y luego ya… Frío azul de la rosa. / La muerte atravesará el mundo, / con un sonido vivo. /Todo belleza y bondad.

Enrique Villagrasa es periodista, poeta y crítico literario. Actualmente reside en Tarragona. Ha escrito varios libros de poesía. Sus poemas han sido publicados en diferentes revistas y se han traducido a varios idiomas. Colabora en revistas literarias como Qué Leer, Turia, Artes & Letras, suplemento del Heraldo de Aragón, El vuelo de Ícaro, suplemento del Diario de avisos de Tenerife. Es Premio León Felipe, 2004 y XXII Premio Internazionale di Poesía e Letteratura Nuove Lettere, Istituto Italiano di Cultura di Napoli (2008) y ha sido incluido en diversas antologías.

Antonio Gala: Razonablemente hecho polvo

2011-12-23T03:20:00.001-08:00

Antonio Gala Premio Quijote de Honor 2011

La Junta Directiva de la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE) ha concedido el Premio Quijote de Honor 2011 a toda una vida al escritor Antonio Gala por su contribución a la literatura española, tanto en el ámbito teatral como en los de la poesía, la narrativa y el género periodístico, así como por su apoyo decidido a los jóvenes creadores a través de la Fundación Antonio Gala con sede en Córdoba y, próximamente, también en Portugal.
Con este galardón institucional honorífico, los compañeros autores de Antonio Gala se suman al reconocimiento a toda su trayectoria profesional y a una vida dedicada al mundo de las Letras en sus más diversas modalidades. Una labor recompensada ya con medio centenar de premios y a la que la Asociación de escritores más representativa de España se suma con su máximo galardón.

Esta fue la noticia. La entrega del galardón se celebró el miércoles 14 de diciembre, en Madrid.

En septiembre Antonio Gala había regresado a su columna en el diario El Mundo. Antonio, el escritor, dramaturgo, ensayista, columnista y poeta volvió a escribir La Tronera. La noticia, ofrecida por la Agencia Europa Press, decía:

MADRID, 12 Sep. (EUROPA PRESS) Él mismo ha sido el que ha informado en primera persona de su estado de salud de la manera que mejor sabe hacerlo: escribiendo. Gala ha vuelto a publicar su columna de El Mundo, La Tronera, y en ella ha comunicado que su batalla contra esta dura enfermedad sigue, y de momento "con buenos resultados".
Este lunes, el escritor ha vuelto a hablar a través de las letras para dar buenas noticias. "Necesito decir a quienes se interesan, y me es imposible comunicárselo de otro modo, que este viacrucis lo acabé, aunque aún conservo piel de cocodrilo, con buenos resultados", publicaba en la edición digital de El Mundo.
Se trata de la primera vez que el escritor da una buena nueva desde que hiciera público su diagnóstico el pasado 5 de julio, cuando comunicó que sufría un cáncer que describió como "de difícil extirpación".
Este lunes ha llegado un alentador parte médico detallado por él. "Una primera revisión fue satisfactoria; que yo me encuentro razonablemente animado", no obstante afirma que también está "razonablemente hecho polvo".
En su emotivo artículo titulado ¿Batalla acabada?, Gala no duda en agradecer de corazón el apoyo a todos lo que han estado a su lado en los momentos más difíciles y de hecho reflexiona: "Sin ellos, seguir vivo no merecería la pena".
Esperemos leer dentro de poco la columna en la que celebre que finalmente ha ganado esa dura lucha.

Antonio se refiere a su enfermedad, declarada a principios de este verano, como un “viacrucis” con su expresión “lo acabé” nos dice que ya ha empezado una fase de su recuperación en la que el peligro de que Atrópos corte el hilo de la vida parece haber desaparecido. y, sigue, Láquesis hilando su madeja día a día.

Nos adelanta que está tratando de recuperarse de la quimioterapia, de la cual dice estar “razonablemente hecho polvo”. Antonio ha aprovechado su tronera para dar las gracias a los que durante estos meses hemos permanecido a su lado.

El peligro pues ha pasado y lo que Antonio Gala nos anunció en julio ha desaparecido. De nuevo ha defraudado a la muerte. Ahora, según me cuenta Luis, quedan pequeñas cosas que solucionar pero, aparentemente, sin demasiada importancia y aunque el estado anímico de Antonio Gala anda bajo de tono (esto es importante y tiene que recuperar el ánimo), lo que hay físicamente puede solucionarse,el ánimo, por otra parte, es lógico que tras pasar por este proceso tan duro como es luchar contra el cancer, flojee, pero Antonio es fuerte y, como en estas fiestas va a estar en casa de una amiga, junto a otros buenos amigos, espero que le ayuden a levantar el ánimo para entrar en el 2012 con fuerza y con ganas, sobretodo con ganas, de seguir adelante.En enero esperemos que todo quede finalmente solucionado.

Vaya estos dos poemas, el primero, Razonablemente hecho polvo, escrito para Antonio como punto final de un tiempo de miedo y de zozobra que, ni los hombres ni los dioses, frente a la Bellisima fanciulla (muerte convertida en muchacha), de Giacomo Leopardi, podemos evitar sentir y el segundo, Zéjel del año nuevo,para que el año que se avecina le sea (y nos sea) propicio.

Razonablemente hecho polvo

Para Antonio Gala

Cuando la noche, madre de las Moiras
se retiró, la luz, alba-esperanza
de una nueva mañana, trajo a Láquesis,
esa que hecha la suerte,
para seguir midiendo el hilo de la vida.

Y tú, razonablemente hecho polvo,
por agresiones tantas… entre los algodones
de tu palabra lírica.
ocultas el temor, mantienes la esperanza.

El miedo, tú lo sabes, fortalece,
aunque siempre haya sido un molesto inquilino.
Defrauda a la Bellisima fanciulla,
aférrate a la vida y no ocultes el miedo.

Hasta los dioses temen a las Moiras,
a su poder sujeto, dicen que andaba Zeus.

(Porque Átropos, la inevitable,
no ha cortado ahora el hilo, detestables tijeras,
porque aún no se acaba el tiempo de tu vida.)

=======================

Zéjel del año nuevo

Dicen que el año termina…
y otro nuevo se avecina.

Medimos por no sentir
que el efímero vivir
medida tiene y al fin
le pondrá fin a la vida.

Dicen que el año termina…

El tiempo no tiene fin.
Nos lo inventamos y, así,
paliamos nuestro vivir
que sí que tiene medida.

Dicen que el año termina…
y otro nuevo se avecina.

Y queriéndote feliz
el año que va a venir
termino el zéjel así:
dicen que el año termina…

¡Otro nuevo se avecina!

Diciembre de 2011
Manuel López Azorín

Mills Fox Edgerton: Luz y sombra

2011-12-18T08:40:00.001-08:00

El 13 de octubre, cuando presente en Libertad8 mi antología Sólo la luz alumbra, apareció, acompañado de Julio Santiago, el poeta norteamericano Mills Fox Edgerton. Al saludarnos me dijo que traía un libro para mí, dedicado. Era su último libro, publicado por la editorial Cuadernos del laberinto, en la colección Berbiquí, su título: Luz y sombra.

Decía yo en la entrada que le dediqué, el 7 de enero de este año por su libro Gotas de plomo, en este blog, que Mills Fox Edgerton (Connecticut, Estados Unidos, 1931) se formó en las mejores universidades de su país y desde siempre sintió interés por las Lenguas Modernas, llegando a dominar el castellano, el francés, el italiano y el alemán. Fue catedrático en la prestigiosa universidad de Bucknell, y durante más de diez años dirigió la editorial de dicha universidad, publicando y difundiendo la literatura española más destacada del siglo anterior. Decía también que Mills Fox Edgerton aboga por la poética de la sencillez y de la esencialidad, cosas cotidianas, las de cada día, que hay que contemplar con atenta mirada para poder conocerlas bien.

Julio Santiago, buen amigo de Mills y gran conocedor de su obra, nos dice en la contraportada que: Sólo un hombre sabio, debidamente cultivado en el campo académico y emocional, está capacitado para escribir esta obra. Es un tratado de cotidianidad donde se puede sumergir cualquier tipo de lector que desee disfrutar de la maestría de la brevedad como forma poética y como esencia humana, de la ironía como destilador de la desgracia inevitable, del absurdo como sinsentido de la vida, de la meditación como sensación placentera y engañosa de poder atrapar el tiempo.

REZO

Tropiezo, me caigo,
me vuelo
a levantar–

Ten paciencia
conmigo…

Su obra poética está compuesta por ya catorce, incluido este Luz y sombra, poemarios que han convertido a este autor en toda una referencia para un gran número de lectores y de poetas jóvenes. En Mills Fox Edgerton destaca una poética casi siempre amparada en la brevedad, la concisión, y una fina y sensible filosofía que hace recapacitar tiernamente al lector, un lector que puede, como bien dice Julio Santiago, acercarse sin temor a encontrarse hermetismo o la incomprensión de una poesía de difícil acceso ya que los poemas de este poeta, tan amante de la literatura española que escribe su poesía en español, es la de la claridad. Mills Fox Edgerton es tan claro, tan cotidiano, tan sencillo en su decir, como la vida misma con toda su difícil sencillez. Un hombre que se defiende con la ironía y que parece decirse, como digo yo en boca de Rilke cuando le habla al joven Kappus: “No tema a la pobreza, si es que es pobre, de lo más cotidiano”.

DON QUIJOTE EL MENOR

Lo que más me molesta
de esta armadura

son los agujeros–

es muy incómodo
andar por el mundo

con los calzoncillos
empapados de lluvia

en busca
de Damas que defender

y entuertos
que desfacer…

Este Luz y sombra –como bien dice Julio Santiago– es un canto a la libertad de expresión con libertad de impresión, una sobremesa del más refinado postmodernismo, un sueño tan real que hay que disfrazar de poesía para poder digerir en todas sus dimensiones. Mills Fox Edgerton, en este insólito viaje de la luz a la sombra, nos invita a degustar el sabor de la diferencia cuando se parece a nosotros mismos.

EL JOVEN POETA

Con tus poemas
en el carcaj
y tu arco iris
en la mano

sales
a librar batalla
contra
tanques y cañones.

El lento
ventilador
seguirá
removiendo
el aire

después
de que
nos hayamos
marchado
todos…

Antonio Gamoneda: visión de la muerte, visión de la luz.

2011-12-13T07:40:00.001-08:00

Antonio Gamoneda, Premio Cervantes 2006, va a recibir el próximo jueves, 15 de diciembre, la Medalla de Honor de la Asociación de Escritores de la Región de Murcia (Aermu),la recibirá durante un acto que se celebrará en el aula de cultura de la CAM. Acto que comenzará a las 19,45 horas.

Aprovecho esta distinción que, en mi tierra, le ofrece la Asociación de Escritores de la Región de Murcia al poeta Antonio Gamoneda para "colgar" esta entrada de Memoría poética sobre este poeta, nacido en Oviedo pero leones desde los dos años, y que titulo:

Antonio Gamoneda: visión de la muerte, visión de la luz
Memoria poética I

El 31 de marzo de 1995 me acerqué a la estación de Chamartín para recibir a Antonio Gamoneda, el poeta que, nacido en Oviedo en 1931, residía en León desde 1934. En ese año, huérfano ya de padre, se había trasladado con su madre, Amelia Lobón a León. Esta ciudad, donde aún reside, resultó de vital importancia para su poesía. Allí y en esos años, su madre se convirtió en su refugio frente al horror de la guerra y la miseria de postguerra, temática recurrente en toda su poesía. En 1936, con las escuelas cerradas, aprendió a leer gracias a la lectura del libro de su padre, un poeta modernista, que había publicado un único libro, Otra más alta vida, en 1919.

En octubre de 1994 había hablado telefónicamente con él para invitarle a dar una lectura en el programa Tertulias de Autor de Helicon, programa que se realizaba en directo en el estudio de Canal Norte Televisión y donde el autor invitado, leía y comentaba su obra para todos, tanto para el público que acudía al estudio como para los que, desde sus casas, conectaban con Canal Norte Televisión. Se sorprendió de que un poeta de provincias fuese requerido en la capital, pero se alegró de que fuese en la periferia y de leer en unas Tertulias por donde habían pasado ya poetas – me dijo – de su consideración como, por ejemplo, Claudio Rodríguez.

Antonio Gamoneda es un poeta que, encuadrado por la crítica en la generación del 50 (sólo a partir de la publicación de Edad en edición de Miguel Casado. Ed. Cátedra, 1987, libro con el que le concedieron el Premio Nacional de Poesía en 1988), era de difícil clasificación por su singular manera de entender el verso, la poesía: Cuando yo caigo sobre una silla / y mi cabeza roza la muerte; / cuando cojo con mis manos la tiniebla / de las cazuelas, o cuando contemplo / los documentos representativos / de la tristeza, es / la amistad quien me sostiene. (Edad, Blues Castellano, pag 203) Blues Castellano es un libro en el que nos muestra su aportación a la poesía social con un lenguaje muy personal y una nueva búsqueda de ritmo.

En 1992 había publicado en la Editorial Siruela un libro que me impactó cuando lo leí, era el Libro del frío. De él me había enviado un poema manuscrito para incluir en la invitación que cursábamos para la lectura. Era el último poema del libro, me lo envió con la exclusión de una copulativa y ordenado así: Amé las desapariciones / ahora el último rostro/ ha salido de mí. /// He atravesado las cortinas blancas: /// ya sólo hay luz dentro de mis ojos. En el Libro del frío estaba, y está, así: Amé las desapariciones y ahora el último rostro ha / salido de mí. /// He atravesado las cortinas blancas:/// ya solo hay luz dentro de mis ojos.

Antonio Gamoneda siempre propone, en su poesía, Leer, transitar el texto en múltiples direcciones. Tal vez en la dirección de la luz, del amor, de la amistad y de la desolación, del llanto, del abismo, de las pérdidas, de la muerte. El poeta contempla la muerte desde su gran amor por la vida.: Mis poemas –nos ha dicho– proceden de esa reflexión y nacen amando mucho la vida e intentando convertir la visión de la muerte en algo consolador.

A media tarde le conocí personalmente. Tras descender del tren que le traía desde León, nos saludamos y le dije de tomar un taxi hasta San Sebastián de los Reyes, lugar donde realizaba las Tertulias de Autor. Antonio Gamoneda se empeñó en dar un paseo hasta Plaza de Castilla y desde allí, me dijo, tomar un transporte público que nos llevase hasta Sanse.

Con el paso del tiempo, Antonio Gamoneda, se ha convertido en un poeta de culto, un poeta intimista y hermético repleto de símbolos, un poeta que indaga, que funde tiempo y recuerdos y que se sirve de intuiciones verbales. Tuvo que pasar mucho tiempo para que esto sucediera pues, ya si bien escribía desde mediados los años cuarenta no fue hasta que le concedieron el Premio Nacional de Literatura (poesía) que le reconocieron y le encuadraron en un tiempo y en una generación concreta.

Pero antes de esto, en 1969, dejó su trabajo para crear y dirigir los servicios culturales de la Diputación Provincial de León y, y desde principio del 70, la colección Provincia de poesía, donde intentó promover una cultura progresista. Luego hay un silencio poético en Gamoneda, tras la dictadura y el inicio de la transición. Este tiempo, le marcó llevándole a una crisis existencial e ideológica, que se refleja en su siguiente libro Descripción de la mentira. A decir de muchos el libro que nos trajo su madurez poética.

En Plaza de Castilla nos encontramos con el poeta gaditano Rafael Soto Vergés que, enterado de la lectura que iba a dar Gamoneda, poeta a quien dijo admirar, iba a tomar un autobús con rumbo a las Tertulias para escuchar sus poemas y saludarle. Rafael Soto Vergés ya había asistido como invitado a dar una lectura y conocía el lugar, no así la primera vez que acompañado por el poeta norteamericano Louis Bourne, que se ofreció a llevarle en su coche, se perdieron al entrar en Sanse y tuve que demorar 30 minutos el comienzo de aquella lectura hasta que aparecieron acompañados de un policía local de la vecina Alcobendas que, finalmente, les condujo hasta el plató de CNTV.

A pesar del retraso, todo salió bien y pudimos disfrutar de la poesía del poeta Soto Vergés que, siendo de los 50, quiso enclavarse en la llamada poesía de los 60 o poesía de la renovación del lenguaje o también generación puente, entre los poetas del 50 y los novísimos que aupó castellet en 1969. Unos poetas que durante años fueron obviados de las antologías y que no parecían contar para nada o para poca cosa cuando, con la renovación del lenguaje que emprendieron tras la llamada poesía social, dieron paso a una nueva estética y, en alguna medida, a los poetas que, tras ellos, fueron llegando.

En este grupo estaban, desde que, junto a la profesora Pilar Palomo, se reunieron en Zamora para formar lo que llamaron Promoción del 60, los gaditanos, de Rota Ángel García López y de Arcos de la Frontera Antonio Hernández, el madrileño-conquense Diego Jesús Jiménez, el poeta de Talavera de la Reina, Joaquín Benito de Lucas, el Zamorano Jesús Hilario Tundidor y el melillense Miguel Fernández. No recuerdo si Félix Grande –creo que no– llegó a estar también en este grupo o sólo simpatizó con él, por amistad con Antonio Hernández y Diego Jesús Jiménez (por cierto que estos dos poetas, los más jóvenes de aquella llamada Promoción de los 60, fueron enclavados luego en lo que Juan José Lanz denominó Generación del 68 en la edición que hizo en 1997, publicada en la colección Austral, sobre la titulada Antología de la poesía española 1960-1975), ya que la poesía de Félix, renovadora de lenguaje en su momento, está considerada como el germen de una poesía que más adelante se vino creando.

Pero volviendo a Antonio Gamoneda diré que el Libro del frío es, para mí, tal vez el mejor de sus libros, un libro de sufrimiento que, irremediablemente, nos lleva a la tristeza, al nudo en el estómago, a golpearnos con tal fuerza que uno se queda, tras la lectura, como sin aliento. Antonio Gamoneda ha dicho, no recuerdo si en torno a este libro o a su poesía y tampoco dónde, pero sé que lo ha dicho: es cierto que lleva hacia la tristeza pero si a la historia de la poesía universal se restase lo que hay de sufrimiento, quedaría muy empobrecida.

Tal como me pidió Antonio Gamoneda, fuimos los tres en autobús hasta San Sebastián de los Reyes. Antonio no cesaba de contemplar el paisaje y hacia frecuentes comentarios del crecimiento de los pueblos de la periferia de Madrid. Me gustan las periferias – dijo – yo soy de periferia. Como tu poesía – contesto Vergés – que está siempre en la provincia, en el margen, al borde de… en la periferia de cualquier centralismo. Y Gamoneda sonrió calladamente. Sobre las seis de la tarde le dejé en el hotel donde pasaría la noche. Para que descanses un poco de la caminata –le dije – y sobre las siete y media vengo a recogerte para ir al estudio donde harás la lectura.

Antonio Gamoneda, entonces, no sé si ahora seguirá haciéndolo, caminaba a golpe de un contador para saber con exactitud el kilometraje. Tenía que hacerlo cada día y no le importaba caminar, de modo que al regresar a buscarle para la lectura nos dimos un paseo por Sanse hasta llegar al edificio que, por entonces, albergaba el estudio de Canal Norte Televisión en la Plaza de la Iglesia, edificio que anteriormente fura la biblioteca de la localidad y que ahora estaba en otro lugar de la misma plaza.

La reedición del Libro del frío con la inclusión de 20 poemas nuevos se produjo años después, en 2000 (Siruela). Veinte poemas que recoge en la sección Frío de límites y que nacen como fruto del dialogo que el poeta estableció con una serie gráfica del pintor Antoni Tapies: Los dos creamos un espacio de relación existencial en el que compartimos con símbolos la perspectiva de la muerte. Pero después, los componentes se independizan; Tàpies hace su vida expositiva y yo estoy en soledad con mis propias expresiones, y me doy cuenta de que estos poemas están en la línea del pensamiento poético del Libro del frío y de que con esta parte se cierra el acto contemplativo hacia el fin. Y añade después en este artículo de Aurora InTxausti aparecido en el diario El País (2 de marzo de 2003): Los 20 poemas representan una ampliación del espacio que, en el Libro del frío, se abre a la contemplación de la inexistencia. Es la reunión de los últimos símbolos ante la luz de la desaparición.

La Tertulia comenzó a las ocho en punto. El plató repleto y en silencio, esperaba la señal del realizador para iniciar en riguroso directo lo que fue una hora en compañía de un poeta tan singular como tremenda es su visión de la poesía, de su poesía llena de misterios, símbolos, de intimas experiencias vividas llenas de dolor y sufrimiento trasladadas a unos poemas donde el amor a la vida le conduce, sin remedio, a hablarnos de la inevitable muerte de una manera natural y desde esa perspectiva de su experiencia vital.

Por edad, Antonio Gamoneda, pertenece la llamada generación del 50 aunque él, con rotundidad, ante mi pregunta de por qué había sido obviado de esta generación por la crítica y los antólogos, me respondió que: “era lógico no estar incluido en ella ya que yo comencé a publicar en 1960” (como poeta se dio a conocer con el libro Sublevación inmóvil (1953-1959), publicado en 1960 en Madrid, este libro fue finalista del Premio Adonais de poesía, libro que rompía con las tradicionales reglas realistas de la época), con esta aseveración Antonio Gamoneda, uno de los poetas más complejos, zanjó aquella cuestión.

Si esperando el inicio de esta lectura de Antonio Gamoneda había en el público asistente un respetuoso silencio, durante la lectura que realizó del Libro del frío, el silencio cortaba el aire y la respiración de quienes escuchábamos al poeta. Un poeta original que aporta , como dijo Francisco Díaz de Castro en su reseña sobre la poesía reunida Esta Luz (1947-2004) en El Cultural del 25 del noviembre de 2004: sugestivas figuraciones que aportan ya intensidad a la percepción de la materia, a la expresión del amor, de la queja religiosa, y conciencia histórica creciente,

Entre los asistentes recuerdo a Juan Carlos Mestre,de quien yo decía entonces que era "un valor en alza", a José Ramón Trujillo, Isla Correyero, Pureza Canelo, Rafael Soto Vergés, que seguían con mucha atención y de manera intensa la lectura de Antonio Gamoneda. Una lectura, tan hermosa como tremenda, donde nos ofreció unos poemas llenos de esa emocionante magia que se produce cuando lo que se escucha, llega y toca los sentidos. Poemas emocionantes, poemas misteriosos, poemas llenos de sufrimiento, de dolor: Mi poesía, y no sólo la mía sino de cualquier poeta, quiera o no quiera, es de alguna manera el relato de cómo se avanza hacia la muerte (…) La contemplación de la muerte se hace de una manera inseparable del amor a la vida

Todo salió perfecto. Antonio estaba más que feliz aquella tarde-noche. Tanto que al pedirle que dedicase sus libros Edad y Libro del frío, lo hizo con ambos y, en Edad,de este modo: Sirva para agradecer a Manuel López Azorín una noche feliz. Antonio.

Tras la Tertulia unos cuantos poetas de Helicón y de los venidos desde Madrid para escuchar al poeta invitado nos fuimos a cenar al Mesón La Rueda, lugar donde habitualmente terminábamos tras cada Tertulia, y allí, como siempre mantuvimos otra tertulia, ya más familiar, más distendida hasta media noche que fue cuando Isla Correyero (entonces vivía en Sanse) nos invitó a continuar en su casa, tomando una copa más, aquella Tertulia iniciada por la tarde. Nos avisó la madrugada, la luz, que Antonio Gamoneda tenía que descansar un poco en la habitación del hotel, antes de regresar a León, regresar a la luz de su infancia, a la memoria de su tiempo, al recuerdo de las pérdidas, para seguir amando, valorando la vida en el silencio de su quehacer cotidiano.

Después de aquella primavera de 1995, hemos intercambiado alguna que otra carta, llamada telefónica… pero no volvimos a vernos hasta abril de 2003. Fue en Cambrils, en unas Jornadas poéticas en las que coincidimos ambos con nuestras mujeres. Allí pasamos tres estupendos días, gracias al poeta Ramón García Mateos y nos unimos en una antología titulada Palabras frente al mar. (Trujal. Pliegos de poesía nº 6 2003)

Su libro Arden las pérdidas se publica ese año de 2003, y a decir de la crítica, culmina la madurez iniciada en Descripción de la mentira, con una poesía en la perspectiva de la muerte en la que lo perdido (la infancia, el amor, los rostros del pasado, la ira…) aún arde en el tránsito hacia la vejez con mayor lucidez, con mayor claridad, con mayor frío. Hay –ha dicho Antonio Gamoneda– un paralelismo entre la escritura, la existencia y la experiencia que he interiorizado a lo largo de mi vida. Crecí tras la guerra civil, con la impregnación del sufrimiento histórico y personal. Al año siguiente vendrán un nuevo libro y una recopilación: Cecilia (2004) dedicado a su nieta y Esta luz: poesía reunida: (1947-2004), (2004).

La memoria que contiene el amor, la amistad, la luz y contiene el dolor, la desolación, el silencio es el motivo principal de la poesía de Antonio Gamoneda, una visión de la luz y una visión de la muerte desde una simbología particular y la aceptación natural de que la vida crece mientras decrece. En 2006 año le concedieron el Premio Reina Sofía y el Premio Cervantes. Tras ser Premio Cervantes, el 20 de abril de 2008, introdujo un mensaje en la Caja de las Letras (lo que había sido reducto fortificado del dinero, un día, como un milagro, se convirtió en el lugar de la palabra) del Instituto Cervantes, cuyo contenido se sabrá en 2022. Se le ha otorgado también, entre otros, la Medalla de Plata del Principado de Asturias, el Premio “Leteo”, la Medalla de Oro de León y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes. Es Hijo Adoptivo de León y Doctor Honoris causa por la Universidad de León.

Antonio Gamoneda es el poeta del silencio, de la luz, y de la muerte porque ha vivido de cerca el dolor y el sufrimiento y, sobre todo, porque ama la vida y amar la vida es saber que un día ha de llegar la muerte y, con ella, la desaparición de la luz, la inexistencia, el silencio. Nos dice: El pensamiento poético es un pensamiento que canta. Y cantando, el poeta nos muestra una poesía esencial y existencialmente desnuda, como un sueño surrealista, como una alucinación, que diría José Hierro, de una realidad interiorizada poéticamente, envuelta en brumas. Es una poesía autobiográfica de intimismo encubierto que no narra, muestra imágenes, sensaciones y, sobretodo, canta.

Canta con ritmo, su ritmo, para dejarnos un verbo denso. El de Antonio Gamoneda, es verbo que, tras haber contemplado, nos muestra un paisaje de desolación, de despojamiento, de pérdidas. Es una voz inmersa en el tiempo, una voz fragmentada en sensaciones que nos ofrece retazos de tiempos sucedidos, vividos por él; pero sin referencialidad temporal, voz profunda, misteriosa, hermética en su simbolismo, verso de luz y de silencio, esta es su poesía, su visión de la luz, su visión de la muerte.

Julio Santiago: Ulo Ago. Puro Julismo

2011-12-06T08:33:00.001-08:00

Foto: portada de Ulo Ago

Julio Santiago, que no para de publicar, nos sorprende ahora con un libro íntimamente suyo. Ulo Ago publicado por Cuadernos del Laberinto Madrid, 2011 en la colección Anaquel de poesía. En él, este poeta y pintor extremeño, con esa línea delgada y esencial que adoptó en Poesía depilada, nos abre la puerta de su patria de hombre, es decir de su infancia, y a través de la memoria del adulto, nos recrea ese tiempo de paraíso y a veces de desconcierto que todos, cada cual a su modo, albergamos en lo más íntimo de nuestro yo. El título del libro lo explica Julio Santiago en el segundo poema: Cuando / con / dos / años / me / preguntaban / que / cómo / me / llamaba, / yo respondía / Ulo / Ago.

Un acertado prólogo de Beatriz Correyero Ruiz (Doctora en Ciencias de la Información, mujer especializada en comunicación, gestión e información del conocimiento, periodismo radiofónico etc.) nos habla de : padres, hermanos, abuelos, tíos, primos, amigos, amores, amantes, vecinos,
profesores, religiosas y paisanos del cacereño pueblo de Miajadas dejaron una impronta imborrable en Julio Santiago de la que ahora él les hace partícipes en esta obra, gracias a la cual sus testimonios no se perderán jamás y todos los que un día conocimos a Julio Santiago podremos reconstruir, ojeando sus páginas, gran parte de un pasado común.

Como este poema: Plantaba / todo / tipo / de / legumbres / sobre / algodón / húmedo / en / las / tapaderas / de / los / tarros, / pasaban / pocos / días / hasta / que / se / producía / el / gran / milagro. O este otro poema: La/ señorita / Cati / nos / recomendó / en / 1º / de / E.G.B. / que no viéramos /Verano / Azul, / yo / entendí / poco / pero / me / despertó / gran / inquietud.

A estos poemas, comunes a casi todos en la infancia, une Julio Santiago otros en los que, de alguna manera, inmortaliza a las personas que formaron parte de su infancia, las que fueron testigos de su visión del mundo, que en en ese tiempo infantil es de asombro y milagro, de enigmas y descubrimientos: A / los / siete / años / desarmaba / los / juguetes / eléctricos/ con / el / fin / de / poder / descubrir / el / milagro / del / movimiento. / A los trece,/ desnudaba / a / mis / amigas / y / amigos / con / el / fin / de / poder / descubrir / el / pecado / del / movimiento.

Julio Santiago ha escrito un libro en el que sin perder del todo, como no lo ha perdido en los anteriores, su referencia más clara, producto de su gran cariño y admiración por la poeta Gloria Fuertes, que ejerció en él su magisterio, sin quererlo que es la mejor forma de ejercer, y su amistad con el entonces jovencito muchacho, un libro digo, en el que recrea con ternura, con humor, con alegría, con nostalgia, a veces con sabor agridulce pero siempre con amor, esa patria del hombre de la que nos hablaba Rainer María Rilke: la infancia. Y lo ha escrito con la patria del poeta , que decía mi querido y siempre recordado Claudio Rodríguez : el lenguaje.

Foto (de Javier Arcenillas) Gloria Fuertes en su casa de Alberto Alcocer de Madrid.

Un lenguaje que Julio Santiago ha ido depurando, adelgazando, esencializando, hasta convertir su poesía en un estilo personal que nada tiene que ver con ningún otro. De la misma manera que Gloria Fuertes invento el Glorismo, este muchacho, en mi opinión, ha inventado el Julismo, un modo de escribir poesía que es sólo suya, aunque todos podamos, si así lo queremos degustarla, y yo la recomiendo. Una poesía que, como Julio Santiago, es humana, tierna, bienhumorada, sencilla, nada simple, inteligente, clara y profunda y que naturalmente por ser,aun con el lenguaje de siempre, diferente, le pertenece.

Corrado Calabró: Un cuchillo en la miel. Poesía completa 1960-2010

2011-11-30T04:07:00.000-08:00

Foto: Portada del libro donde se ve al autor.

El poeta italiano Corrado Calabró, llenó, en la tarde del sábado 4 de junio de 2011, en la Feria del Libro de Madrid, el Pabellón Carmen Martín Gaite. La lluvia de aquella tarde le fue propicia ya que este poeta italiano, no demasiado conocido aquí, tuvo, gracias a ella, afluencia de público, un público que terminó aplaudiendo con ganas al poeta recién descubierto. Allí presentó, en edición bilingüe, Un cuchillo en la miel. Poesía completa 1960-2010, en edición de Emilio Coco, publicada por Sial. Estuvo acompañado por José Ramón Trujillo, poeta, profesor en la Universidad Autónoma de Madrid y coeditor, junto a Basilio Rodríguez Cañada, del sello editorial Sial. El poeta Luis Alberto de Cuenca presentó la obra poética de Corrado Calabró, poeta que –en palabras de Emilio Coco– se mueve con total libertad trabajando la palabra en soledad, con rigor y constancia y, siempre, alejado de estéticas o corrientes de moda triunfantes, alejado del ruido de las camarillas. Fiel tan sólo a sí mismo y a su poesía.

Unas horas antes, durante la mañana, coincidimos Corrado Calabró y yo en la caseta de Sial Ediciones. Ambos estábamos convocados para llevar a cabo, un año más, ese ritual de firmar libros a los lectores que quieren acercarse para tal fin. Vino acompañado de su mujer, él se quedó en la caseta, donde nos presentaron y pasamos la mañana, entre firma y firma, charlando sobre poesía, del amor y del mar. Este poeta, que vive en Roma desde hace muchos años , me dijo: la siento como mi ciudad pero echo en falta la vista del mar, me falta ver el mar desde la ventana de Roma. En el poema titulado Bypas, encontré luego, esta sensación de la que me habló el poeta italiano:

También esta mañana, abriendo la ventana,
aquella privación indefinida.
Sólo un instante después me doy cuenta,
al refregarme los ojos, de lo que falta:
sí, Roma es hermosa pero le falta el mar.

Y es que el mar para Corrado Calabró es mucho más. Es el tiempo, el alivio del sentimiento, el amor. Habla con él, se confiesa con él, y a la manera de nuestro Jorge Manrique sabe y desea unir su final al mar: Sería hermoso dormirse en el mar.

Corrado Calabró nació en Reggio Calabria, en 1935, a orillas del mar. Ingresó muy joven en la magistratura del Consejo de Estado del que fue designado presidente adjunto. Desde 2005 es presidente de la Autoridad para las Garantías en las Comunicaciones. Corrado Calabró desde 1960 ha llevado a cabo una intensa actividad literaria. Por su obra literaria, Mechnikov Universidad de Odessa en 1997 y la Universidad de Vest din Timisoara en 2000, le nombraron doctor honoris causa.

El autor de esta edición, Emilio Coco (Nacido en San Marco in Lamis, Italia en 1940, ha desarrollado una intensísima actividad como crítico, antólogo y traductor de poesía italiana al español y de la española a su idioma, además de escribir, también, su propia poesía que, en España, ha sido traducida , entre otros, por los poetas Rosa Lentini: Piano bar, 2001 y Carlos Clementson: La memoria del vuelo, 2002. Por toda su dedicación y trabajo a las letras españolas, se le ha concedido La Cruz de Alfonso X El Sabio.

De Corrado Calabró nos dice Emilio Coco en el prólogo de esta Poesía completa: Tras una acogida de sus primeros libros muy favorable por parte de la crítica, la poesía de Corrado Calabró sufrió un largo periodo de silencio, debido a la glaciación de la cultura y de la poesía durante los años 60 por culpa de la infausta política autopromocional de los neovanguardistas.

El libro viene acompañado de un CD con poemas en las voces de Alicia Mariño, Luis Alberto de Cuenca y Corrado calabró

Poco antes de las dos de la tarde, Corrado Calabró dio por terminada su sesión de firmas y, junto a su esposa, que regresó para marcharse juntos, se despidió de mi hasta la tarde y desapareció entre el deambular del numeroso público que paseaba por la Feria.

Este hombre educado, sencillo y amable es, en Italia, sumamente conocido y de algunos de sus libros se han hecho varias ediciones. En 2002, por ejemplo Mondadori publicó con el título de Una vita per il suo verso una gran muestra de su poesía que tuvo varias ediciones y en 2009, también publicado por Mondadori, La stella promessa. Igualmente hay numerosas traducciones de su poesía a diferentes idiomas y de sus poemas se han grabado discos con las voces de importantes intérpretes italianos, entre otros, Giancarlo Giannini que grabo un CD con 19 poemas, que acompañaba al libro editado por Newton & Compton, Roma, 2004, titulado T´amo di due amori, una antología de temática amorosa.

IL TEMPO SI RAGGRUMA

Sei qui:
Non si dibatte più, mosca impazzita,
nerlla rete delle ore la tua assenza.
Sei qui:
non pialla più il cervello
la tua attesa.

Sei qui:
il tempo si raggruma
lo spazio prende corpo
in questo evento.

EL TIEMPO SE AGRUMA

Estás aquí:
ya no se debate, mosca enloquecida,
en la red de las horas tu ausencia.
Está aquí:
ya no alisa el cerebro
tu espera

Estás aquí:
el tiempo se agruma,
el espacio toma cuerpo
en este acontecimiento.

Corrado Calabró muestra predilección por una poesía de corte formal y emplea con asiduidad el heptasílabo y el endecasílabo como base de sus poemas. Para él, y para mí también, pues coincidimos en nuestra conversación de aquella mañana de Feria, la métrica es importantísima para la poesía, tanto –me decía – como el latir del cuore para respirar. La regularidad del metro ofrece musicalidad. Y es cierto, en un poema, de corte clásico o tradicional, o polimétrico nos deja en él un ritmo, la cadencia, una música… que hace que el poema (aun sin rima, pues no es necesaria en muchas ocasiones) se quede en nuestra memoria.
Termina Emilio Coco su introducción a esta poesía completa de Corrado Calabró diciéndonos, precisamente, que: Su poesía quedará en la memoria de sus lectores cuando se hayan borrado para siempre las efímeras fortunas de otros poetas.

Pilar Aroca: En este corazón

2011-11-25T10:57:00.000-08:00

Pilar Aroca (Madrid, 6 de mayo de 1937) cursó estudios de Bellas Artes en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid y de Filología Hispánica en la UNED. Pertenece a la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana y es miembro de la Junta Directiva de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles; y miembro de número de la Academia de la Hispanidad.

A primeros de julio de este año nos vimos Pilar Aroca y yo en casa de una amiga común, Carmina Casala, allí me llevó su último libro: En este corazón, publicado por Huerga &Fierro editores, Madrid, 2010. Es decir por dos buenos amigos, el matrimonio formado por mi paisano Antonio Huerga y Sagrario Fierro.

Después de casi diecisiete años sin publicar, me encuentro con En este corazón, un nuevo libro de Pilar Aroca con una portada, así como los dibujos del interior, todos de mujeres, del pintor Manuel Mingorance.

Antes que este corazón (que adopta la figura mágica de la guitarra para dejarnos, en el preludio, con un clarificador título: En este corazón están el amor, el odio y el olvido y un subtítulo entre paréntesis (Guitarra), donde nos dice:

En este corazón, vibrante caja,
han guardado los hados su memoria
de notas desgarradas y dolientes:
Tañidos arrancados de la tierra.
Y es, como una mujer enamorada,
símbolo de pasiones y placeres.
Es el amor, el odio y el olvido
Recordado en la noche cadenciosa,

Pilar ha publicado cuatro libros de poemas: Al compás de una vida (1981), Elegía (1985), un hermoso y emocionante libro del que dijo Carlos María Maíner: Sin duda una elegía es lo único que no se desearía escribir. La paradoja reside en que la tradición elegíaca ha originado los mejores poemas de nuestra literatura. El hondo sentimiento, antes de desbordar al verdadero poeta, lo habilita para la creación. Y el resultado será, cuando menos, sincero. Ventanas a lo oscuro (1987). De este libro escribió Carmen Conde: bello libro que continúa y forma bloque con su conmovedora Elegía. y Tierra Erguida (1993), que obtuvo el Premio de Poesía Ciudad de Benicarló. Más tarde, ya en 2008, publicó Trilogía, libro donde reunió los últimos tres poemarios, de los cuatro que había publicado. La autora decidió no unir a estos tres libros su primer poemario.

Decía antes que la pintura de portada y los dibujos de Manuel Mingorance son todos de mujeres y no podía ser de otro modo si se ilustra un libro donde cada poema es de una mujer y para una mujer. Es decir Pilar Aroca autora crea y recrea a mujeres reales o de ficción a través de estos versos. Así nos encontramos en las cuatro partes de que consta el libro con poemas que nos hablan de Eva, en su creación: Y mientras reposabas / en tu profundo sueño. / El me pensó. Y en ese instante mismo / me regaló la luz para que amase.

Un canto a Godiva de Chester que: galopa sin cesar, alba de seda. La esposa de Juan Ramón, Zenobia donde la autora le pregunta: Con qué redes y cárceles de seda. / Con qué velo de araña, / sabiamente cubriste, / la noche del poeta.

Y nos habla de la ficticia (y casi real) Ofelia, de la Gioconda desnuda de Leonardo Da Vinci, de Juana I de Castilla (llamada Juna la loca) , de Teresa de Jesús, se recrea en un cuadro de Agustina de Aragón de Goya, o nos recrea, tres décimas sobre la doliente Dorotea mientras busca al veleidoso Fernando. Supongo que se trata de “la bella y doliente Dorotea, engañada por don Fernando. Amigo del Roto que le quitara a su amada Luscinda (intrincada novela de amores, con final feliz, que se intercala entre la historia de las andanzas de Don Quijote), y que es, Dorotea, quien consigue la vuelta a casa del hidalgo caballero”.

Jorge de Arco autor del liminar de este poemario nos dice de su autora: En este corazón, sugerente y confortador, se halla la voz de una poetisa que ha sabido renovar los cálidos acentos de su cántico.

Pilar Aroca, en 1987, obtuvo el Premio Alcaraván y, en 1992, el Ciudad de Benicarló, ya citado anteriormente. Poemas suyos han sido musicalizados, así como recogidos en diversas antologías. Escribe también relato breve y, en este género tiene en su haber dos Huchas de Plata (1986 y 1988). Es colaboradora asidua de periódicos y revistas de Arte y Literatura y ha sido traducida al italiano, al inglés y al hebreo.

Carlos Martín: Memoria de la ceniza

2011-11-21T02:04:00.001-08:00

Carlos Martín ha visto publicado Memoria de la ceniza (Huerga y Fierro editores, Madrid 2010).. Más de un centenar de poemas , breves, con la fugacidad del relámpago, entre la reflexión sobre el ser humano, la filosofía proveniente de Buda, la ascética de Fray Luis de León a veces, y a veces la del místico fraile San Juan de da la Cruz. El libro consta de cuatro apartados: Perturbados es el primero. En él sobre la condición humana y trata de buscarse, de saberse y se retroalimenta, dice para sí: El asunto es que queremos / seguir diciendo para los otros. / Mientras perdure este estado de cosas/ la barbarie está servida. El sujeto poético mira su mundo interior, se sincera consigo y dice: Te abres a la noche perforando el silencio,/ sólo tú, honda presencia, / en un callejón sin estrellas.

Carlos Martín es técnico de Cultura en el Ayuntamiento de Alcobendas (Madrid) y en él, coordina las actividades culturales que se realizan en este municipio. Licenciado en Geografía e Historia por la Universidad Complutense este madrileño, nacido en 1956, vive centrado en el mundo de la literatura y el pensamiento, su verdadera vocación es la poesía, género que cultiva desde hace años como una forma radical y necesaria de comunicar (y de conocimiento). En 2009 publicó el libro de poemas El sueño de Lázaro (Poesía eres tú)

En este segundo poemario se nos muestra el autor, si cabe, aún más conciso, más a la búsqueda de lo esencial. Memoria de la ceniza, que da título al volumen, es el segundo apartado donde, entre la vida y el tiempo, la luz y la sombra, busca en la palabra, el verdadero fin de vivir y su pasión: El anhelo siempre. / Bebes de su raíz mas todo concluye pronto. / Del júbilo de hoy solo permanecerá / grávida memoria de la ceniza.

En su primer libro, decía yo que: La poesía de Carlos Martín es, principalmente de concepto y con toques de filosofía orientalista, de filosofía Zen, El sueño de Lázaro era el libro de un poeta experimentado, maduro, que traía a la luz de la poesía a un autor que llevaba años escribiendo, aprendiendo, indagando, construyendo, como tantos por otra parte, un mundo en el cual poder expresar las emociones, en el que intentar plasmar la vida, la que vive y la que sueña,

Los pájaros del monasterio conforma la tercera parte de este segundo libro en el que como sujeto lírico, Carlos Martín, ascético ya, vive y sueña: Oscurecido por el signo de los hombres / fecundo otros sueño, me alejo a buen paso. Y en esta quietud de monasterio, de retiro del mundo, donde sólo se escucha, el aleteo del pájaro en la torre, celebra la vida en Silencio de piedra. Y viaja hasta lo más dentro de sí mismo para decirse y decirnos: Más silencio / y más vacío / que me traspase. Y tras pasar vigilias, laudes, víspera… llegar a Completas y Abismándome / siento crecer la noche.

Y el último apartado: Cenestesia. Un cuerpo, independiente de los sentidos, donde las sensaciones crecen sin localización nos dice: Se amontona el dolor de la memoria / No es mejor el olvido, horizonte que ceba la niebla. ¿Es el dolor del cuerpo,de la mente?: La respiración entrecortada, frágil / Vigilia, sueño y otra vez vigilia./ ¡Duele tanto el largo minuto de la noche. Su poesía se despoja de todo lo innecesario y nos la muestra con la austeridad y concreción del eremita, con exactitud, con la desnudez esencial precisa.

Carlos Martín es un poeta que, colmado de soledad, vuelve sobre (sus) pasos y cena con los otros al atardecer / para que la digestión les haga idénticos . Un poeta que titula sus poemas (al anterior le llama La dulzura del rebaño), al final de éstos y no al principio como es habitual tal vez porque no quiere…adjetivos que distraigan / lo que de veras esconde la poesía: / amor a la verdad que a todos nos concierne.

Un poeta que sueña La vida infinita en este mundo donde nada se detiene/ nada se detiene / nada. Y todo es ceniza, “Ceniza de este sueño que es el hombre”, como digo yo. Pero aun sabiéndolo, ese sueño que es el hombre Carlos Martín, contemplativo, nos dice: El cielo es bendita soledad. / Arde la rama del cerezo. / Todo misteriosamente me alimenta. Como esperando una llamada. Como si, en un rapto de fervor no religioso, clamase la unitiva mística. O tal vez sólo el sueño de soñar, ceniza al fin, que nada se detiene, / nada se detiene, / nada.

Ricardo Hernández: Poetas de la Extremadura exterior (1900-2010)

2011-11-16T05:00:00.001-08:00

Ricardo Hernández Megías (Santa Marta de los Barros, Badajoz 1948) es el autor de esta edición de Poetas en la Extremadura exterior(1900-2010), publicada por Sial / Contrapunto en la que nos da cuenta de los poetas extremeños que, fuera de Extremadura, han llevado a cabo su labor creativa. Una muestra de esa gran labor lírica nos la muestra en este libro que titula Poetas de la Extremadura exterior(1900-2010) y que abarca casi un siglo de creadores extremeños.

Ricardo Hernández Megías es uno de los muchos jóvenes que tuvieron que salir de Extremadura en la década de los sesenta por motivos de estudios, primeramente a Sevilla y más tarde a Madrid, donde reside desde finales de los sesenta. Muy ligado a Extremadura en los círculos de Madrid a través de las casas regionales, es actualmente Presidente de la Federación de Asociaciones Extremeñas en la Comunidad de Madrid.

Antes que este libro, en 2004, dio a la imprenta un importante trabajo titulado Escritores extremeños en los cementerios de España que consta de tres tomos aunque el tercero está pendiente de publicación. Buen conocedor de la vida y la obra del poeta pacense Luis Álvarez Lencero, publicó su libro inédito El corazón al hombro (Beturia, 2009) con una amplia introducción y notas y tiene ya acabado, pendiente de publicación, un estudio biobibliográfico del mismo autor con el título de: Luis Álvarez Lencero…desde la memoria.

Como se puede ver su preocupación por Extremadura y sus gentes los que la habitan físicamente y los que la viven en el recuerdo le lleva e escribir sobre ellas y, en esta ocasión, a recoger una extensa muestra de poetas extremeños (Poetas de los que de cada uno de ello, escribe Ricardo una semblanza de su vida y su obra destacando de cada uno lo que considera más relevante) que por una u otra razón viven fuera de esa tierra que, por otra parte, siempre tienen presente. Ricardo y yo coincidimos en la última Feria del Libro de Madrid, allí me regaló este libro y yo le correspondí con el mío: Sólo la luz alumbra.

Basilio Rodríguez Cañada, extremeño también, poeta recogido por Ricardo Hernández en este libro, editor de Sial, presidente del Pen club de España, gestor Cultural y profesor de comunicación, apunta, en la contraportada, lo siguiente en relación con esta antología: Poetas de la Extremadura exterior (1900-2010) supone una aportación imprescindible para poder entender la poesía extremeña de los últimos cien años. Además esta selección de 28 poetas , nacidos entre 1903 y 1965, la mayoría de ellos vivos ( sólo seis de los antologados han fallecido), que han editado buena parte de su obra fuera de Extremadura, será una obra de referencia obligada para poder entender las consecuencias para la cultura y la literatura extremeñas de las continuas oleadas migratorias que dejaron nuestros pueblos y ciudades el pasado siglo XX.

Muchos de los poetas reseñados –nos dice Ricardo Hernández Megías en la introducción– son lo suficientemente conocidos y leídos, tanto dentro como fuera de nuestra Comunidad Autónoma, como para que aquí en estas páginas sean solamente una referencia de unos hombres y mujeres que aunque han ejercido o ejercen su trabajo en otras latitudes, siguen muy ligados, a través de sus obras, a su tierra de origen. Otros, principalmente por su juventud, son menos conocidos dentro de Extremadura, por lo que nuestra pretensión con esta, a modo de antología o Guía de poetas extremeños del exterior, es complementar los trabajos que desde el interior se han venido publicando.

Desde hace años, conozco personalmente y leo a los poetas Félix Grande, Pureza Canelo, Basilio Rodríguez Cañada, Juan Carlos Rodríguez Búrdalo, Pablo Guerrero y Laura Olalla. A Juana Vázquez la he conocido y leído hace poco y sé, sólo a través de sus versos, de José María Valverde Pacheco, José Antonio Ramírez Lozano, José Miguel Santiago Castelo, José Antonio Gabriel y Galán y Juan Calderón Matador es decir la mitad de los aquí antologados.

Esta antología me ha permitido releer a estos poetas, algunos de ellos buenos amigos también, al tiempo que conocer la poesía de los demás poetas que aquí recoge Ricardo Hernández Megías. Obra que permitirá también a los lectores tener a mano en un solo volumen una parte importante de la poesía española escrita por extremeños que residen fuera de Extremadura.

Lola Vicente: Y yo también

2011-11-12T02:32:00.001-08:00

Lola Vicente me regaló su nuevo poemario el pasado abril, un libro con el título de Y yo también (Cilea Ediciones, poesía). En principio iba a titularse Manuela (que es la protagonista o el sujeto poético de este libro) pero, finalmente, tras una sugerencia de Miguel Ángel García Gil, un arquitecto amigo de Lola e ilustrador de Y yo también, lo tituló de este modo porque: lo que le sucede a la protagonista cada vez que experimenta un deseo, una aspiración o un sentimiento, me digo: y yo también – le dijo – es algo que, a veces, nos sucede a todos.

Lola Vicente, natural de Yecla, Murcia, reside en Carbonero el Mayor (Segovia) desde hace ya muchos años. Desde su soledad, combate la tarea diaria de vivir, al margen de su trabajo de funcionaria, con el perenne recuerdo de su Yecla natal,, de su padre que reposa allí y fue poeta, de su marido, fallecido ya y de su hijo Manuel que se marchó para siempre, en plena juventud, en un accidente de coche. Desde Manuel fue un libro que dedico a su hijo para atraparlo, con poemas, en el tiempo. La combate con esos recuerdos y abandonándose, a modo de catarsis, a la poesía como bálsamo de salvación.

El profesor y poeta José López Rueda, autor del prólogo, y buen amigo de Lola Vicente, nos dice: Y yo también es un pequeño relato en verso con un mínimo argumento que permite a su autora disminuir su angustia plasmándola en palabras. La tensión espiritual que supone su lucha por vencer la soledad y el desamparo se resuelve en un texto intensamente lírico bordado sobre un discurso narrativo que lo sustenta.(…) ¡Cuanta Lola hay en Manuela! Y este hecho es el que genera la emoción, la hondura, la autenticidad de la obra.

De manera que Manuela-Lola transita por este poemario y va calle abajo/ relega las intrigas, / sólo el amor escucha y va como muda y sola porque Lleva encima silencio, tan callado. Tan pesada carga que La mirada impelida en el vacío, / galopa, sometida a la nostalgia, y a veces suspira Trata de figurarse que nadie lo sospecha y avanza comportándose como cualquier otra persona aunque por dentro aspire bocanadas / de realidad o de melancolía, frente al dolor de saber que se le ha marchado tanto… Los hijos se marcharon, / quebrantando las reglas.

Después de tantas pérdidas Recorre los pinares, ronda el campo / y pasea por las calles del pueblo. Va envuelta en un vacío que le acecha, una tormenta, un temporal de indefensiones; pero Manuela-Lola está viva, y piensa y siente Va llena de energía / cubierta de rubores / y por su sangre corre /la iniciativa para la aventura. La aventura de vivir y la de escribir.

La savia de la vida alimenta su carne y con ella, sobrepasa la niebla, va enfrentándose al día y a la página en blanco que cubre con palabras de amor y de nostalgia, de amor y de esperanza, de amor y de energía y Así, de esta manera, / pudiera la alborada compensar / páramos desabridos.

En fin, un libro intenso en el que Lola Vicente adopta, para recrearla vida, el pensamiento, las emociones, los deseos y ahuyentar el frío de las pérdidas y de la soledad, la aventura de transmutarse en Manuela y unas veces, soltando el dique de ese río de los ojos por donde aflora nuestra pena y otras cicatrizando heridas o sometiéndose a deseos y rebelándose de ellos, luchando, en definitiva, contra la soledad y el tiempo, nos regala un poemario, de ficción sólo en apariencia, íntimo, tan intimo, que ninguna máscara pessoiana impide reconocer a un sujeto poético transido de dolor y rodeado de soledad y ausencias y, al mismo tiempo, lleno de energía, de vitalidad y de ganas de seguir caminando por la vida y por la página.

Antonio Gala: La vida no es la verdad: la vida es la esperanza.

2011-11-04T02:25:00.001-07:00

Memoria poética I

Antonio Gala: La vida no es la verdad: la vida es la esperanza.

Su nombre de pila es Antonio Ángel Custodio Sergio Alejandro María de los Dolores Reina de los Mártires de la Santísima Trinidad y de Todos los Santos. Su lugar de nacimiento… qué importa, Rainer Mª Rilke decía que nuestra patria es la infancia y Antonio Gala se crió en Córdoba, luego, además, ha llegado a ser Cordobés universal. Y el año de nacimiento…un misterio. El suele decir Octubre de 1936, otros… dan otras fechas; pero,qué más da, respetemos la fecha. Al fin y al cabo, como dice Antonio, La vida no es la verdad: la vida es la esperanza. Lo importante es que Antonio Gala , siempre,siempre, vive vivo.

Antonio Gala es poeta, dramaturgo, novelista, ensayista y articulista. Pero primero que todo lo demás es Poeta. Antonio anunció el martes 5 de julio de 2011 en La tronera que publica el diario El Mundo, que padece un cáncer de difícil extirpación y que se está sometiendo a quimioterapia y radioterapia. Y lo hizo con estas palabras: "La enfermedad nunca es una forma de tristeza ni una metáfora ni una melancolía: es un camino incómodo, que lleva o no a la muerte con o sin rapidez. Hasta ahora fui sometido a toda clase de salvamentos quirúrgicos. Nadie me consideró más interesante por eso, pero su éxito me salvó. Hasta ahora. Ahora padezco un cáncer de difícil extirpación. Y estoy sometido, para tratar de librarme, a un largo puteo, que es igual que una guerra de la que soy el campo de batalla. ¿Con un doble aliado: la quimioterapia y la radioterapia? Espero que conmigo sean más beneficiosas que el cáncer: matar es el fin de los tres. ¿Quizá demasiado tarde para recomenzar? Estoy en buenas manos: lo suficiente como para no querer pasar a las Mejores. Todo parece, así, interminable, monótono, invasivo... Menos la vida: no tenía edad ya de nuevas experiencias. Hubiera preferido el quirófano como tajante campo de batalla. Soy mal aliado de mí mismo: impaciente, poco soportador e insoportable: la anestesia total es mi aliada. Las nuevas experiencias me llegan tarde. Trataré, con todo, de defraudar a la muerte una vez más: la última".

Antonio Gala es un autor de mucho éxito y con muchos lectores en cualquiera de los géneros ya sea teatro, novela, ensayo, artículo o poesía.
(Seguramente, con Poemas de amor, es uno de los poetas que más libros ha vendido) Su estilo está repleto de imágenes y en él abundan los recursos líricos. Goza de enorme popularidad pero, por otra parte, no le faltan detractores tanto de su persona como de su obra. Con relación a su obra, seguro estoy y se diga lo que se diga, que, los lectores, seguirán siendo fieles a su posesión del don de la palabra en cualquiera de los géneros que nos escriba. Con relación a su persona espero que sus enemigos, dejen a un lado el rencor, la envidia, en fin lo que quiera que sientan porque el Karma es el Karma y suelen decir los seguidores de este modo de pensar que todo el mal que se desees para el otro se volverá hacia quien lo desee.

Tras dejar pasar el verano, pendiente de su recuperación, y con la esperanza de que defraude, una vez más, a la muerte, cuelgo aquí un artículo que se publicó en el año 2000 con motivo del Homenaje que la revista cordobesa de Rute Ánfora Nova le dedicó a este poeta que escribe poesía en todo lo que escribe.

En aquel homenaje participamos amigos, admiradores o ambas cosas a la vez, de Antonio Gala y lo hicimos para ofrecerle nuestra amistad y muestra admiración. La lista es extensa, pero citaré, entre otros, a Arturo Pérez Reverteque dijo: Quiero mucho a Antonio. Admiro sus actitudes, sus elegantes silencios, su fidelidad a sí mismo, a lo que representa, el papel imprescindible y único, personalísimo, que desempeña en el mundo cultural español. Y a José Hierro, que envió un poema que es una hermosa metáfora sobre el traslado de los viejos a las residencias (Pepe les tenía horror a éstas), Los claustros. Un poema que comienza así: No, si yo no digo / que no estén bien donde están: / más aseados y atendidos / que en el lugar en que nacieron / donde vivieron tantos siglos. Pepe quiso rendirle homenaje con un poema que significaba mucho para él.

Pongo estos dos ejemplos pero en esta revista participaron desde Federico Mayor Zaragoza a la jovencíta Laura Moll y entre ellos Fernando Arrabal, Eduardo Mendicutti, Carmen Rigalt, Victor Marquez Reviriego, Francoise Dubosquet, Tico Medina, Félix Grande, Raul Guerra Garrido, Leopoldo de Luis, Claude Couffon, Mariano Roldán, Manuel Mantero, Elsa López, Vicente Nuñez, Antonio Hernández, Pilar Paz Pasamar, Odón Betanzos, Jose María García Lopez, Ana Padilla Mangas, Manuel Ríos Ruiz, Francisco Solano Márquez, José Infante, Sergio Macías, Francisca Aguirre, Manuel Gahete, Ginés Liébana, José De Miguel, Carmelo Casaño, Antonio Moreno Ayora, Francisco Domene, Luis Martínez de Merlo, Manuel Galeote, Álvaro Fierro, Manuel López Azorín que es quien maneja este blog y lo que aquí se cuelga, Jacinto Mañas, Joaquín Pérez Azaustre, Manuel Francisco, Vicente Luis Mora, Carmen Calvo, consejera de la Junta de Andalucía por entonces, Miguel Castillejo, presidente de CajaSur, y un pórtico en el que Antonio Gala agradece todas y cada una de las colaboraciones y, cómo no, al director de Ánfora Nova: José María Molina Caballero.

Mi deseo ahora es que Antonio Gala pueda salir adelante porque aunque todo parezca, así, interminable, monótono, invasivo... Como él suele decir también: La vida no es la verdad: la vida es la esperanza.

Mi colaboración fue la que ahora incluyo y que titulé:

Antonio Gala: Poeta

La obra de Antonio Gala es la de un hombre con preocupaciones de concepto y afecto. La de un escritor que posee recursos expresivos con identidad propia. Es la obra de un poeta que transmite vivencias irrepetibles.

Según palabras de Carmen Díaz Castañón (El águila bicéfala. Espasa Calpe 1993) la obra de Gala tiene dos exigencias. La segunda es:…aquella que tiene la honda urgencia de realizar en su obra, su yo más íntimo con una literatura para regresar, inexorablemente, al ser para descubrir lo esencial que hay en él.

Antonio Gala ha escrito: Mi intimidad no se agota en mí sólo. Quizá sea que mi corazón no sea algo que yo abarque, sino algo que me abarca: inasible, nutricio, inmensurable.

También ha dicho: Si yo tuviera que elegir un adjetivo para calificarme no dudaría: Poeta. Estas últimas palabras las pronunció, frente a casi seiscientas personas, el uno de octubre de 1993, en una lectura dentro del programa Tertulias de Autor del Colectivo Helicón de poesía.

Quien esto escribe, le había invitado a inaugurar el Segundo Ciclo de estas Tertulias de Autor por donde ya habían pasado, como Autores invitados para leer su obra, poetas como Pablo García Baena, Claudio Rodríguez, José Hierro…(entre otros) . Luego, tras Antonio Gala, pasarían muchos y prestigiosos poetas, sirvan –por ejemplo – los nombres de Carlos Bousoño, Ángel González…

Antonio aceptó mi invitación a leer su obra poética. Él, que cultiva todos los géneros literarios, ha escrito poesía desde siempre. Para Antonio, la poesía está en la base de todo. Cree que todos los géneros literarios están construidos sobre la poesía y que alguna poesía solo se concreta, se cristaliza, se materializa en el poema. Existe, para Gala, otra poesía que está en el alma de los que la oyen, en el alma de los que la sienten. Es la poesía de actitud vital, esa que, probablemente, todos tenemos.

Hacia esa poesía de actitud vital, a través de la tradición oral, se propuso HELICÓN con Tertulias de Autor y sus lecturas, tratar de hacer llegar la poesía a los que la oyen, los que la sienten, animándoles así a una posterior lectura de lo escuchado, de lo sentido.

Antonio Gala guardaba casi toda su poesía para él no en vano siempre ha manifestado que ésta, le parece un extraño streap-tease moral y doloroso. Por esta razón se resistía a publicarla. Alguna que otra vez, lo hizo en Cuadernos y periódicos, así fui conociendo gota a gota, La deshora, Testamento andaluz, Meditación en Queronea, Sonetos de la Zubia… Con una única excepción en forma de libro publicado, Enemigo íntimo (accésit del premio Adonais, 1959) Tendrían que pasar (desde ese uno de octubre de 1993) cuatro años para ver la obra poética de Antonio Gala recogida en libro. Un libro con el título de Poemas de amor (Editorial Planeta 1997) con prólogo de Pere Gimferrer.

Enemigo íntimo (Colección Adonais , Rialp,1960) fue su primer libro de poemas publicado. Este libro, me decía Antonio,y también lo comentó públicamente aquella noche, generó tantas miles de fotocopias que los dueños de una empresa de copias le regalaron una bandeja de plata como agradecimiento por las ganancias producidas por las fotocopias de su libro. (Reeditado luego en la Colección Retorno. Ediciones La Palma 1991)

Enemigo íntimo. Poemas de amor que se van –y lo digo con sus versos– con la prisa de los ríos. Tan efímero que nos detenemos a mirar y, entonces, vemos que… va ya el agua en el recuerdo sólo. Un amor que nos muestra –en sus versos– los tonos multicolores, profundos y oscuros de la dicha y la desdicha, de la compañía y de la soledad.

Recuerdo que en la lectura de Tertulias de Autor nos dijo: Hoy os voy a ofrecer el único regalo que yo puedo hacer y es el de leer poemas de amor. Es decir los más sensibles para mí, los más sufrientes, los más ensangrentados.

Inició su lectura con un poema de su libro Perseo, libro que definió como inicial y un poco gongorino. De Enemigo íntimo, libro también adolescente, según Antonio, nos leyó el poema número 6 (en Poemas de Amor es el número 3 de los seleccionados para su publicación): Amor no es más que estar / amando, sin sentir el oleaje / en que a la fiebre sigue la desgana.

Tras este poema y ya del libro Valverde 20, otro poema de amor (o desamor ya que toda cara tiene su cruz): Vaya la rosa con su dolor a cuestas / el recuerdo conmigo y yo con nadie. Meditación en Queronea, escrito casi entero de un tirón, medita sobre la batalla que allí se produjo y en la que Filippo de Macedonia exterminó a la Legión tebana (compuesta por parejas de amantes). Antonio leyó el poema de la segunda parte de este libro que es una reflexión sobre estas víctimas de la crueldad contra el amor: Tu nombre es ahora “víctima”. / Descansa, ya has llegado. / Inmortal te retienen / los brazos de quien te ama, y tú retienes / inmortal a quien te ama: / aquel gesto inicial se ha hecho de piedra. / Tan sólo las estatuas / pueden seguir sonriendo para siempre. / Los dos habéis vencido / ¿Dónde está el vencedor?

De Baladas y canciones y seguramente para descargarnos del peso de un poema tan intenso como éste, Gala nos relajó leyendo unas sevillanas cuyo estribillo decía: Cuando suspiro / hasta el aire me amarga / si no te miro. / Ay qué tormento / que me duele hasta el aire / si no te siento. Tras estor versos de corte tradicional, leyó Antonio del libro La deshora el poema Alargaba la mano y te tocaba (debo indicar que este poema está incluido en Poemas de amor en el apartado de Valverde 20, poema nº 5 página 76): ¿Acaso amor es esta no existencia / de tanto ser? ¿Es este des-vivirse / por vivir? Ya desangrado. / de mí, ya inmóvil en ti, ya / alterado, el recuerdo se reanuda. / Se reanuda la inútil exigencia…/ Y alargaba la mano y te tocaba.

Luego de Testamento andaluz, tras el poema de “Mijas” donde hace referencia a Troylo nos leyó el poema de Córdoba: Puede el amante dejar de amar, pero, ay, amará siempre / el tiempo en el que amó. Y después del poema “Alhambra”: Contra la llama sólo la llama. / Contra el agua, la flor del arrayán. Y finalmente llegaron los Sonetos de la Zubia. Leyó Antonio un total de quince sangrantes y rígidas disciplinas que, como dijo, se sucedieron un verano. Las ensangrentadas y rígidas disciplinas del amor y del soneto.

Antonio Gala es poeta, vivencia, imagen, recurso literario, sensación, emoción y vida. Para él el amor es un conjunto de armonías y desarmonías, por ello ha escrito: No sé si para el golpe o para el beso / no sé si para el gozo o la tristeza. La poesía de Gala es… el amor. El amor con la dicha y el tormento, la risa y el llanto, con la vida y la muerte. El amor, aunque siempre imperfecto, como centro del universo, como el eje que mueve todo. Para Antonio el amor es como la poesía: una vía de conocimiento. Es como la libertad: algo que se teme y se desea. Como sabe de la fugacidad del amor, y lo sabe dolorosamente consciente, dice: Busca otra soledad y no la encuentra / porque es la soledad el amor mismo / disfrazado de carne y de caricia.

Versos, arte mayor, como los clásicos, para decir del amor: El dolor eres tú, la soledad / sentir tu aliento al lado de mi cuello. Pero también el amor, en palabras de Antonio, tiene rostro luminoso de ardiente sol: Salta el amor, como una alondra súbita, / de mirada en mirada. Qué alegría / pone al tallo la flor, mientras se pierden / los amantes en selva / de delicias, cantando / por la mañana de oro protegidos. Igualmente dentro de esa armonía- desarmonía , el amor tiene el rostro acerado de un cuchillo: No obstante, entre las dos / cinturas permanece / el filo de un cuchillo. Cada amante / es su alondra, su selva y su mañana: / en sí las goza, en sí las extravía.

Dice nuestro poeta del amor: Tú, yo y nosotros; los dos primeros deben, conscientemente, hallarse separados. La confusión es la muerte del amor, que nunca convierte a dos seres en uno, porque –como los ríos– requiere dos orillas.

Antonio Gala, como bien dijo Pere Gimferrer en el prólogo de Poemas de amor, ha elegido ser el poeta del amor. El amor como la luz y la sombra, como el fuego y el frío. Sentimientos, emociones, sentimientos ( y recuerdo que Antonio nos dijo en aquella lectura: Pienso que ya está pasada la Edad de la Razón , y que quizá tengamos que llegar a una Época del Sentimiento. Sentimiento donde se nutre el río de los sueños, el mar de las ilusiones, el océano de la esperanza. Nómbrame, le pedimos todos alguna vez al amor, nómbrame. Antonio Gala lo dice así en el poema “Alhambra”: Tu voz me da la fuerza / contra la fuerza. Nómbrame y viviremos.

Regresábamos hacia su casa de Macarena en Madrid. Nos acompañaba Víctor Mariñas, el joven cantautor que puso voz y música a los poemas de Antonio. Habíamos dejado atrás San Sebastián de los Reyes y el caluroso, intenso y admirado aplauso final que casi seiscientas personas le otorgaran al poeta y a su poesía. Recuerdo que Antonio lleva en la mano la invitación de Tertulias de Autor. Un tríptico con el anagrama de Helicón (un dibujo que José Hierro, que también le otorgó su aplauso aquella noche, me había hecho expresamente para las Tertulias) Dentro, una biobibliografía de Antonio y un poema manuscrito. Un soneto de los Sonetos de la Zubia , con un verso en el terceto final que dice: Nadie muda ni elige los destinos.

Antonio se interesaba, hablando con Ana, mi mujer, por nuestras hijas (tus chicas como las llama siempre cuando me pregunta por ellas y por Ana): Es envidiable, le dijo, tener una familia… Llegamos, aquí tienes tu casa Ana, aquí vivo, solo.

Antonio es poeta por destino, es, por encima de todo, Poeta. Nadie muda ni elige los destinos.

A los pocos días escribí dos sonetos para él. Uno lo perdí, el otro se publicó con este artículo en el Homenaje que le rendimos a través de la revista Ánfora Nova números 41-42 del año 2000.

Soneto I

En Córdoba la luz se volvió canto
y tuvo un nuevo arcángel junto al río.
Allí un Ángel Custodio- Antonio crío –
vivió la adolescencia entre su manto.

Después se hizo Madrid ciudad de espanto
y de descubrimiento y de albedrío,
y fue lugar de luz y cielo umbrío
repleto de sucesos y quebranto.

Más tarde el mundo entero se achicaba,
sin el ángel viajero que es Tobías
y todo fue un pañuelo con encajes.

La vida, el corazón… nada enjugaba
del poeta dolores y alegrías…
ni el pañuelo de amor de tantos viajes.

Manuel Lopez Azorín

Tiempo después de escribir para el homenaje da Antonio, encontré aquel otro soneto que había perdido. Se lo envié a Antonio y lo colgué junto con el ya publicado en otra entrada de Antonio Gala este blog.

Hoy quiero, también, colgar otro poema que le dediqué un día recordando aquellas palabras que le dijo a Ana con relación a su soledad, y que he incluido en Sólo la luz alumbra.

Jeroglífico

Para Antonio Gala

Junto al amor, la luz
y entre la luz, la sombra.

Es la luz el amor
cuando la luz lo nombra.

Cuando le falta luz
el amor es la sombra.

Antonio, que es un poeta de luz con la sombra del amor, que sólo es eterno y luminoso mientras dura, suele decir que no se apoya en su bastón sino en la poesía y en la esperanza. Y es cierto, desde aquellos primeros poemas que trajera a Madrid y que leyera a sus amigos Félix Grande y Paca Aguirre, es poeta de luz y se apoya en la poesía y en la esperanza.

Aunque luego su trayectoria literaria deslumbrase en el teatro o en cualquier otro género que haya tocado, su auténtica y primera necesidad fue la poesía, esa que escribía en soledad y que guardó para sí tanto tiempo, con algunas y esporádicas excepciones, hasta que se atrevió a publicarla en 1997. No toda, más tarde nos trajo El poema de Tobías desangelado, una historia de amor, una apasionada historia de los viajes del ángel y Tobías, personificado en Antonio.

Y escribiendo me viene a la memoria Claudio Rodríguez, poeta admirado por Antonio, que me decía, cuando hablábamos de este cordobés universal: Es valiente y firme,incisivo, meticuloso y elegante, reservado y amoroso y único porque maneja el lenguaje –que es la patria de la poesía, del poeta– excelentemente. Y Claudio que fue (que sigue siendo)un grandísimo poeta, era, además, una persona extraordinaria que se equivocaba pocas veces.

En su libro autobiográfico Ahora hablaré de mí, dice Antonio: Estoy agotado, enfermo, triste y solo hasta el fin

Pues no, querido Antonio, seguramente ahora estas agotado, enfermo y triste pero nunca estarás solo porque los que te queremos,los que te leemos y seguimos, los que pensamos en ti, estamos a tu lado y recuerda que –tú lo has dicho– La vida no es la verdad: la vida es la esperanza. Defrauda querido Antonio, defrauda a quien tu sabes,como yo. Es tu esperanza, y la mía.

Maxi Rey: Escuela de mujeres

2011-10-31T05:10:00.000-07:00

Foto: Maxi Rey con Ramón Montesinos

Maxi Rey (Benimariel, León, 1942) es Catedrático de Lengua y Literatura Española en el IES Silverio Lanza de Getafe. Maxi ha escrito obras cortas de teatro, representadas por la compañía La Escalera, de la que ha sido director y que no han sido publicadas. La única publicada y representada ha sido Baño caliente. Ha escrito también narraciones cortas, premiadas y, por supuesto, poesía, varios libros no publicados.

En dos o tres ocasiones que yo sepa (y me las perdí) se ha podido ver a Maxi Rey leyendo su poesía. Dos fueron, creo recordar, en la Tertulia Literaria Hispanoamericana Rafael Montesinos, y la tercera (seguramente habrá dado muchas más lecturas en diferentes tertulias pero yo no lo sé) ha sido en abril de este año en el Café Libertad8 con motivo de los ciclos de poesía Hadversidades poéticas coordinado por Jaime Alejandre.

Portada de Escuela de mujeres
Este cuaderno o Plaquette, editado en abril de 2011 por Cuadernos de laberinto y Libertad8 consta de 36 páginas y contiene 11 poemas escritos por Maxi Rey y es, según nos cuenta en la solapa, fruto de las preocupaciones de los dos últimos años.

Este hombre llamado Maxi Rey es conocido de todo el mundo que frecuente las Tertulias poéticas y no solo por ser el grabador “oficial” de los poetas sino por su amabilidad, su cercanía, por su gorra y su bufanda en invierno, por su conversación en todo tiempo, amena, fluida, tras cada Tertulia, frente a un vaso de vino o una cerveza…

Maxi camina siempre pegado a una cámara (si le viera Quevedo ya le habría escrito un soneto), para captar los instantes del poeta-lector en cualquier Tertulia que se precie pero, especialmente, y desde hace ya muchos años (yo creo recordar que hacia mediados los ochenta ya estaba grabando lecturas poéticas) en la decana Tertulia de Rafael Montesinos, que así es conocida por todos los poetas, entonces en Reyes Católicos nº 4, en el Instituto de Cultura Hispánica. Maxi Rey debe de tener miles de grabaciones en su archivo particular y no es tanto la cantidad como la calidad, su cámara ha grabado a muchos de los mejores y más prestigiosos poetas del panorama poético español y también, Maxi es así de generoso, nos ha grabado a muchos de nosotros, poetas a la búsqueda del verso, del poema, del libro que ilumine la palabra y la fije en el tiempo.

Alguna vez ha dicho Maxi Rey: "yo no siento especial interés por dejar mi obra en forma de libro y aunque he publicado en periódicos y revistas, algunos artículos o relatos cortos no me preocupa porque nunca he pretendido ser poeta, lo mío son hojas de reflexión – así me lo dice en la dedicatoria de este cuaderno –más que de poesía".

Es significativo. La cita con la que se inicia este cuaderno titulado Escuela de mujeres, ya nos indica por dónde camina este profesor al que supongo hipnotizando en sus clases,como atrapándoles con , esta vez, su cámara invisible, con su manera singular de decir, a todos los alumnos. En este cuaderno tampoco pierde ese tono profesoral de guía y consejero de la naturaleza, del amor, del tiempo y de la vida.

La cita es de Miguel Casado, de su obra La poesía como pensamiento y dice así: …el pensamiento no se limita a las habilidades de la razón, ni se mide sólo en términos pragmáticos de eficacia, sino que incluye el espacio todo de la mente y el espíritu humanos – lo sensible, lo inconsciente, lo emocional… –, y la poesía resulta ser síntesis de esa clase de espacio.

Foto: Maxi Rey charlando con el poeta Miguel Galanes

El sujeto poético de estos poemas o reflexiones, como prefiere decir Maxi, casi como no atreviéndose a llamarlos poemas por modestia, es una mujer, una mujer que se prejubila y se marcha a vivir a la montaña, regresa a sus orígenes, al lugar de sus padres, y de su infancia y juventud para estar sola – nos dice en el preámbulo – y oír consejos ajenos, es decir a la búsqueda del conocimiento. Así pues Maxi Rey transmutado en un sujeto poético femenino, a lo largo de los once poemas, nos ofrece su cosmovisión panteísta de la naturaleza y de la vida través de una poesía de pensamiento, es decir, de la síntesis que incluye el espacio todo de la mente y el espíritu humanos – lo sensible, lo inconsciente, lo emocional… – Asi pues me parece a mí que esta Escuela de mujeres (que no son otra cosa, las mujeres me refiero, que la razón de transmisión del hombre en paralelismo con el mito griego de Gea-tierra que es la transmisora de la vida) es una poesía de pensamiento (filosófico) que contiene razón y corazón en las palabras de este profesor-poeta-cameraman Maxi Rey que ,en estos poemas, trastocado en mujer, nos hace volver a los ritos y mitos que celebran la vida.

Es curioso, le dije a Maxi Rey, el día en que me regaló dedicado este cuaderno, tras ojearlo, cómo nos presentas unos poemas con planteamientos enmascarados en una mujer-tierra, Gea, madre de todo lo que en ella habita, de la piedra, del árbol, del mar y la montaña, del hombre… del poeta que se funde con el yo lírico para con-fundirse con, no ya solo la madre Gea, sino todo el universo en el cual Gea-mujer-hombre-poeta (sí poeta, Maxi) anda inmerso desde su génesis.

Juan Ruiz de Torres: Doce Docenas y R-Textos volumen I y II Varios autores:

2011-10-27T10:52:00.001-07:00

Juan Ruiz de Torres me ha enviado, durante este año, tres volúmenes de textos breves o relatos cortos o cuentos y microrrelatos que comento aquí por ser poetas la mayor parte de los autores incluidos en R-Textos que, con el libro Doce docenas volumen I, (Editorial Corona del Sur, Málaga 2011), exclusivamente de su autoría, en el que nos ofrece una serie de cuentos donde relata Historias mínimas, Historias de soledad y, finalmente, un apartado que titula Historias raras y con el que inició sus Doce docenas.

Este proyecto de Juan Ruiz de Torres cuenta con cuatro volúmenes que –según me dice –no me ha enviado juntos por no agobiarme (se agradece; pero no dejes de enviármelos, porque en este primer volumen encuentro algunos cuentos muy acertados, otros acertados y, en general, un volumen de reflexiva lectura al tiempo que entretenida,)

Juan Ruiz de Torres es madrileño, ingeniero y filólogo y ha residido durante dos décadas en varios países. Fundador y director de instituciones culturales, entre ellas, tres ateneos en Cali, Santiago de Chile y Atenas y la Asociación Prometeo de Poesía. Tienes unas sesenta publicaciones en poesía, ensayo y narrativa.

R-Textos, volumen I y R-Textos volumen 2 publicados dentro de la colección Casa del Tiempo (otra idea de Ruiz de Torres) por Altorrey Editorial , Madrid 2011, son los otros dos libros que este madrileño, como editor y en edición no venal, ha publicado. Recuerdo que, cuando recibí el primer volumen me preguntaba si quería participar en el segundo. Agradezco la invitación, pero yo –no sé por qué razón – sólo escribo poesía.

Estos R-Textos están escritos por diversos autores (26 en el primer volumen y 25 en el segundo, muchos de ellos –ya lo dije antes – poetas) con una extensión máxima de 300-350 palabras. Muchos de los autores que participan, además de ser buenos poetas conocidos y algunos admirados por mí, unos cuantos son buenos amigos. Citaré a los participantes, pero aclaro que textos de autores que no conozco personalmente me han parecido de interés, tanto como lo son los de aquellos que conozco. Los primeros son Juan Ruiz de Torres, Ángela Reyes, Soledad Cavero, enrique Valle, Joaquín Marta Sosa, Álvaro Fierro, Emilio Porta, Nicolás del Hierro, Jorge de Arco, Rafael Soler, Enrique Gracia Trinidad y Pedro A. González Moreno.

Los segundos: Marta de Arévalo, Mariana Bernárdez, Antonio Herrera, Luis Ricardo Furlan, Jesús Cano Reyes, Albino Suarez, Juan Vicente Rodríguez, Juan V. Rodríguez, Humberto Garza, Luis Armenta Malpica, Teódulo López Meléndez, Cesar Cantoni, Victorino Polo, Luis Arturo Guichard, Miguel Garrido, Santiago Fortuño, Jaime Nubiola, David Escobar Galindo, Ángel Marcel, Luis Mario, José Mañoso Flores, Aldo Novelli, José Verón Gormaz, Orlando Rossardi, Francisco G. Márquez, Emilio Ballesteros, José María Candau, Luis Raúl Calvo, Antonio Pérez Roldan y Casimiro de Brito.

Estos R-Textos – dice su contraportada – son una agenda abierta para que los autores convocados plasmen sus reflexiones. Lo cierto es que durante el verano su lectura, saltando de uno a otro autor, conocido o no, me ha resultado de amena lectura, no sólo por la brevedad de los relatos, que se leen rápido y bien, sino por la diversidad de temáticas, de estilos, de planteamientos a la hora de abordar un texto, etc. Una experiencia, ésta de reunir autores diversos, enriquecedora.

Aurora Salvador Rosa: Sonetos intransferibles

2011-10-24T10:23:00.001-07:00

Aurora Salvador Rosa, nació en Granada y allí cursó estudios universitarios. Es Doctora en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid. Profesora en la Universidad de Cádiz, desde 1982, obtuvo en 1993 la cátedra de Didáctica de la lengua y la literatura en la Facultad de Ciencias de la Educación. Ha publicado diferentes trabajos, en revistas especializadas, sobre léxico, semántica, enseñanza de la lengua y recepción literaria, así como algunos poemas, especialmente sonetos, en revistas literarias.

Con Sonetos intransferibles (Sial /Fugger Poesía) le fue concedido, junto al poeta Enrique Gracia , el I Premio de Poesía Juan Van Halen, 2010 en Torrelodones, Madrid.

Este es un libro escrito desde el llanto / con dos sustancias en estado puro: / una explosión de amor desde lo oscuro, / un grito de dolor desde el espanto. Aurora Salvador Rosa – dice Carlos Galbeño en el prólogo – ha tejido una obra literaria, fiel a la pureza del soneto, ventana lírica al sentimiento alojado en la métrica y la rima. Sus aspiraciones, dedicadas a personajes reales, tanto de su círculo íntimo como de ámbitos más amplios, hablan de una autora que tiene en las relaciones humanas y en las personas una fuente inagotable de percepciones y sentimientos que fluyen sus versos con la necesidad imperiosa de encontrar un lugar en el que quedar reflejados para siempre.

Hija del académico Gregorio Salvador y de Ana Rosa Carazo (una poeta, Ana Rosa Carazo, de la que ya dije en una entrada en este blog que era de vocación temprana y de publicación tardía porque su primer poemario publicado, A contramuerte, fue en 2005 y se produjo porque en su más íntimo sentir necesitó, tras escribirlo, darlo al aire, a la página, y a los lectores, como una manera de mitigar, de cicatrizar la herida, de abrazar, con la palabra escrita y luego impresa, el recuerdo de lo más hermoso, presente en la memoria, sin que el dolor, que fue tanto, predominase sobre el amor. Ana Rosa Carazo nos deja en sus libros pensamiento y sentimiento al par que un ritmo preciso y muchaemoción).

Aurora Salvador Rosa, de la que creo recordar que leí un soneto suyo incluido en el libro de su madre A contramuerte, en cuanto a poesía, se nos muestra, al igual que su madre, plena de sencillez, profundidad y soltura en la métrica clásica. Como en este soneto titulado Luz de amor

Primero son los ojos, que se miran,
después las bocas las que se enajenan
y las manos que piden, quieren, penan,
y las voces que ya sólo suspiran.

Los cuerpos se disponen. Cuando giran,
durante un breve instante se refrenan,
antes de acometerse, se serenan,
y es tanta su quietud que ni respiran.

Enfrentados, afilan la conciencia:
van a precipitarse en su locura,
por eso se detienen un segundo.

Uno y otro, sintiendo la presencia
de una luz en la noche más oscura:
luz del amor temblando sobre el mundo.

Este soneto fue publicado en NETWRITER. El escritor y poeta Emilio Porta dejó este comentario: La buena Poesía, decía Borges (y nos enseño el mismo Vicente Aleixandre) no es todo verso...Existe el poema a caja, la prosa poética...Hoy día los géneros son estancias que se comunican...sólo la calidad y el sentido del ritmo en la expresión son fundamentales detrás de las palabras de un buen poema.

Como el que cierra este Sonetos intransferibles y que titula GRAN HACEDOR

Cerrar podré, pues ya va siendo hora,
este libro de versos – demasiados –
y podré descansar de mis cuidados
y hacer mil otras cosas sin demora.

Mas no seré poeta ni escritora,
si tras tantos sonetos alumbrados
no tengo para ti, recién creados,
catorce versos más. Brotan ahora.

Genio inmortal, maestro insuperable,
Gran hacedor de formas sorprendentes,
Yo no quiero olvidarte, no, ni puedo.

Nadie podrá jamás, es impensable
Por razones del todo concluyentes:
tus obras, Don Francisco de Quevedo.

Amando Carabias María: Versos como carne

2011-10-19T08:00:00.001-07:00

Amando Carabias María (Segovia 1962), publica su segundo libro de poemas, Versos como carne, treinta años después del primero titulado Humanidad perdida (Segovia, 1981).
Treinta años pues en volver a publicar poesía que no de silencio poético ni tampoco narrativo porque Amando, aun sin publicar, ha continuado escribiendo poemas del mismo modo que ha escrito prosa como la novela Aquel sábado lluvioso (Diputación provincial de Segovia, 2001), Cuentos de Euritmia (Segovia 2004)en donde a través de doce relatos con diferentes estilos narrativos nos presenta a Euritmia, vieja ciudad, metáfora de cualquier ciudad, donde palpita la vida.
Y, finalmente, En busca del día y su horizonte (Segovia 2007).

Antes del verano recibí dos libros de Carabias María, los Cuentos de Euritmia

y este Versos como carne, poemario de sufrimiento humano y de amor, un amor que nos salva conduciéndonos hacia el camino de la alegría, de la felicidad.
Su contraportada nos dice que es poesía escrita como necesidad de un mirar contemplativo, que no estático, pues los versos invitan a la reflexión, Mis palabras serán sombra sin eco / breve vuelo de mariposas ciegas / y se destruirán en el olvido. //// Mas sobre el lomo inquieto de la luz, / mientras crepita su pavesa herida / estallarán cual besos en mejillas, / regarán como labios sobre labios, / y rozarán cual dedos sobre piel.

Invitan también a la crítica: Aunque pretendan ser de luz mis versos, /se teñirán de luto sus acentos...: / hay demasiada carne supurando, / hay demasiados besos que se esconden, / demasiadas caricias torturadas,

Invitan a la pasión: Diluirme en el latido de esta tarde, / ser invisible entre sus pliegues de oro, / montar sobre su espalda de rubíes, / sobrevolar, praderas, llanos, ríos, / hasta alcanzar el lago de tus ojos.

Son versos a veces iluminados: Tiembla el amanecer…niño desnudo. Y a veces descosidos por lágrimas, redimidos por la pasión de otro cuerpo junto al que se renace: Quiero sólo latir a tu compás.

Así pues es este un poemario reflexivo y crítico con la naturaleza humana, un poemario de amor que se renace en él y de un sufrimiento que se desgarra sin él, un poemario en fin cargado de humanidad en el decir y en el sentir por esa razón el sujeto poético quisiera que sus versos fueran carne para fundirse con los que sufren, para besar con quienes besan, carne para denunciar injusticias, carne como sueños para abrazar la risa de los niños, para pintar de colores la oscuridad y el miedo, carne como ríos para remontar las penas, carne de esperanza para volver a nacer junto al motor del mundo que es lo mismo que decir junto al amor.

Y AUNQUE MIS POROS BEBAN DE TUS POROS

Diluirme en el latido de esta tarde,
ser invisible entre sus pliegues de oro,
montar sobre su espalda de rubíes,
sobrevolar praderas, llanos, ríos,
hasta alcanzar el lago de tus ojos
y allí olvidar toda memoria inútil.
Y claudicar feliz de esta batalla
donde una espada interminable vuela
ungido el filo con ponzoña y rabia:
colmillo sobre arterias inocentes…
Y fundirme en la luz de las estrellas,
y atravesar el vuelo de tus sueños,
y vencer a tus monstruos y fantasmas
hambrientos de tu piel estremecida.
Desleírme en el aire que respiras
y huir hacia el sendero de tu sangre
para ser tú y no ser el yo que sufre
pues no desaparezco en tus entrañas
pues no soy llama dentro de tu fuego…
Aunque mis poros beban de tus poros,
es infinita sima infranqueable,
esta distancia hasta tu esencia, amada.

Amando Carabias María
Del libro: Versos como carne

Miguel Cabrera: La señal agazapada

2011-10-14T01:38:00.001-07:00

El poeta, crítico y periodista peruano Miguel Cabrera (Callao, Perú, 1945) me envió su libro La señal agazapada. Este poeta, que reside en España desde 1971 ha publicado, que yo sepa, al menos cinco libros de poemas. Hogar de la semilla (1986), Noche contra noche (1989), Fardos de la memoria (1992), Para alcanzar el más allá del día (1998) y este La señal agazapada publicado por Ediciones Nocedal en Lima, Perú, 2009

La señal agazapada reúne los dos primeros libros de un nuevo ciclo, que según su autor, consta de siete, con el que el Miguel Cabrera abandona un silencio, en cuanto a publicar se refiere, de casi once años ya que Para alcanzar el más allá del día se publicó en 1998.
Libro aquel, de preocupación existencial, donde Miguel Cabrera nos decía: Lo que somos no emite una señal nítida.
Cierto, el hombre nunca se conoce bien porque la verdad, la profunda verdad del hombre, de todo, siempre es relativa, nunca es absoluta. Somos el sueño que soñamos, un sueño por hacer, la línea que intuimos.
En el más, en el mismísimo universo ensangrentado / que alineada va. Y la eterna pregunta, la de la duda. Y luego el cansancio, el escepticismo... Más allá, ¿Qué hay?: Más allá, cómo puede haber algo/ si nos consume el caminar.
La duda siempre, la que, como he dicho en algún poema, nos persigue desde la adolescencia hasta el olvido. Hay que seguir soñando el sueño que soñamos y escribir, si es posible, porque escribir también es una forma de consuelo y de salvación.

He leído con atención este poemario durante este verano y me ha gustado porque Miguel Cabrera, en los libros que yo he leído de él, tiene una preocupación que es común en ellos: Vida: En las cornadas que da / espero de la vida una tímida señal. Tiempo, hombre y amor: Te envío mi amor por el río, no por el mar. / El amor: este río abundoso que no yerma. Sus libros no son de tema estrictamente unitario pero formen un conjunto común ya que, en su búsqueda de la luz, Miguel Cabrera busca el conocimiento, busca al ser humano: somos flor, – nos dice – pero en la melodía del vivir / hemos nacido / estrella. Busca el amor y se pregunta sobre el devenir,

El italiano Antonio Melis, (Vignola, 1942). Profesor honorario de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, miembro del comité editorial de la Revista de Crítica Literaria Latinoamericana y un gran estudioso de la literatura peruana nos dice de este libro lo siguiente: Miguel Cabrera rompe su silencio editorial de una década. (…) La poesía se transforma en una valla contra una realidad hostil que rodea al poeta y trata de doblarlo a sus leyes homologantes. (…) El amor se presenta como un antídoto fundamental, como una afirmación de la vida contra las señales de muerte que llenan el camino de la existencia. (…) Verso libre, rima, prosa, narración... Y por encima de todo un compromiso con la palabra que constituye un elemento de continuidad con su obra anterior, dentro de un itinerario poético que opone su rigor al ruido insensato de la realidad.

Miguel Cabrera, además de esa preocupación por el hombre, se pregunta sobre el mañana, nos habla del amor y de la palabra escrita: Puente de luz / su alborada. Y lo hace con precisión y con un vocabulario alejado de pirotecnias verbales, con los adjetivos necesarios o como bien dice Antonio Melis: alimenta una palabra poética que vuelve a sonar cada vez más escueta y necesaria. Y en esa búsqueda de la luz en la que anda Miguel Cabrera se mete dentro de sí y nos dice: Me voy para dentro y echo el cerrojo / Contra la luz exterior / opongo las puertas trancadas. Y en su más interno rincón iluminado medita, sueña, escribe:

Ahora que ha pasado el tiempo,
las estaciones los inviernos, los siglos,
no sabré si todavía estará allí, junto al muro,
si todavía volverás de sonrisa a pie,
si todavía seguirás huyendo en la comisura de tus labios.
Nadie comenta nada. Loco, viene fluyendo el silencio.
Como si tu flor amarilla fuera y nunca pudiera enrojecer,
nunca pudiera, otra vez, enroscarse para volver a nacer.

Ahora que ha caído el invierno y se han esfumado los ríos,
no sabré si todavía estará allí, en tu rincón iluminado,
si todavía volverás con risa leve, de caricia a pie,
si todavía seguirás huyendo en el ensillar de tus labios.
Nadie comenta nada. Tarareando, feliz, vuela la vela.
Como si tu jornada permaneciera media luz de guiño
y nunca pudiera enroscarse para volver a nacer
flor, estrella de noche.

Miguel Cabrera
Del libro: La señal agazapada

Manuel López Azorín en Libertad8 el jueves 13 de octubre

2011-10-03T02:24:00.001-07:00

El jueves 13 de octubre de 2011 a las 19,30 horas
en el Cafe Libertad8

Presentación del libro Sólo la luz alumbra (poesía 1986-2010)
de Manuel López Azorín (Sial/Fugger Poesia)

Intervendrán:
Rafa Mora y Moncho Otero (Cantautores y poetas que han musicado poemas del autor)

Julio Santiago (Poeta y pintor)

Pepe Ramos (Poeta)

Basilio Rodriguez Cañada (Editor y poeta)

y Manuel López Azorín

Lugar: Café Libertad8
calle Libertad nº 8. Madrid

Metro: Chueca / Banco de España

Nota: a todos aquellos que querais- podais venir, os esperamos con los brazos abiertos.
Aquí os dejo algunos comentarios sobre este libro y una reseña de Manuel López Azorín :

Pascual Izquierdo autor del prólogo donde, entre otras cosas, dice:

"Vida y poesía configuran las dos grandes pasiones de Manuel López Azorín y definen los dos vectores principales a los que se subordinan todas las demás líneas de fuerza. Vida entendida como miedo y pasión, como vértigo y deseo, como abismo y pulsión, como duda y anhelo. Poesía concebida como explicación y búsqueda, como reflexión personal y comunión solidaria, como discurso individual que se inscribe en el canto colectivo. Todo ello sin olvidar la fuerza redentora del amor, que aparece en la vida y en la obra del poeta como fuente de gozo y tabla de salvación. Así lo expresa de forma contundente también en el último libro, de título Sólo la luz alumbra, que se ofrece como un amplio vestíbulo para visitar el edificio completo de sus versos. Un verso casi siempre desnudo y carente de artificio, trémulo y valiente, eficaz y conciso, que transmite verdad, emoción y sentimiento, que evoca mundos perdidos y realidades encontradas, que desemboca de forma alborozada en el vasto océano de los versos creados por todos los poetas a lo largo del tiempo."

Luis Martinez de Mingo autor del Épilogo:

"Como quiera que López Azorín siempre ha tenido muy buen oído, y domina los recursos poéticos, el resultado es que en cualquier página de esta antología nos podemos encontrar poemas equilibrados, muy bien resueltos y con antítesis, anáforas, aliteraciones y paralelismos de la poesía de siempre, la intemporal."

Manuel López Azorín (Moratalla, Murcia, 1946) estudió en la Facultad de Derecho de la Universidad Autónoma de Madrid. Desde 1982 reside en San Sebastián de los Reyes (Madrid). Allí fundó el Colectivo Helicón de Poesía y Relato, donde creó los cuadernos La música de la palabra. Dirigió y presentó Tertulias de Autor a través de Canal Norte TV (1992-2000). Puso en marcha y dirigió el Centro de Estudios de la Poesía en la Universidad Popular José Hierro (1996-2000). Creó y dirigió la revista Poesía en la Diana. Ha escrito los guiones de cortometrajes sobre Claudio Rodríguez (1998), José Hierro (1999), Rafael Morales (1999) y Rafael Montesinos (2000). En la actualidad sólo se dedica a escribir.
Ha colaborado con poemas y/o artículos en revistas nacionales e internacionales. Ha publicado los poemarios Marasmo (1986), Vértigo (1994), Amar es mi ejercicio (1997), Versos para después de una película (1998), Libro del desconcierto, (2001), Azul de los afectos (2001), Crónica de Babel (2003), De la vida y otros ríos (2003) y La ceniza y la espuma (Sial, 2008). Ha obtenido numerosos premios de poesía, entre los que destacan: Zenobia (1993), Ciudad de Alcobendas a la difusión Cultural (1999), Ramón Rubial a la labor Cultural (2000) Rafael Morales (2000), Almedina (2002) y Albaricoque de Oro (2007).

Jesús Riosalido: El cancionero de Uppsala

2011-09-30T07:33:00.000-07:00

Este estudio del doctor Jesús Riosalido sobre El cancionero de Uppsala (escrito, y publicado por la Fundación Al -Aissiya, en español y en árabe, en Kuwait, con la ayuda – según consta al inicio de éste que va acompañado de un facsímil del Cancionero – del profesor Sabah al-Rayess, amante de la música, a quien va dedicado), nos muestra, tal y como figura en el faccsímil, canciones (villancicos) de diversos autores, para dos, tres, cuatro o cinco voces, publicadas de nuevo según la notación musical general, y que se tocan al órgano, y a otros instrumentos musicales.

Para Jesús Riosalido, el secreto literario de este Cancionero está en que es un trasunto de la cultura árabe y morisca, no sólo en cuanto al paramento exterior, sino en cuanto a buena parte de sus contenidos. Esa es la razón de este estudio sobre El cancionero de Uppsala

Según nos cuenta Jesús Riosalido, el Emperador Carlos V encuentra en 1521 a D. Fernando Duque de Calabria, preso en el castillo de Játiva. Liberado el Duque, éste apoya al Emperador y recibe en premio, junto con la mano de doña Germana de Foix, el virreinato de Valencia. Doña Germana triste, tras sus años de matrimonio con Fernando el Católico, quiere desquitarse con fiestas y saraos al lado de su nuevo esposo el Duque de Calabria. Así pues organizaron fiestas y dieron a su corte fama de alegre y culta. Allí acudieron famosos poetas y músicos para ofrecer sus versos y canciones.

Pasó el tiempo y los Duques de Calabria conservaron los textos y la música y el maestro impresor Jerónimo Scoto, en 1556. publicó en Venecia, un pequeño volumen con 54 canciones y villancicos procedentes de la Corte del Virreinato de Valencia, es decir procedente de lo que conservaron los Duques de Calabria.

El descubrimiento posterior en Uppsala (de ahí que sea llamado así este Cancionero), se debe a un diplomático español destinado en Estocolmo, Suecia, cuyo nombre era Rafael Mitjana, encontró un extraño incunable en la Universidad de Uppsala, que se había publicado en Venecia en 1556, y que contiene un ramillete de canciones, zéjeles y muwassahas utilizados en la Corte de la Reina Germana de Foix cuando ésta era esposa del virrey de Valencia. Mitjana estudió el libro y lo llamó El cancionero de Uppsala.

El volumen no tardó en hacerse famoso, y de él se ocuparon grandes personalidades españolas de la música y la literatura, quienes convinieron en que el libro debía considerarse la principal prueba del origen árabe con el que se distinguían la literatura y la música española durante los siglos del renacimiento europeo. Hay diversos estudios sobre este libro, pero se concentran más bien en el lado europeo de los zéjeles y de sus nawbas mientras que esta edición del doctor Jesús Riosalido pretende descubrir los aspectos árabes de las canciones y de su música y es por ello un instrumento imprescindible si se quiere estudiar la Historia de los árabes en España.

Según nos cuenta Jesús Riosalido, (diplomático de carrera como Mitjana, además de poeta, narrador, ensayista, dramaturgo y arabista), los amantes del volumen descubierto por Rafael Mitjana, los maridos, la noche, el mismo paisaje, no son típicos del mundo renacentista europeo (…) Hay algo en todo ello de medieval, de islámico o morisco, y también de hebreo, aunque – reitera Jesús Riosalido– tal afirmación no implica que El Cancionero de Uppsala, per se, sea un trasunto del Islam. Por otra parte Samuel Sterm, Julián Ribera, Dámaso Alonso, José Manuel Blecua, Emilio García Gómez y Leopoldo Querol, con una especial referencia al aspecto musical del Cancionero, han dejado sobradamente demostrado el origen árabe que, en cuanto a la métrica y a la composición, tiene el famoso libro.Jesús Riosalido nos habla en este estudio de las diferentes canciones para establecer el origen árabe que, en cuanto a la métrica, la composición e incluso el campo semántico utilizado, tiene El Cancionero de Upssala.

El zéjel (según nos dice el DRAE), es una composición estrófica de la métrica popular de los moros españoles, se compone de una estrofilla inicial temática, o estribillo, y de un número variable de estrofas compuestas de tres versos monorrimos seguidos de otro verso de rima constante igual a la del estribillo. En su forma más típica, consiste en un estribillo de dos versos, al que siguen otros tres monorrimos (mudanza) y un cuarto verso (vuelta) que rima con el estribillo, anunciando su repetición.

Cantado por un coro y un solista,el zéjel era una forma muy popular en al-Ándalus , se cantaba acompañado de laúd, flautas, tambor, y castañuelas o adufes (una especie de pandero introducido por los árabes en la península). Tuvo una gran repercusión en todo el mundo árabe de la época, según reseña el historiador Ibn Galib, y mucho éxito en los reinos cristianos, que pagaban altas retribuciones a los juglares moros. El más típico cancionero escrito en forma de zéjeles es el de Abû Bakr ibn Abdul-Malik ibn Quzmân, más conocido simplemente por Ben Quzman, poeta cordobés del siglo XII.

En origen el zéjel (Estrofa derivada de la muwassaha; sus respectivas formas estróficas son “fundamentalmente análogas” según Menéndez Pidal), fue un género poético de la poesía mozárabe, desarrollada en forma de canción en la Andalucía árabe, luego fue cultivado por poetas hebreos, castellanos y europeos. En al-Ándalus, estaban escritos en árabe dialectal o árabe andalusí y, a menudo, con palabras y expresiones en romance, muestra tal del bilingüismo existentede en al-Ándalus.Igualmente, muchas cantigas gallego-portuguesas y los villancicos castellanos, así como algunos rondeles franceses y otros poemas provenzales e italianos, tienen forma de zéjel o se asemejan.

Si se compara la idea central del zéjel: a-b c- c-c-b ( o como en el ejemplo que más abajo pongo: a-a-b-b-b-a-a ) con las canciones de este Cancionero se puede observar que muchas de ellas o de los son fácilmente reducibles a zéjeles, auténticos o modificados, en los que basta quitar o añadir un verso para que lo sean del todo. La idea de markaz, o estribillo, la del trístico monorrimo más o menos enmascarado, y la del simt o vuelta está presente en todas ellas, sobrepuesta a los pareados, y es suficiente una mínima variación para reconocer en ellas zéjeles con ligeras alteraciones formales.

Un claro ejemplo de lo que nos dice Jesús Riosalido lo podemos ver en la canción nº 51 como zéjel:

Si amores me han de matar
agora tienen lugar.

Agora que estoy penado,
en lugar bien empleado,
si pluguiese a mi cuidado

que me pudiese acabar.
Agora tiene lugar.

La luna, así como los ojos, son elementos básicos de la lírica árabe y en la canción XXVII vemos que dice: Ay luna que reluzes / Toda la noche m’ alumbres. Y Riosalido establece paralelismos de estos versos con poetas árabes como Ibn Suhayd, Ibn Sara e ibn Al-Mu’tazz.

Igualmente la canción XXVIII , con sus alusiones a las tres mocicas, que lavan sus camisas, recuerda inevitablemente, a las tres Morillas, zéjel recogido por Federico García Lorca, por Torner, con lo que la tradición del tema de las tres doncellas , y su paso de la cultura musulmana a la cristiana, parece suficientemente probado.
Para concluir os dejo la canción nº 25 que es un ejemplo, como dice Jesús Riosalido, de ser facilmente reducible a zéjel si se le quita algún que otro verso.

Ojos garzos ha la niña,
¿quién los enamoraría?

Son tan lindos y tan vivos
que a todos tienen cautivos,
y sólo la vista dellos
me ha robado los sentidos.
Y los hace tan esquivos

Que roban el alegría.
¿Quién los enamoraría?

Del Cancionero de Uppsala

Elena Galzusta: Vivíamos a la vuelta de la esquina y Yose Álvarez Mesa: Tramos de hipotenusaPremios Villa de Pasaia 2010

2011-09-26T13:30:00.001-07:00

Elena Galzusta: Vivíamos a la vuelta de la esquina
Yose Álvarez-Mesa: Tramos de hipotenusa

Elena Galzusta y Yose Álvarez-Mesa, ganadora y segundo Premio del XV Concurso de Poesía Villa de Pasaia. 2010, Premio donde han sido jurado los escritores Jon Obeso, Ruiz de Gordoa, Jesús María Cormán y Félix Maraña que fue quien me envió este libro (alla por febrero de este año) haciéndome saber de esta colección y de este Premio organizado por el Ayuntamiento guipuzcoano y publicado por Bermingham dentro de la colección NORAY. Colección que quiere difundir el conjunto de creaciones literarias surgidas al amparo de los múltiples concursos convocados en todo el País. La mayoría de estas obras son de autores jóvenes, que precisan de un soporte digno para darse a conocer pero, sobre todo, para expresarse. Y ese es el propósito de esta andadura.

Elena Galzusta se hizo acreedora del primer Premio con el poemario Vivíamos a la vuelta de la esquina. Un poemario la de esta muchacha vasca (y supongo lo de muchacha pues no he sabido ni encontrado noticias suyas en la red y esto me hace suponer que es joven y novel en esto de la poesía), un poemario, digo, donde la naturaleza se alía al amor, al tiempo, a la ausencia, a la provisionalidad de la vida…para contarnos, en minúsculas, sin signos de puntuación y ritmos que van de lo formal a la indagación y búsqueda de otros, su manera de sentir, pensar…sirva este poema del libro titulado NO HAY
AUSENCIA MAYOR (página, 12), como ejemplo:
no hay ausencia mayor que la del mediodía /como pájaros las nubes hacia círculos al aire/ antes que la lluvia comenzó a escupir el viento / las hojas rojas de una hilera de ciruelos / nadie robaba el empedrado de la plaza / las ventanas se volvieron con desprecio / de golpe se curvó frágil el cuello / de los árboles / apreté el paso / ahora corría el agua / ahora iba yo corriendo / y hasta la soledad entonces / se derrumbó de miedo: / ya no me tuvo a mí / para bailarla.

Yose Álvarez-Mesa consiguió el segundo Premio con su poemario Tramos de hipotenusa. Nacida en Asturias, región donde vive actualmente y donde desarrolla una interesante labor cultural. Su obra abarca todos los géneros literarios, especialmente la poesía. Ha publicado hasta la fecha nueve libros y participado en diversas antologías y revistas culturales. Desde 2005 hasta hoy le han sido otorgados un centenar de premios literarios, tanto en verso como en prosa.

Yose Álvarez-Mesa nos ofrece un poemario de corte existencial donde reflexiona sobre la soledad, los sueños, la vida y especialmente sobre el tiempo: el tiempo suele aliarse contra mí / y su huella se me clava en la piel como un parásito.

Os dejo aquí el poema que abre su Tramos de Hipotenusa: La soledad estalló en mi existencia / como un torrente de humo palpitante que salpicó mis gestos/ /// se hundió en mis engranajes / hasta hacerlos salirse de ejes y volcar por los suelos su / austero contenido /// se instaló en las estancias de los días vacíos / y se sentó a verlos ahogarse en transparencia y quietud/// entonces recordé poner en hora los relojes.

Ben Clark: La mezcla confusa

2011-09-22T10:16:00.001-07:00

Ben Clark (Ibiza, 1984), hijo de padre galés y madre inglesa, vive en Salamanca donde trabaja para diferentes instituciones culturales. Este joven poeta fue el ganador del VII Premio Nacional de Poesía Jove n Félix Grande, 2011, con el libro La mezcla confusa.

Tras recibir el Premio de la mano de Félix Grande el 21 de marzo de este año, este muchacho que durante el curso 2004-2005 residió y se formó en la Fundación Antonio Gala para Jóvenes creadores, en Córdoba, y que ha traducido los Poemas de amor de Anne Sexton y la Poesía Completa del poeta Edward Thomas, acompañado de parte del jurado: Luis Alberto de Cuenca e Ignacio Elguero (sólo falto la poeta Amalia Iglesias que también forma parte del jurado), agradeció el premio, se sorprendió gratamente de que Félix Grande y Luis Alberto de Cuenca elogiaran su libro y leyeran sendos poemas del libro ganador y, finalmente, leyó unos poemas de La mezcla confusa, un libro que suena a voz nueva, bien ritmada porque se nota que maneja las formas con soltura y lleva casi siempre el ritmo (o acento) en la sexta sílaba como hacían los grandes, los clásicos, aunque alguien, por ahí, pueda decir que “eso de llevar siempre un ritmo en sexta resulta demasiado empobrecedor.” (?)

Yo pienso que aquellos que beben de las fuentes y las conocen saben bien que ritmar en la sexta nunca es empobrecedor, lo empobrecedor es no saber manejar el ritmo y Ben Clark entre otras muchas cosas como su tono directo (lo que nos cuenta no es algo ectraordinario sino lo cotidiano),a veces su humor, su léxico sencillo,su ironía, sus temas sin dramatismo aparente; pero con un trasfondo de amargura, son muy sinceros en su poesía. (O lo aparentan, que viene a ser lo mismo), su determinado modo de escribir poesía recuerda algo a Luis Alberto de Cuenca (lean luego el poema NO LO DUDES) y algo de Roger Wolf, aunque diferente, con su voz personal. La lectura de este libro, ´que es un poemario «sobre el fracaso» como bien dice su autor que nos señala, además, que la treintena de poemas que lo forman están a medio camino «entre el poema y el microrelato». «Están bailando en la frontera que separa la poesía de la anécdota». Su lectura me ha llevado a recordar otras lecturas, de ayer y de siempre: José Hierro, Ángel González, Keats, Quevedo, Lope… y a sentir, al tiempo, una voz nueva, una voz de difícil sencillez, nada simple, repleta de profunda reflexión. Una voz que intenta, me parece a mí, acercarse al lector con una poesía de claridad, que se entienda, y si para ello emplea formas, ritmos, de la poesía de siempre, lo hace innovando con eso que los modernos en el campo del diseño de ropas han dado en llamar “costumizar” y, también incorporando un lenguaje de ahora creando poemas que abordan igualmente temáticas de hoy, de ayer y de siempre.

Hacia 2007 nos decía este muchacho, a modo de poética, que: Es fácil ser difícil. Lo complicado es ser sencillo. (…) Casi sin quererlo dejé de lado las matemáticas, la geografía y la química: me había condenando a poder desempeñar una única tarea en la vida que, además, resultó ser inacabable y de un valor más que discutible. (…) Quisiera, algún día, escribir un buen poema. Con esa esperanza (y con un lugar cómodo y tranquilo para leer) me conformo.

Pues confórmate muchacho. A mí me parece que ya lo has conseguido Ben Clark, que escribes algunos muy buenos poemas y, seguramente, también habrás encontrado un lugar cómodo y tranquilo para leer. Y sí, es facil ser dificil (o inentendible o críptico o hermético o como querais. Lo dificil es ser sencillo (porque en la sencillez está la grandeza). A los lectores de este blog, a los jóvenes y no tan jóvenes, les recomiendo leer La mezcla confusa para que, como digo yo en un poema: ¿Cómo se ha de innovar cuando se ignoran/ las fuentes que han saciado tantas páginas/ de vida amor y tiempo?

Aquí os dejo un poema de este libro (Pág,63) titulado…

NO LO DUDES
No lo dudes: a ti van estos versos.
Sabes bien que no puedo referirme
a otra persona; este poema es tuyo.

Pero por si dudaras todavía,
diré que te he querido y que no sabes
tantas cosas de mí como yo sé
que sabemos los dos de nuestros cuerpos.

Veo que todavía desconfías.
Haces bien; yo tampoco estoy seguro
de que puedas ser tú, después de todo

Basilio Rodríguez Cañada: Suma poética (1983-2007)

2011-09-19T11:19:00.000-07:00

Basilio Rodríguez Cañada presenta mañana su libro Suma poética (1983-2007) Pigmalión, Madrid 2011, en la Sala Ámbito Cultural de El Corte Inglés, Calle Serrano nº 52 planta 7ª, Madrid. En el acto intervendrán el director y escritor Ramón Pernas así como Luis Eduardo Aute, Marisol Esteban y José María Gago.

Basilio Rodríguez Cañada (Navalvillar de Pela, Badajoz), ha reunido toda su producción poética en un esmerado volumen y en él nos muestra una obra poética lírica, sensual, profunda, amplia y diversa, donde vemos una poesía de experiencia vital, poesía de vida, simbología de la naturaleza al tiempo que poesía amorosa, con múltiples formas y contenidos como el amor y el desamor, la ilusión y los sueños, la imaginación, la libertad – a través de la palabra y de su silencio – que van desde la métrica clásica a otras innovadoras o libres. Toda una vida poética en las casi seiscientas páginas que componen esta Suma Poética.

Fernando De Salas López, nos dijo de Suma poética en Diariocrítico.com (18 de julio de 2011): Dotado de inspiración –esa cualidad origen de la creación poética– no deja de asomarse a los misterios del alma humana: el amor, la fugacidad de la vida, la religiosidad, fecundo venero para los creadores. En toda su obra muestra la pulsión poética del yo. (…) Basilio, conocedor de la historia de la poesía, sabe que Platón en su “Apología de Sócrates”, ya descubrió que la inspiración es el origen de la creación poética. Y también que la imitación de la realidad – la mimesis – es concepto fundamental para los griegos. Dio a conocer tres modalidades La poesía lírica, egocentrista, que por medio del yo expresa los sentimientos; la poesía dramática, a cargo de personajes distintos al yo; la poesía épica, en la que el yo se mezcla con otros personajes.

Este entusiasta editor (y lo digo con conocimiento de causa ya que yo personalmente he vivido su entusiasmo y la pasión que pone en la edición, en cuidar al autor, en convencerle para publicar , etc.) de Sial Ediciones y Pigmalión, es gestor cultural, profesor de Comunicación, Edición, técnicas de Dirección y Creación Literaria; es productor (Pigmalión Edypro), articulista y presidente del PEN Club de España. Además ha publicado nueve poemarios y diversas antologías de su obra. Obtuvo el XXX Premio de Poesía González de Lama, de León por su libro País de sombras (2001) y su obra ha sido traducida a diferentes idiomas, igualmente muchos de sus poemas han sido grabados tras ponerles música.

José María Paz Gago, autor del prólogo de Suma poética, nos dice de él: Sin duda alguna, la labor de Basilio Rodríguez Cañada como brillante gestor cultural, editor esmerado, hiperactivo urdidor de mil y una empresas culturales (…) nos había hurtado una obra de creación poética amplia, (…) Basilio se olvidaba de sí mismo, de su obra callada pero ingente y palpitante, en crecimiento sostenido pero ocultada intencionadamente, para entregarse a sus escritores, fuesen noveles o consagrados, desconocidos o célebres, olvidados o recordados por obra y gracia de sus entusiastas enseñas editoriales, de sus presentaciones estelares, de sus conversaciones animosas en ese despacho de Bravo Murillo, solemne pero sencillo, testigo de una buena parte de la historia literaria de los últimos veinte años en este país.

Basilio Rodriguez Cañada es viajero incansable de múltiples lugares que plasma luego en sus poemas del mismo modo que parece viajar por el interior del hombre para ofrecernos su personal modo de ver al ser humano así como reflejar su concepción de la vida y de la muerte con poemas elegiacos e hímnicos o de invitación a la vida, a su instante que es único y, lo mismo que el agua del río heraclitiano no volveremos a beber, el, instante, si no lo vivimos-bebemos con intensidad, ya no volveremos a vivirlo igual jamás y finalmente nos dice que todo está determinado por una sucesión de causas, por la lógica.

David Felipe Arranz ha escrito en elimparcial.es un artículo sobre Suma poética del que extraigo el siguiente párrafo : Volver la vida transparente a través de la poesía, en una suerte de vértigo bienaventurado, constituye un valiente ejercicio en un momento en el que las letras enmascaran al yo. Cantar a lo hecho y asumir la propia existencia con la ayuda del verso genera nuevos e imprevistos territorios que nunca decrecen, más bien al contrario. En Suma poética (1983-2007) (Madrid, Pigmalión, 2011) se ve cumplida la vida, fase a fase, del pacense Basilio Rodríguez Cañada, fuerza viva de nuestro panorama cultural hispánico y hacedor de inolvidables encuentros, cuya voz poética explica nada menos que el origen del conocimiento por los sentidos.

Concluye esta obra poética con unos inéditos divididos en tres secciones: Cuaderno de Moscú, Lunas de neón y Cajas chinas , tres apartados donde el viaje se une a la reflexión, la luna nos ofrece la luminosa sensualidady el espejismo y las cajas chinas (ese instrumento del que los antiguos chinos se servían para marcar el ritmo de sus danzas y que Basilio Rodríguez Cañada parece aplicar al suyo, a su ritmo) son esas cajas que se encajan unas dentro de otras y que sirven como recurso en obras experimentales. Y Basilio Rodríguez Cañada, que forma parte de su obra poética, desde fuera se nos introduce dentro, contándose a sí mismo al tiempo que nos cuenta a todos,el viaje, el tiempo, la vida y el amor para concluir, desde dentro de sí mismo y con Determinismo, que:

Las casualidades no existen.
Nada ocurre por azar.
Todo cuanto acontece
está previamente diseñado.
Las más extrañas circunstancias
obedecen a las leyes
inexorables de la lógica.

Rafael Soler: Las cartas que debía

2011-09-16T07:23:00.000-07:00

Foto: Rafael Soler fotografiado por Rafael César Montesinos

Rafael Soler (Valencia 1947) un poeta que es al tiempo ingeniero y sociólogo (profesor en la Universidad Politécnica de Madrid), me envió en junio su último libro de poema hasta la fecha, Las cartas que debía (Vitruvio 2011, Madrid)
Naturalmente cuando me lo envió fue porque no recordaba que estuve en la presentación que hizo en Madrid y que ya me había dedicado el libro, de manera que ahora tengo dos ejemplares y ambos dedicados por él.(¿La dualidad de las dedicatorias tendrán algo que ver con lo dual de este libro?) En cualquier caso es de agradecer que se acuerde (aunque no me recuerde) y me lo envíe porque Rafael Soler que siempre es atento, amable, optimista (dentro de lo que se puede), también, por lo que pinta, es un poco despistado aunque eso sí, es un buen poeta y una buena persona.

En los años ochenta tuvo una profusa producción literaria. Publicó un libro de poesía, quedando finalista del premio Adonais. Igualmente publicó varias novelas y libros de relatos que le convirtieron en un autor galardonado con los premios Ámbito Literario y Cáceres de novela, obtuvo también el accésit de los premios Emilio Hurtado y Ateneo de la Laguna para libros de relatos, y el accésit del Premio Nacional Juan Ramón Jiménez de poesía en 1981.

Rafael Soler que, como poeta, se dio a conocer en febrero de 1979 en el ciclo Poetas Nuevos, organizado por el Aula de Poesía del Ateneo de Madrid, nos trajo con Los sitios interiores (Sonata urgente), (Adonais. Ed. Rialp, 1980), un libro fundamentalmente intimista, pero sin el discurso habitual del confidencialismo que supone la confesionalidad. Libro innovador que, según dicen, provocó un cierto revuelo y, luego, también, un largo silencio por parte del autor.

Maneras de volver (Vitruvio 2009, Madrid) supuso un regreso, tras el largo silencio de años, y su poética continuó con todo un despliegue de imaginación, de soltura, de buen ritmo y nos demostró ser un poeta que juega con la ironía desdramatizando la dureza de la vida en sus poemas y que es un poeta versátil. Maneras de volver me pareció como la película de un viaje, iniciado en Los sitios interiores, por el río de la vida hacia ese mar de simbología poética e ignoto siempre.

Y ahora, en Las cartas que debía se nos dualiza o desdobla como remitente y destinatario, con unos poemas donde el autor juega a ser uno y diverso, es decir él y nosotros al tiempo. Poemas dirigidos a personajes aparentemente ficticios para contar y cantar, desde su yo al nosotros su realidad y sus sueños.

Hace tiempo escribí un unos versos que decían: yo me escribo a mi mismo para escribir a todos, pues bien Rafael Soler manda poemas-cartas primero, a sí mismo (puesto que el libro es una autentica reflexión sobre la vida y la muerte, que anda por él), segundo a un destinatario más o menos ficticio (excepción de Lucía, que yo sepa) que es el tú a quien se dirige para cantarnos con soltura, buen ritmo, con ironía lo que ve , lo que siente, lo que vive y que puedes vivir tú, lector, en mayor o menor medida y tercero, nosotros, vosotros, como podéis ser perfectamente el destinatario de su reflexivos poemas, resulta que Rafael Soler hace suyos estos versos míos (y yo me alegro mucho por ello). Eso sí, él aparenta disfrazarse aunque su intención sea esa otra de reinventarse o desdoblarse en sus poemas a través de los lectores.

Por eso esta cartas de Rafael Soler, cartas serenas, de oscuro y críptico sarcasmo, amorosas, tremendas por su silencioso grito mudo, cartas plenas de autenticidad, llenas de versos auténticos, intensos y emocionantes donde la particular cosmovisión del hombre se alía con el poeta que es y nos escribe de todo aquello que no le gusta y que le gusta, de la vida y de la muerte, del amor, de lo que se gana y de lo que se pierde, de la poesía y de lo absurdo, a veces, de un mundo humano e imperfecto.

Rafael Soler, con juegos de lenguaje imaginativo y sorpresas verbales nos acerca su manera de ver, sentir, vivir… con estas cartas de un poeta reflexivo que –como dice Salvador Moreno Valencia– describe los subterfugios de la vida y con ella el camino hacia la muerte que al igual que la primera está tan presente en sus versos, pero es insoslayable que la una pueda existir sin la otra, y eso Rafae Solerl lo sabe, y por eso lo escenifica en sus versos.

Las cartas que debía es un libro luminoso en su ética y su estética. Es un repaso de la vida, con lo bueno y lo maleo de ella, donde este poeta nos muestra toda su capacidad creativa llena de sugerencias, guiños, realidades camufladas de surrealismo (meditado, eso sí, nada de surrealismo mecánico) de versos aparentemente irracionales, como si John Ashbery paseara junto a ellos, unidos a otros versos cotidianos llenos de sorpresas especialmente a final del poema, y sueños. Con versos carentes de signos de puntuación, polimétricos, algunos de corte formal (eneasílabos: un beso al corazón robado, decasílabos: sentado en el borde de los mapas, endecasílabos: a los años perdidos de tu vida, alejandrinos: Cruzarás el umbral apartarás las sombras , etc. y otros más libres, Rafael Soler vuelve, deshabitado o no, porque sabe que ha llegado, donde quiera que sea ya has llegado. De ese viaje que emprendió a través de sitios interiores, continuó con maneras de volver y, en esta carrera sin meta definida, llega con las cartas que nos dice que debía, o se debía, atravesando la cinta de llegada.

Y eso hay que celebrarlo, y también saber que este poeta, en su conciencia moral, tiene bien claro que hay, siempre, que hacer lo correcto, Hacer lo que debas. Y por eso hay que brindar, brindar por eso y porque la vida tenga múltiples direcciones (no sólo dos) y, sobretodo, brindar porque desde ella podemos elegir o cambiar de dirección por la vida y por la página. Esa es nuestra porción de libertad y el poeta Rafael Soler lo sabe bien y lo canta bien.

Jesús Arroyo: Contracaminante

2011-09-12T09:55:00.000-07:00

En este primer libro publicado, Contracaminante. Editorial Sinmar. 2011(de la Editorial Vitruvio de Pablo Méndez) el poeta Jesús Arroyo reúne una cincuentena de poemas agrupados en cuatro partes, una de ellas, la más intensa y extensa, da título al libro.

Arroyo nos muestra en él lo que ha sido su vida: su amor por la tierra que le vio crecer: Asturias, sus sentimientos, sus motivos para escribir, sus experiencias, duras a veces… en definitiva su manera de ver y de sentir el mundo con una poesía cercana y sencilla, a la vez que reflexiva, una poesía, en fin, de calidez humana.

En este Contracaminante de Jesús Arroyo se descubre que el miedo va con nosotros, que está en cualquier lugar donde miremos esperándonos para atenazar nuestros sentidos. El miedo, ya lo he dicho en algún poema, siempre ha sido un molesto inquilino que habita nuestra casa y nos trastoca la vida con dudosos adverbios si nos dejemos vencer por él

Igualmente descubrimos que lleva muy dentro de sí la tierra en la cual creció y, aun habiendo nacido en Madrid, Asturias forma parte de su patria Rilkenianamente poética y vivencial. Machado nos sugirió que anduviésemos para hacer camino: Caminante no hay camino / se hace camino al andar y andando, andando, el Maestro nos mostró la palabra en el tiempo y no sólo con profunda reflexión sino con memoria (esa materia de los sueños que nos hace ser uno y diverso).
Jesús Arroyo desanda el camino hacia atrás, cotracamina, con esa materia que es la memoria, para ofrecernos su tiempo, su experiencia y su vida a través de estos versos.

Jesús Arroyo ha dicho que se siente cercano a su maestro (y maestro de tantos) el poeta Ángel González y que aprendió mucho de él. Yo no sé si Jesús Arroyo trató personalmente a Ángel González pero si sé que este grande y sabio poeta asturiano, por su manera de sentir, de pensar, de ser en esta vida, y lo sé porqué le conocí y le traté, era digno de ser maestro de aquellos que aman la claridad del verso (y el compromiso con el tiempo que nos toca vivir).

Dicen que escribe casi desde siempre, gracias a un maestro, “Don Isidro”, que en Alcobendas le inculcó el amor por la literatura, tanto que en San Fernando de Henares, donde creo reside ahora, ha presentado este su primer libro al igual que en Madrid, la tierra donde nació y, en Madrid, concretamente en el CENTRO ASTURIANO, lo hizo de la mano de un estupendo poeta, Rafael Soler, que ejerció de presentador y de amigo..

Foto: Rafael Soler fotografiado por Rafael Cesar Montesinos

Rafael Soler dijo de este libro y de su autor: Bienvenido, Jesús, a ése instante irrepetible, si es que llega, del temblor sincero de un desconocido que, entre dos paradas de metro, al terminar su martes anodino y terrible, al refugiarse quizá con tu libro en un banco solitario, tropieza con el verso que le estaba esperando desde siempre y, emocionado, se reconoce en él y se lo queda para siempre.

Los amigos que lo son, siempre dan la bienvenida a los nuevos poetas y, como buenos amigos, les indican que: Un verso, sólo uno, puede redimir a quien lo escribe,

Del mismo modo y precisamente por amistad también les advierten diciendo que en este mundo de la Poesía: Hay poetas que dedican su vida a encontrar lo que buscan, siempre con empeño, y con acierto desigual según su inspiración, su espíritu crítico y su talento. Otros, en cambio, encuentran lo que no buscan, quizá porque dedican más tiempo a escucharse por dentro, en ese espacio minúsculo y definitivo que va del corazón a la experiencia.

Finalmente la generosidad del amigo y la objetividad del poeta se expresan así: En el caso de Jesús Arroyo, madrileño de Malasaña, sabemos que nos habla un corazón grande de mirada generosa y con Asturias dentro, buen lector, amigo de sus amigos y los que vengan, emprendedor inquieto…, y poeta de una pieza,

< Foto: Jesús Arroyo(centro) entre Rafael Soler y Antonio Daganzo

Jesús Arroyo con este primer libro, nos ha ofrecido todo lo mejor de sí mismo. Este soldado de la vida que transita la poesía desde niño ha ido acaparando “galones” con el sueño de conseguir pequeñas-grandes metas para llegar a ser: Cabo, suboficial, oficial del verso y, ya sabemos Soler tiene mucha razón cuando dice (como dijo Pepe Hierro en alguna ocasión), que un verso, sólo uno, puede salvar un libro, redimir a quien lo escribe (o colocarle los galones adecuados o, sencillamente, como ya he dicho en alguna ocasión, salvar a un hombre, que es lo mismo que decir salvar un libro) Jesús arroyo, con este libro, se salva y no solo por un verso.

Luis García Montero: El Vaso noble de un otoño de compromiso y amor en Un invierno propio

2011-09-06T01:38:00.001-07:00

Foto: Apertura del acto con Julián Creis, de pie, Román Orozco,Jesús Martín Rodríguez, alcalde de Valdepeñas, Luis García Montero y Agustin Gil.

Un homenaje: un vaso noble, un poema impreso en una tinaja, una lectura de poemas de Luis García Montero, la publicación de un cuaderno con doce poemas del autor y dibujos del pintor Juan Vida patrocinado por el Ayuntamiento, fue la razón, el sábado 3 de septiembre de 2011, de la Tertulia Literaria Desde el Empotro en la bodega de la Fundación Grupo A-7 de Valdepeñas.

Foto: Luis García Montero y Manuel López Azorín (al fondo, Matías Barchino)

Luis García Montero emocionado con un homenaje que no era otra cosa- dijo- que un acto de amistad que reunía a los amigos al tiempo que se sentía honrado y feliz por encontrar que su poema Compromiso figuraba ya junto a una lista de grandes poemas, cada cual en su tinaja, pertenecientes a poetas de prestigio que le habían precedido como José Hierro, Claudio Rodríguez, Ángel García López... y bromeó por su suerte ya que sólo quedaban cuatro tinajas, sin poema, por completar este Ciclo de vinos nobles.

Foto: Poema de Luis García Montero que se descubrió en la tinaja de la Bodega.

Allí me encontré, junto al homenajeado, entre otros, además del numeroso público,a los profesores Matías Barchino y Rafael Morales Barba, los poetas Francisco Caro, José Luis Morales, Vicente Martín, Manuela Temporelli, Serafín Picado,el que fue director del Ateneo Primero de Mayo, el inclasificable Pepe Tarduchi… y el pintor Juan Vida que es también el que realiza el diseño en la Colección Palabra de honor que dirigen Luis García Montero y Jesús García donde Luis ha publicado su último poemario.

En el otoño de la vida y con Un invierno propio de bálsamo (de amor y de amistad) y bandera (de conciencia) para mirar de frente, sin tapujos, con una actitud ética de compromiso con el tiempo que le toca vivir, en un mundo con el que no está de acuerdo en muchas cosas, haciendo uso de la crítica, personal y colectiva, encara con amor a la vida el futuro, este poeta que fue presentado por el periodista Román Orozco tras la apertura del acto a cargo del coordinador de la Tertulia Julián Creis Córdoba.

Foto: El periodista Román Orozco, Luis García Montero y la cantaora que le cantó al inicio una granaina.

Tras la presentación donde Román Orozco dijo del poeta de La otra sentimentalidad que era un hombre y un poeta, comprometido y solidario con múltiples causas. Le llegó el turno luego al poeta que nos leyó, excepto Primeros versos y Compromiso, poemas de su último libro.

Agustín Gil, uno de los fundadores de A-7 intervino para solicitar, de manera lírica la inscripción en la Fundación recién formada (antes fue Asociación Grupo A-7) para dar impulso y obtener savia nueva a esta labor que cumplía ya 25 años de fundir y difundir Poesía y vino. El alcalde de Valdepeñas inició su intervención y cerró el acto con precisión y acierto, con claridad, con elegancia, con una prosa lírica, culta, exquisita y ajustada.

Foto: Julián Creis y Luis García Montero.

Luis García Montero posó finalmente con su presentador y la cantaora que intervino con los guitarristas que le acompañaron, y después en grupo con todos los participantes en este homenaje al poeta que nació en Granada en 1958 y que según nos ha contado tiene la vista cansada y más que en el otoño ahora nos dice que anda por el invierno, eso sí, propio; pero claro el invierno además de ser una estación es también una etapa, una edad, de la vida y un estado anímico también.

Apenas ha entrado en el otoño y ya Luis García Montero nos presenta Un invierno propio (Visor, Madrid, 2011) este poeta que en los años ochenta negaba la inutilidad de la poesía (Ángel Prieto de Paula (El País Babelia, 3/3/2011) nos dice que: Un invierno propio defiende la utilidad de la poesía, enlaza autobiografía y compromiso civil, busca el equilibrio entre la razón y los sueños, se opone a la sacralidad y al hieratismo, y ofrece una estampa creativa regida por la claridad expositiva y el discurso ilustrado.)

Foto: portada del libro

Luis aboga por eso de que la poesía puede cambiar el mundo como proclamaba Gabriel Celaya cuando nos decía que él defendía la poesía en la que hubiera que mancharse de barro de modo que nos ha escrito un nuevo libro de compromiso y de amor.

En mi opinión , lejano aún del invierno de la vida, con una visión personal e intima que (al menos en esta dirección personal y no en la de compromiso, si viviera el amigo Ángel González, que ya en la senectud y con optimismo, nos ofreció un hermoso otoño de luces , le diría que él si podría haber titulado “El invierno y otras luces” y no lo hizo. Un invierno propio, en ese sentido, es –le diría – un otoño con futuro.

Foto: El poeta José Luis Morales, detrás el pintor Juan Vida y su acompañante.

Luis García Montero podrá anímicamente sentirse en invierno pero la verdad es relativa y en su invierno propio sin dogmas y sin verdades absolutas (él no es amigo de una verdad absoluta), ama y se embarra con la misma emoción porque su poesía es, ya lo he dicho, al tiempo bálsamo y bandera. Este es un libro de amor que contiene amor. Si Completamente viernes fue un libro de amor extenso e intenso, éste tiene la misma intensidad amorosa que aquel pues aunque no sea tan extenso muchos de los poemas en él contienen , al menos, un verso dirigido a la amada. Y es un libro de conciencia y también de esperanza y de sueños.

Luis García Jambrina, (ABC Cultural 19/2/2011) dijo que: Sin duda estamos ante uno de los mejores libros del autor de Habitaciones separadas. (…) Un invierno propio abre un nuevo ciclo dentro de su trayectoria vital. (…) Este libro reivindica la importancia del lenguaje (…) y finalmente: El amor es para LGM lo único que nos redime de la muerte y del paso del tiempo (…) Poesía extraordinariamente lúcida y fluida.

Foto: Rafael Morales Barba y Juan Vida

A veces los sueños nos asustan y tratamos de erradicarlos para aferrarnos a la realidad, pero la realidad también es relativa, como todo, y la poesía, me parece a mí, aunque a lo mejor es una idea ingenua, trastoca la realidad para convertirla en otra realidad poética donde los sueños juegan un papel importantes aunque convivan en habitaciones separadas.

Francisco Díaz de Castro (El Cultural, 22/4/2011) escribió: La unidad esencial de intimidad e historia se reafirma ahora con el papel que cumplen los sueños en la modesta resistencia desde la que el poeta mantiene su compromiso colectivo.

Foto: Sentados, Luis García Montero y Manuel López Azorín, de pie Francisco Caro que me ha la enviado.

Y el amor a la vida, y el amor a su amor que, hoy me entero porque me lo cuenta Luis, anda bebiendo la luz de la Florencia de Buonarrotti y del Dante. Aquí os dejo un poema y una recomendación: leed este libro, aunque creo que no es necesaria porque ya hace tiempo que lo habéis colocado como el poemario más vendido y por lo tanto más leído:

LO QUE OCURRE EN LAS NUBES OCURRE TAMBIÉN EN NUESTRA CASA

No te voy a pedir el corazón que llevas
escondido debajo de tu ropa de invierno.
Solamente esperaba, como leña reunida,
para arder en el fuego que calienta tus manos.
Quiero entender tu noche, tu sed, tus libramientos,
tu vivir en las sílabas que componen tu nombre,
tu quedarte dormida, tu me voy a la cama,
tu silencio acostado, mi silencio acostado,
las cosas que me pasan cuando sueñas conmigo.

Luis García Montero
Del libro: Un invierno propio

Ana Vidal Egea: una joven promesa

2011-09-01T08:05:00.000-07:00

Ana Vidal Egea (Dolores de Pacheco, Murcia, 1984) es periodista, poeta y escritora. Doctora "Cum Laude" en Filología Hispánica por la UNED, tras haber realizado la primera tesis completa sobre el teatro de Angélica Liddell en 2010. Actualmente trabaja como Gestora Cultural en el Centro Cultural de España en Miami, centro dependiente de AECID.

Fue el 22 de junio de este año cuando conocí a Ana Vidal Egea y su poesía. Ana era la invitada por la Casa de Murcia a una lectura de poemas dentro del VI Ciclo de Lecturas Poéticas que desarrolla, en La Esfera, el Ayuntamiento de Alcobendas en colaboración con las casas regionales. Ciclo que llega acompañado de una "plaquette", en esta ocasión de la autora, con una breve selección de poemas.

Aristotélico planteamiento el de su poesía en la que nos ofreció a través de la exposición: el amor como núcleo y vida de la realidad poética. Sólo nosotros podemos destruir / aquello que fuimos creando; / no conservaremos nada, / no habrá ninguna pérdida no elegida, / será un acto de amor dejarnos ir, para que la unión sea definitiva.

El nudo: formado con poemas de experiencia vital y mirada interna donde se confiesa desnudando a los lectores (en este caso oyentes) su yo más íntimo. Salvarme así. Desanudando los nervios, / estirando la espalda como se tensa un arco, / volviendo a la mente, al lugar de la bruma / de donde no se puede huir y que he de limpiar / del miedo que viene contra mi cada noche.

Y, finalmente, el desenlace: donde como en un círculo que se inicia y concluye, regresó al amor y sus antónimos. No importa dónde si vuelvo a tenerte. / No importan los nombres si me reconoces, / si me escuchas contártelo todo, / si me está esperando desde la siguiente tarde que saliste solo / a pasear por el jardín, y nadie te encontró.

Y todo con una poesía de vida con lo que conlleva de alegría y dolor, de pasión y gozo de canto elegíaco e hímnico. Poesía de duda, agónica, de miedos e interrogaciones que nada, al tiempo, en la confianza de presentes continuos veraces, gratos, amados, porque sabe bien que antes no hay nada (sólo memoria ya) y sabe que después ya no habrá nada (si acaso sueños) porque el tiempo empieza ahora y para abrazarse al instante único sin dejar de pensar, sentir, vivir, hay que recurrir al Maestro Don Antonio Machado para saber que Hoy es siempre todavía y el resto solo es memoria y sueño.

Ana Vidal Egea sabe manejar la palabra, sabe crear ritmos, musicalidades; con unos poemas carentes de rimas finales y polimétricos (en esa línea que se da en llamar verso libre aunque en muchas ocasiones sea verso blanco) pero, sobre todo, sabe comunicar emociones.

Ya se sabe, en los tiempos que corren, en el ayer se quedan los poemas de rimas ya sean asonantes, consonantes… los sonetos, las liras, los madrigales, las seguidillas, los romances… Todo esto queda ya, según parece, para los juglares o para los letristas de canciones; ahora es el verso libre (¿libre? Toda cadencia tiene su ritmo, su medida) el verso directo, sin endecasílabos clásicos que ritmen en la sexta sílaba. Ya se sabe, ahora hay muchas voces nuevas ( Siempre hay muchas voces nuevas, por jóvenes), unas beben en las fuentes y les sacan provecho construyendo o deconstruyendo, creando o recreando, otras van por libre amétricos y arrímicos tratando de ser diferentes.

Ana Vidal Egea combina ambas cosas. Conoce y bebe de las fuentes, construye,deconstruye, crea y busca nuevos ritmos, usa o no la rima si precisa el caso. Se sirve de las reiteraciones, del verso largo alternado con el breve para el llamado verso libre, con aliteraciones, sinestesias, anáforas… Una sorpresa, en fin, esta muchacha, murciana como yo, que nos mostró retazos de una poesía en ocasiones sincera,fresca y verdadera, con humildad y con firmeza.

Antes, esta joven poeta y yo habíamos mantenido una breve conversación en la que descubrimos no solo que éramos paisanos sino que un lazo de amistad con ella y de sangre conmigo nos interrelacionaba; pero fue ese día de junio, en que nos conocimos, cuando supimos que Mario Moratalla (así se hace llamar mi sobrino-nieto,aquel niño al que llamé gorrión en su infancia y que , con el tiempo, se ha convertido en un hermoso pájaro libre y salvo que vuela, y bien, por el mundo de la información-comunicación, de quien acabo de saber con alegría mientras escribo esta entrada) era el nexo entre esta joven promesa y este viejo poeta.

Ana Vidal Egea ha publicado un libro de cuentos La otra vida, 18 relatos de amor y miedo (Ed. Traspiés, 2010) y la novela Noches árticas (Ed. Baile del Sol, 2011). Ha obtenido galardones en certámenes literarios. Ha sido ganadora de La voz +joven 2009 de Obra Social Caja Madrid y del Premio Voces nuevas, 2009
Su obra ha aparecido publicada en volúmenes colectivos y colabora en diferentes revistas literarias.

Un poema de Ana Vidal Egea que me parece a mí que conecta muy bien con aquellos que salen del pueblo, de la ciudad, del pais a la búsqueda de las aspiraciones y los sueños futuros y van dejando tras de sí pedazos de vida, de todo,en su caminar. Un poema escrito desde la experiencia que no emplea el yo sino el nosotros como medio de universalización. Y lo consigue.

Nosotros, los que nos fuimos pronto de casa
primero a otra ciudad, luego a otro pais
-cada vez más grave- cambiando de lenguaje,
de clima, desaprendiendo, mutando. Los que vivimos solos
en hemisferios distintos, poniendo un océano de por medio
que hace imposible regresar a tiempo.

Nosotros, los que hemos dicho adios tantas veces,
los que hemos masticado el silencio de los aeropuertos
y nos hemos tragado la piedra de la duda;
los que tenemos miedo a volar pero volamos,
a los que nos cabe todo en una maleta,
los que hemos llegado de noche a donde nadie nos esperaba.

Nosotros, los huérfanos funcionales,
los que no recordamos las camas en las que hemos dormido,
los que tenemos que confiar en desconocidos,
los que seguimos buscando con un mapa en la mano
porque no tenemos lugar de descanso;

nosotros, apretamos los dientes, agudizamos la vista
y temblamos al recordar lo que vamos dejando.

Moncho Otero: Unifamiliar (con vistas)

2011-06-23T04:22:00.000-07:00

Moncho Otero ( ) ha escrito un poemario en el que, con una poesía de pensamiento, de preocupación existencial y de compromiso con la vida y el hombre, nos muestra unos versos que se abrazan con desgarrada esperanza a la vida imperfecta, al hombre y su permanente incertidumbre, duda, al afán de vivir con el deseo de lo justo para el hombre, del equilibrio para el hombre, a la humana actitud de quien no contempla su ombligo porque sabe, siente, que “Hay gente sin ombligo, más de la que creemos” y a pesar de la “prisa de ser hombres”, de practicar “Espionaje industrial para ser alguien diferente”, de sentir que el dolor de amar, a veces, desubica, de oír que “Dicen que (es) hermano de millones de hombres/ que ignoran que /él) exist(e)”, sigue, como un niño, soñando despierto “que (es) un adulto más / y (le) basta crear un micromundo afable / donde no se vislumbra la gangrena que avanza”, como mecanismo de defensa, aunque sepa que no sueña “que (le) bastan los besos / para sentir(s)e vivo”

Moncho Otero es arquitecto y este Unifamiliar (con vistas) que nos ha construido es la mirada de un hombre machadianamente bueno, y siempre con la humildad del hombre que se analiza a sí mismo y reflexiona sobre las vista que, desde su terraza de adulto (con la inocente y verdadera mirada de quien aún conserva al niño en su interior) observa un mundo que no siempre acepta porque lo que ve le decepciona a veces y a veces le preocupa.

Moncho Otero es, además de arquitecto, cantautor. Un cantautor tan generoso que casi nunca canta sus letras o poemas sino los de otros poetas y así lleva años dedicado a poner música a los poetas que le gustan para difundirlos cantando. Algo tan complejo como poner música a la música del poema y fundir ambas músicas en una canción. Esta otra faceta suya de cantautor, que trabaja desde la adolescencia y que lleva ya, desde mediados los años noventa, solo o junto al también poeta y cantautor Rafa Mora, dedicado a fomentar y difundir la poesía a través de la música. Eso es lo que le gusta y, sin más planteamientos (léase mercadotecnia, hacer agosto, crear fama y echarse a dormir, buscar el negocio donde sea, etc.), se dedica a ello, es lo que hace, porque le gusta, sin más.

En la foto: Rafa Mora, María, Moncho Otero y Manuel López Azorín en el Cigarral del Angel (Toledo) en 2004

Pero Moncho Otero es , también, un poeta, un hombre que trata de eludir aquello que no le gusta y, al tiempo, despierta, reacciona, para aferrarse al deseo no ya de eludir si no de propiciar otra actitud, otra mirada nueva, mejor, más justa, más humana…confirma su presencia en esta casa extraña, que él llama “Unifamiliar con vistas”, desde la que camina, observa, siente, piensa… en un mundo que entraña, a poco que uno mire con atención que al observar las estrellas “hace miles de años / que muchas se apagaron / y que siguen luciendo”, un poeta pues que se observa desde dentro de ese unifamiliar a sí mismo a la vez que contempla, las vistas, y observa todo lo que ve a su alrededor o dicho de otro modo, un poeta que busca en su interior la luz que lo ilumine a la vez que trata de alumbrar entre los versos su código ético a los que le rodean, con una exposición de criterios en desconcierto pero sin imposiciones, con humilde claridad. Esto es: ir desde lo individual a lo colectivo.

Moncho Otero, el poeta, se sienta a escribir “unos versos sinceros, distraídos, valientes” (…) “antes de que un hielo joven, dinámico, indeciso, / invada todo el planeta”

Nos dice y se pregunta ¿Otro día escribiendo para olvidar la vida? Y sabemos que piensa que “Despertar de un sueño es morir a la vida, / dilatar las pupilas sumido en un vacío oscuro y sin fisuras” y sueña con versos sin ataduras , sin corsés métricos formales (aunque le sale, fluye en muchos de sus poemas un rítmico y perfecto verso heptasílabo y otras, cuando une dos versos de esta medida con su claro hemistiquio, un perfecto alejandrino)

Moncho Otero se apoya en el versículo y lo alterna con el verso breve para ofrecernos una cadencia rítmica apropiada a la temática metafísica: desgarrada a veces, desasosegante, dulce, tierna, noble como el hombre que es en su interior, humana, propia del humanista que cree en el hombre aunque desde su particular unifamiliar mire y vea lo que no le gusta de él.

Pero este poeta no se decepciona frente a las vistas que observa desde éste: “Los hombres giran despacio y nunca esperan que un suceso imprevisto/ desbarate sus sueños”. “Como ser. – se pregunta – Cómo ubicarse en un espacio sin estigmas” (…) “Si somos una gota de semen celestial” (…) “para gozar del sexo y huir del onanismo” (…) “Cómo encuadrarse en zonas. / Cómo formar equipos. / Cómo ser competentes y no competitivos, / para avanzar hacia dónde, hacia tal vez”

Y piensa en la amargura, el dolor “que ha escapado por siglos y por siglos/ de miles de gargantas y millones de alaridos. / Por no estar ubicado / por ser un indeciso / por pretender sentidos en vez de direcciones”

Desde este panorama de reflexión sobre lo que se debe ser y lo que se quiere ser siente una “Súbita sed que el clamor callado de la noche arrastra” y también la “Dignidad del hombre que se siente vivo” avalado por una sociedad deshinchada de valores que no sean aquellos que propicien el poder y el dinero, por eso nos dice: confío “en un dios que está con nosotros” mientras que “un cuerpo de malaria se deshace en los pantanos” y parece decirnos que la vida no es mala ni buena, es el hombre el que, con su actitud, la modela a su interés.

Este poeta se plantea “Dejar de escribir” porque “es inútil abrir las carnes al misterio” y una absoluta hondura, una profundidad de verso limpio, justo, preciso, nos dice: “Mirar de repente / Mirar a lo lejos. / Pensar que se amaba un reflejo. / Buscarse desnudo. / Dudar en silencio. / Pulir y rozar un espejo / y no ser brillante” Y ahí está toda la sabiduría del hombre, toda su nobleza, ahí, roza la espuma, la altura, la luz, y pierde, abandona lo que el hombre tiene de ceniza. Y entonces ya se dice: “No quiero más maestros que sentir la llamada de los poros abiertos de mi cuerpo o de otros… con tal que tengan alma, / lo único que pido” (Y lo que quiere, mostrándonos estos versos con bandera, es la poesía que, entre otras muchas cosas, sana y salva, la que sirve para hacernos mejores personas)

Desde la terraza adulta de este unifamiliar que se mira por dentro y observa el exterior “Tira de la cuerda un niño que / recuerda el futuro porque / aun no siente que llega” Este poeta piensa: “Es losa y no piedra/ con esto digo todo: / obra del hombre” y aun así, sigue creyendo “en la generosidad del hombre / al dejar de ser animal”

Moncho Otero es este Unifamiliar (con vistas) que se contempla y reflexiona sobre sí mismo al tiempo que mira aquello que le rodea y nos lo cuenta con inquietud existencial, con palabras de tolerancia, sentido ecológico, neorromántico a veces, con cierta ironía en ocasiones y siempre con la humildad de quien hace lo que hace sin darle más importancia que la de hacerlo bien, con pasión y con generosidad, con entusiasmo. Este es un libro inédito, el libro de un poeta que no se mira el ombligo, un libro tan sincero, tan verdadero, que merece ser publicado cuanto antes.

UNIFAMILIAR

De niño sueño despierto
que soy un adulto más
y me basta crear un micromundo afable
donde no se vislumbra la gangrena que avanza.

De niño sueño
y presiento que me bastan los besos
para sentirme vivo,
pero no, existen metas
que se sienten tan cerca como el galgo
olfateando el conejo mecánico
en tardes de canódromo
y sales a la pista y brotan opiniones.

De niño soy el 7, colocado, que gana.
De adulto soy el 15, colocado tan solo.
Siempre soy como todos.
Nunca estoy.
(Castellano preciso, la lengua viperina madre)

De niño aprendo
que algún día habré de perpetuarme
y pregunto al silencio si merece la pena
confirmar mi presencia en esta casa extraña,
(unifamiliar con vistas).

Enrique Gracia Trinidad: Butaca de entresuelo

2011-06-14T07:30:00.000-07:00

Enrique Gracia Trinidad (Madrid, 1950) además de escribir poesía, se ha dedicado siempre al teatro y, muy especialmente, a la divulgación cultural (y no sólo por los múltiples talleres de poesía que ha impartido sino por el recordado y excelente programa Poetas en vivo por el que pasaron muchos y buenos poetas para dar cuenta de la diversidad de la poesía y para enriquecer el conocimiento de un público que mes a mes, generalmente, llenaba el salón de la Biblioteca Nacional.

Como poeta, Enrique Gracia Trinidad, se inició publicando en los años 70 con el libro Encuentros que fue accésit del Adonais (1972). luego, tras un tiempo de silencio y desencanto, regresó con ímpetu en 1991 para ofrecernos un ramillete de libros (que años más tarde quedaron recogidos en Contrafábula, Poesía reunida 1973-2004) avalados casi todos por importantes premios (él suele decir que es la única manera de poder publicar, aunque después ha seguido publicando con o sin premios) que han dado a conocer su poética y su ética, su cosmovisión, a través de una voz que a veces con ironía, a veces incisivo y mordaz, a veces con humor, y siempre con un poso de honda reflexión, desdramatiza la vida para que no nos resulte tan ácida en ocasiones y sí acaso, la sintamos con sabor sino dulce siempre, al menos un poco dulce-amarga o agridulce.

Para ello ha empleado muchos recursos, muchas temáticas y, esencialmente, su experiencia vital y se ha servido de las palabras de siempre y de nuevas para escribir una poesía viva, dinámica, con elementos de ayer y de hoy, bien resuelta, bien pensada y bien sentida.

En esta ocasión Enrique Gracia Trinidad nos ofrece un libro, Butaca de entresuelo, que en 2010 obtuvo, junto con otro de Aurora Salvador Rosa, Sonetos intransferibles, el I Premio Juan Van Halen de Poesía.

Butaca de entresuelo es un libro donde el cine se convierte en el protagonista del recuerdo, no ya infantil sino de un tiempo en el que la magia de la cinematografía a través de nuestra vida nos ha ido dejando imágenes, ideas, conceptos, difíciles de olvidar y que nos ha servido para soñar en ocasiones, para imaginar, para sentir, pensar, para aprender, por qué no, a vivir también.

Y todo esto Gracia trinidad nos lo cuenta como un juego que canta las excelencias de aquellas películas que le han ido dejando huella a lo largo del tiempo porque Enrique lo que pretende con estos poemas no es contar sólo las películas, que a veces también, sino cantarlas, revivirlas, “Eso – nos dice – que tanto hacíamos cuando éramos chicos” porque – nos dice también – “El cine siempre estuvo en nuestra cabeza, incluso más que en nuestros ojos”

Así nos cuenta que El mundo es como un globo/ con el que algunos poderosos juegan / a la pelota, y lo hace a través de El gran dictador de Chaplin. Pero del mismo modo nos canta, en un decasílabo, una verdad que sabemos lo es No hay como escuchar: nadie es perfecto y enseguida nos aparecen las imágenes, es esa frase tan verdadera, se diga para lo que se diga, con la que finaliza y comienza en nuestra imaginación una nueva película, esa que después inventamos, cantamos… aunque a veces Enrique Ridley Gracia Trinidad Scott nos dice que En esta tierra miserable/ es mejor no saber lo que puede ser uno o ser como aquellos dos locos de las riendas/ camino de la gloria o la muerte en el circo romano de Ben Hur.

Enrique gusta mostrarnos con ello crítica social con el inigualable humor de un cómico con enjundia, o una estupendísima comedia de enredo y acción en superproducción americana donde, en la oscuridad y en la imaginación, el mundo se convierte en algo mágico ya sea con bigote arquetipo del mal, pelucas y disfraces como medida de escape o cuadrigas que rivalizan cuestiones personales en tiempos del Imperio romano. (Y esto es sólo un ejemplo, una muestra, que no todo el libro) Enrique, también, toma café con Zapata-Marlon Brando Hombre que lucha por ganar su tierra (cómo no) y entretanto Elia Kazan le invita, desde el Actor Studio a escuchar a Víctor Jara soñando, cantando libertad.

Esto y más nos ofrece en este libro, con portada de la mítica e inolvidable Marilyn Monroe, para entretenernos, imaginando, recordando y, de paso, sintiendo y pensando, que no viene mal tampoco, en esas noches (no ya de butaca de entresuelo que era como veían las películas los niños, adolescentes y jóvenes de la edad de Enrique) de solitaria y sosegada lectura en la butaca de nuestro salón o salita donde podremos ver las palabras hechas imágenes en nuestro pensamiento.

Y es que La palabra es imagen, un raro sortilegio dibujado que / vuelca los fantasmas, casi siempre en lo oscuro. //// El cine es la palabra erguida, como un verso, como un / poema incandescente que consume la sombra

Y entre poemas y poemas y una actividad divulgativa desbordante, otra de sus facetas: la de dibujante caricaturista donde ha captado a muchos, en cuatro perfectos trazos, en un instante del tiempo, sin cine pero con imaginación, una parte de la película de nuestras vidas

BIENVENIDO, MR. CHANCE
(Hal Asbhy)

Lo absurdo a veces es la realidad,
no hay por qué inquietarse.
Un jardinero idiota
puede llegar a ser primer ministro,
presidente, notable…
lo que quieran
quienes tejen la red del disparate
para enredar a todos.

Las cosas suelen ser lo que parecen
aunque las inventemos.

Enrique Gracia Trinidad
Del libro: Butaca de entresuelo

En recuerdo de Julio Álvarez: pintor, escultor, poeta.

2011-06-07T12:36:00.000-07:00

Julio Álvarez (Madrid 1928 - 2011) nos ha dejado. Supe por Carmina Casala de su fallecimiento a través del e-mail que me envió, el 29 de mayo y de su incineración el día 30, precisamente el día de San Fernando, patrón de las Bellas Artes, su patrón ya que Julio Álvarez era pintor, escultor, dibujante ilustrador además de poeta pues también escribía poemas con el heterónimo o sobrenombre de Abel Beire, en definitiva un artista con una sensibilidad profundamente preocupada por el ser humano que expresaba en su obra, desde sus primeras etapas, y lo mismo en el lenguaje pictórico, que dando forma y vida a sus esculturas, como en su lírica, nos comunicaba su mundo interior con emotiva riqueza porque Julio hacía que su trabajo en los diferentes campos fuera al tiempo que una auténtica vocación , un ideal, un símbolo y una actitud en la vida.

Julio Álvarez siempre fue un hombre generoso y también un artista muy preocupado por su obra. Desde que tuviera un fatal accidente que le obligaba a caminar con dificultad Julio se planteó encontrar a alguien que pudiese ofrecerle, a cambio de su casa y su estudio, un lugar donde poder, al tiempo que vivir, trabajar y conservar su obra.

Su obra pictórica era depurada, poética y realizada, siempre, con un gran dominio de la técnica. Una técnica que él personalizó en un profundo realismo con el que nos ofrecía el mágico y revelador aspecto de las cosas y de los seres.
Un buen día me telefoneó para decirme que se había trasladado a la calle de Santa Juliana, justo frente a la casa donde vivió en tiempos Pepe Hierro, porque un constructor le había ofrecido una casa y un garaje donde poder conservar sus pinturas y esculturas al cual podía acceder en ascensor.

Foto: Luis Pérez Lara, presidente del Centro Cultural Blas de Otero, durante la inauguración de la exposición de Julio Álvarez, a la derecha. El C. C. Blas de Otero fue el promotor y organizador de esta exposición en junio de 1995.

Estaba muy contento. A cambio de su estudio y de la casa en que vivía, el “avispado” constructor le ofreció una casa nueva, que no estaba mal, y un “estudio” que al poco tiempo se convirtió para Julio en un suplicio. Tras mucho luchar para conseguir un lugar apropiado para su obra finalmente terminó viviendo en La Olmeda un pueblo a unos 40 o 50 Kms de Madrid, en un chalet donde guardó su obra, sí, pero nada cómodo para moverse por él habida cuenta que tenía escaleras y Julio ya no con muletas, como antes, sino que tenía que desplazarse con un andador.

Aunque algunos amigos le visitaban, entre otros Carmina Casala y Chema Rubio , Francisco Carrillo ha sido la persona que, en los últimos años, se ha ocupado y preocupado por Julio Álvarez. Francisco Carrillo ha sido para Julio mas que un amigo, su protector,el defensor de todas las injusticias y engaños que se ha cometido con este artista y su "Angel de la guarda"
Ahora tendrá que preocuparse también de su obra ya que la casa donde vivía Julio era una cesión en usufructo y tendrá que buscar un lugar donde depositarla la obra de este hombre, de este artista que fue Julio Álvarez.

Este artista que creía en el hombre, fue el impulsor, promotor y gestor de exposiciones al aire libre durante los años 50, 60 y 70 del pasado siglo, en Madrid. En 1953 fundó uno de los certámenes artísticos más importantes, duraderos (hasta 1973), y con más éxito de aquellos años, las Exposiciones de primavera que el denominaba Arte al aire libre

Foto: Julio Álvarez, Manuel López Azorín y Gloria Fuertes en una lectura que dio Gloria en Tertulias de Autor de Helicón en Sanse (1996)

En estas exposiciones al aire libre que mantuvo Julio, aun con muchos esfuerzos, mucha lucha y muchas reticencias por el régimen frente a tanta progresía, tanta poesía y, sobre todo, tanto y tan libre Arte al aire libre. En ellas se dieron cita muchos jóvenes artistas que hoy día están consagrados en su mayoría, entre ellos, Genovés (que compartió estudio con Julio) y Duarte ,al igual que poetas que participaban como José Hierro y Gloria Fuertes de quien Julio fue ilustrador de algunos de sus cuentos infantiles en los años setenta.

La Ciudad de Madrid reconoció su trayectoria artística en un acto que tuvo lugar el jueves 28/03 /2007, a las 19.00 horas, en el Conde Duque con el título de Homenaje a Julio Álvarez, un visionario del arte madrileño. : “Madrid rindió un homenaje a Julio Álvarez, pintor, escultor, escritor e inventor que acercó el arte a los madrileños. Durante el transcurso de acto, en el Auditorio del Conde Duque, la Concejala de las Artes Alicia Moreno, acompañada por el director de Patrimonio Cultural, Juan José Echeverría, entregó a Julio Álvarez un diploma honorífico”. Allí estuvimos algunos amigos suyos pero sin duda no todos. Siempre sucede igual.

Foto: Julio Álvarez y Manuel López Azorin en un instante de la inauguración de su exposición al aire libre como recuerdo de aquellos años en Madrid de su gran actividad organizativa en las convocatorias de las exposiciones de primavera Arte al aire libre.

Pero antes, en 1983, con Enrique Tierno Galván como alcalde de la villa de Madrid el Centro Cultural Conde Duque realizó una muestra antológica de todos los artistas que habían participado en aquellas exposiciones de primavera llamadas Arte al aire libre. En esta muestra antológica se destacó el papel preponderante de Julio Álvarez como fundador, como inventor imaginativo que logró durante veinte años seguidos que El Retiro se convirtiese en un nido de sueños, de esperanzas, de ilusiones y, gracias a aquella libertad pictórica, los grises dieron paso a los colores que inundaron las primaveras de la época franquista para el asombro de muchos.

Foto: en 1995 Julio Álvarez realizó una exposición al aire libre en los jardines de la urbanización Rosa Luxemburgo de San Sebastián de los Reyes.Junto a él Manuel López Azorín y al fondo, sentado, José Hierro que junto a la poeta Francisca Aguirre ofrecieron, en la inauguración, un recital poético.

La obra de Julio Álvarez fue mostrada a lo largo de los últimos 60 años en numerosas e importantes exposiciones: Centro Cultural de la Villa, Centro Cultural Conde Duque, Entidades como Caja Madrid y la última que realizó, el mes de abril, en el Centro Cultural Eduardo Úrculo , situada en el barrio de Tetuán ,cercano a su barrios queridos: los de Dehesa de la Villa y Cuatro Caminos, barrios en los que vivió y convivió con sus vecinos. Por esta razón a iniciativa de la Asociación de vecinos Cuatro Caminos el pleno municipal, aprobada por todos los grupos, ha reconocido la figura del artista Julio Álvarez.

“Jueves, 10 de Marzo de 2011 15:18
En el Pleno ordinario celebrado en el día de ayer, correspondiente al distrito de Tetuán, se aprobó por unanimidad de los Grupos Municipales, la propuesta presentada por la Asociación de Vecinos Cuatro Caminos, , relativa a la adquisición y colocación de una obra o elemento artístico- ornamental del conocido artista Julio Álvarez en la nueva Casa de Baños, próxima a inaugurar en la calle Bravo Murillo, número 133.”

De este modo, Tetuán reconoció al artista Julio Álvarez y lo hizo gracias a sus amigos de la Asociación Cuatro Caminos. Se agradece, y Julio se sentirá muy satisfecho sabiendo que sus vecinos y amigos de la Asociación no dejan de recordarle como artista y como el buen vecino que siempre colaboró con ellos.

Foto: Julio Álvarez, sentado, ejerciendo de presentador en una exposición de mi hija Gema López M. Azorín en la Sala Martín Chirino, junto a ellos Luis Pérez Lara.

Cuando yo creé la revista Poesía en la diana, como en ella colaboraban artistas plásticos como Manuel Alcorlo, Luis García Ochoa, Ricardo Zamorano, entre otros muchos como el propio Julio Álvarez, además de poetas, decidí nombrarle asesor junto a críticos literarios, escritores y poetas. Recuerdo que se sintió muy satisfecho de pertenecer como miembro asesor a una revista donde junto a él (él decía que junto a ellos) estaban, entre otros, José Hierro, Antonio Gala, Miguel García Posada, Pablo García Baena y Claudio Rodríguez.

Este es el última dibujo que Julio nos envió para felicitarnos, a los amigos, en las navidades del 2010.Ya no podremos vernos en Madrid como decías ni ya tampoco seguirá, como nos decías, tambien, con cierta ironía, en tu "semidorado exilio" querido Julio, pero seguro que permanecerás en nuestro recuerdo no sólo como pintor, escultor, poeta... sino como la magnífica persona que has sido.
Esa que con el nombre de Julio Álvarez (ya no con el de Abel Beire) publicó algún que otro poema en Poesía en la diana. Aquí, en su recuerdo, os dejo uno titulado

Diálogos del silencio

Ya despierto, ya dormido,
te veo ante mi sentada;
me sigues donde yo vaya,
mi sosiego ya es perdido

Al monte
tu nombre quiero gritar
y arrancar ecos distintos,
sobrevolar el abismo
y explorar el exorcismo
del acorde musical
que reside en tu mirada.

Recorrer el sendero sinuoso
que lleva al lago perdido,
susurrarte en el oído
mis requiebros, amoroso,
y verte transfigurada.
Que despiertes a la luz
de la mañana
y te sientas por mi ojos
contemplada.
Dime pronto qué he de hacer
que no verte es el no ser.
Expectante
Buster Keaton esperaba
mudamente una respuesta.
Y bella, distante y fría,
Monna Lisa, desde el cuadro
Sonreía.
Julio Álvarez (1998)

Antonio Colinas: Obra poética completa

2011-05-26T05:09:00.001-07:00

Antonio Colinas (La Bañeza, León, 1946) Ha publicado en Ediciones Siruela su Obra poética completa, un volumen de casi mil páginas que recoge, desde 1967 hasta 2010, toda su poesía. Este poeta, narrador, ensayista y traductor que acaba de cumplir 65 años parece pensar ya en la hora del retiro. Pero Antonio Colinas sabe bien que el poeta no se retira nunca. Cuando dice: casi 45 años de poesía vivida, de vida ensoñada, de fidelidad a una voz, a una vocación. Nos está diciendo que ser poeta es una manera de ser, de estar en la vida, en el mundo y esa manera de ser y de estar sólo concluye cuando nos habita el olvido.

Desde Sepulcro en Tarquinia (1976). Jardín de Orfeo (1988). Los silencios de fuego (1992). Libro de la mansedumbre (1997) Tiempo y abismo (2002) y Desiertos de luz (2008) Antonio Colinas nos ha ido dejando símbolos como: La noche, la piedra, la isla, el jardín... y, ultimamente, la luz. La noche, el más constante de sus símbolos, como fuente de lo misterioso, del vacío; la noche como antónimo de luz. También no ha dejado la música del verso, una música que no se oye si no leemos en voz alta, esa que tiene que tener el ritmo del verso. Un ritmo que, como nos dice Colinas, va unido a la respiración.

Así pues en su poesía nos ha dejado símbolos, música, ritmo, conocimiento, emoción… El ritmo, nos ha dicho Antonio Colinas, es lo prioritario. Luego, pienso que el poema ideal es aquel en el cual el poeta siente y piensa en igual medida. Sin pensamiento no habría gran poesía, de Fray Luis de León a Hölderlin, de Dante a Leopardi. Pero la emoción es también primordial en el poema.

La poesía de Colinas, coherente a lo largo de toda su creación es un compendio de gran calidad lírica, de intensas sensaciones cargadas de emoción y a la búsqueda de un conocimiento metafísico que, con variedad de registros, nos ha ido mostrando su camino interior, su manera de ser y estar en este mundo.

Antonio Colinas nació a la vida y a la poesía en las tierras de León. El paisaje, leones, de su tierra, forma parte de su vida y de su obra. Él mismo dice que: son las propias vivencias, las experiencias de cada cual, el material más preciado para componer una obra. ¿No es el material más preciado aquel de la infancia, el de los primeros descubrimientos de aquello que contemplamos? Siempre, ya de niño había esa comunicación con las cosas, con lo que uno miraba, con las vivencias. (…) Mi geografía parte del paisaje de León, del páramo, de las riberas y de la montaña..

José Enrique Martínez Fernández, en su edición de La luz respirada (Cátedra, 2004) sobre tres libros importantes Sepulcro en Tarquinia,su primera gran etapa lírica,neorromántica y culturalista vital, el místico y orientalista pensamiento de Noche más allá de la noche y el humanista y ecológico Libro de la mansedumbre, de Antonio Colinas nos dice: Poesía vital es la suya, en efecto, marcada por sucesivos espacios de formación y de maduración. Tales espacios vitales y poéticos son, cronológicamente, el noroeste o espacio originario, el sur, el centro – con la vivencia de la gran ciudad – Italia, la isla y la Meseta, ámbito este que supone, en cierto modo, el regreso del poeta, cargado ya de experiencia, al espacio originario.

Este poeta que realizó estudios de Historia en la Universidad de Madrid, que más tarde estuvo en Italia, en las universidades de Milán y en la de Bérgamo como lector de español, (de allí se trajo y nos regaló su libro, tal vez más alabado por la crítica, Sepulcro en Tarquinia), este hombre que nos tradujo y , al tiempo, nos hizo conocer mejor, al gran romántico Giacomo Leopardi y que, tras pasar veinte años luego en la isla de Ibiza, como el poeta romántico italiano, regresó, no a Recanati sino a Salamanca para vivir un poco más cerca de sus raíces leonesas y ahí está este hijo adoptivo de la ciudad en la que vive diciéndonos que algunos de sus maestros fueron Vicente Aleixandre que leía sus poemas y le aconsejaba y María Zambrano que influyó en él con su manera de sentir y de pensar.

Sus primeras publicaciones son de casi finales de los años sesenta: Poemas de la tierra y de la sangre y Preludios a una noche total. Colinas no figura en la antología de los Novísimos de Castellet, aunque se le suele incluir en este grupo. En una entrevista realizada por Yolanda Delgado Batista en la Revista Espéculo dice Colinas: Qué duda cabe que yo estoy en la órbita de eso que se ha venido a llamar poesía novísima. (Para decir más adelante) no me identifico con este grupo que ejerció la cultura por la cultura, en el que había poco sustrato vital en ella. Las referencias culturales en mi obra siempre remiten a experiencias vitales, no se da esa presencia de la cultura por la cultura. Así pues, aunque se le haya identificado con los Novísimos, Antonio Colinas se distingue por seguir, prácticamente desde el principio, un camino personal.

De Antonio Colinas, han destacado los críticos, su gusto, por temas de evocación clasicista. También por la decadencia material del pasado. Se dice que Antonio Colinas es el poeta de la meditación, un poeta que cuida mucho la estética, el poeta que crea un halo místico donde la memoria, el pasado, lo sucedido ya, es parte importante, casi fundamental, un poeta, en fin, en el que vida y poesía , es decir experiencia vital y experiencia poética se funden porque su poesía, creo, nace de la vida vivida, sentida, pensada (y tal vez soñada) de ahí sus constantes resonancias metafísicas y su particular simbología. Un poeta que hace que la poesía sea sinónimo de vida

Antonio Colinas alcanza un equilibrio clásico, nacido de su capacidad para asumir distintas tradiciones poéticas, literarias, filosóficas y espirituales, hacerlas propias y darles un aliento enteramente personal. Tiene gran apego a la tradición clásica y, alejado del Barroco, ha caminado más cercano a Renacimiento (José Enrique Martínez “La voz del Renacimiento en la obra de Antonio Colinas”), y también al Romanticismo.

Sobre él, ha escrito el profesor José Paulino Ayuso que: Conviene notar el curso pausado y reflexivo del ritmo, aunque con diferencias de composición. ya que puede escribir un poema breve, casi sentencioso, otro poema más extenso y descriptivo y llegar hasta el poema-libro. Del mismo modo, emplea versos regulares, medidos, como el alejandrino o elige una forma versal más libre,(…) Por otro lado, está en él la busca constante de lo esencial, del conocimiento que se desvela y. revela y que viene acompañado por la emoción, más aún, por el estremecimiento ante la poesía y ante el misterio que se descubre en ella.

Este poeta recibió, en 1975, el Premio de la Crítica por Sepulcro en Tarquinia, y su Poesía (1967-1981), fue galardonada con el Premio Nacional de Literatura en 1982. Es el escritor donde la poesía y el poeta son la misma razón de ser y de vivir porque se considera, ante todo, un poeta y la poesía es- nos ha dicho- la base de todos sus libros, incluidos los ensayos, donde se ha preocupado de la poesía como fenómeno. (ensayos sobre Alberti , Leopardi…),también nos ha dicho que la poesía es un bálsamo aunque también puede ser bandera pues la poesía puede sanar y salvar un poco al que la escribe y al que la lee.

Antonio Machado (no cuenta Colinas en una entrevista realizada por Manuel de la Fuente y publicada en ABC el 24 de febrero de este año) nos lo dijo de otra manera: poesía debía ser ante todo «palabra en el tiempo»; es decir, palabra no sólo de hoy sino también del ayer y del mañana. La poesía verdadera está traspasada de intemporalidad. Como digo en uno de mis poemas, el verso debe ser “esa roca que vence a toda muerte” Por eso anda en contraposición de aquello tan terrible que dijo Adorno: Para qué poetas después de Auswichtz porque, precisamente, por todo lo sucedido, se hace más necesaria la poesía. La poesía, dice Colinas y yo lo comparto, es sinónimo de humanismo.

Foto: Antonio Colinas y Manuel López Azorín en una lectura de Tertulias de Autor de Helicón en 1997.

Muchos quizá no estén de acuerdo (hay gustos para todo) pero a mí me parece que Antonio Colinas con esta Obra poética completa nos deja un buen legado ( y además unos poemas inéditos El laberinto invisible que es lo último que ha escrito y un poemario que permanecía inédito,La viña salvaje, escrito en los años setenta, incluido en Obra poetica completa),un legado, digo, que pudiera conectar con el lector, el normal, el de la calle y si esto se produce,y yo pienso que sí, estas palabras que Colinas nos dejó escritas en su Tratado de armonía, serán más ciertas todavía: El creador arroja su palabra nueva al océano de la noche y, en la orilla apartada, el anónimo lector recoge el mensaje, sintoniza con la palabra revelada.

Rafael Fernández Campos: Mirando las pisadas

2011-05-14T03:23:00.001-07:00

El pasado día 9 de mayo Rafael Fernández Campos presentó su primer libro de poemas Mirando las pisadas (Sial /Fugger poesía) en el salón de actos de la Casa Encendida, nombre que la Obra Social Caja Madrid tomó para este edificio, del poeta granadino, premio Cervantes en 1982, Luis Rosales. La casa encendida, título del que, según la crítica, fue su mejor libro.

El salón dispuesto para el acto, con una mesa y tres sillas a la izquierda, para el poeta, el padrino presentador y prologuista del libro Alfredo Gómez Gil y el editor Basilio Rodríguez Cañada, preparadas. En el centro una pantalla proyectaba la imagen de la cubierta de este primer libro: una obra impresionista de Paul Cézanne titulada El bañista pintado entre 1885-1890 y que curiosamente guarda un relativo parecido con Fernández Campos. Pura casualidad.

Se ha dicho de la poesía de Rosales que es la poesía de lo cotidiano. La poesía de Fernández Campos sin pretender establecer comparaciones entre Rosales y este joven de 40 años también se nutre de lo cotidiano, de la vida. En este primer libro de Rafael Fernández Campos el amor es esencialmente importante así como la memoria o el recuerdo. El amor, también, aparece en toda la obra del granadino, de forma sosegada y tranquila, así como la memoria y el recuerdo.

El profesor, periodista y poeta Alfredo Gómez Gil, Padrino del novel poeta nos cuenta en el prólogo: Es preceptivo señalaren cuanto a arte poética se refiere, la dualidad del autor en el ir y devenir de la versificación sobre determinadas estrofas, especialmente las que componen las dos primeras partes,( tituladas El ahora y El miedo y la ira) en que con maestría y sabio cuño corta, ata, sincopa, lucha, no rindiéndose nunca ante la dinámica realidad que cruza ante sus ojos y hiere su corazón.

Lleno a rebosar por los amigos, compañeros, conocidos de este poeta. Allí me encontré con el profesor y poeta Emilio Serrano, nos sentamos juntos. El público que llenaba el salón parecía no ser de los habituales a asistir a lecturas poéticas. Y así lo confirmó el propio Fernández Campos cuando comentó, agradeciendo a todos su presencia, que muchos de los de allí presentes seguro que habrían puesto una excusa en casa para poder acercarse a la presentación del compañero -dijo- poeta ”Friki”.

Claro que ese comentario tiene su explicación: Rafael Fernández Campos, que nació en Madrid en 1971, es Doctor Cum Laudem en Economía y Hacienda por la Universidad Autónoma de Madrid y Licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales por la misma Universidad y Máster en Dirección y Gestión .de Entidades Financieras por la Universidad Francisco de Vitoria.

Visto así, se comprenden las palabras dirigidas a los compañeros y la extrañeza, se supone, de que un hombre de finanzas se dedique a la creación poética (la naturaleza humana se significa de múltiples formas y no todos los financieros piensan sólo en el beneficio material, del mismo modo que no todos los que escriben poesía anhelan sólo el éxtasis sin ambición mundana).

El acto de presentación resulto diferente y debo decir que fue especialmente emotivo. Durante la presentación, tras la intervención del presentador y la del editor Rafael Fernández Campos se nos mostró seguro y feliz. En su lectura hizo participar con poemas elegidos para la ocasión a Beatriz ( a quien dirigió unas hermosas palabras llenas de complicidad), que leyó el poema La certeza, a Marta (de quien dijo que había sido importante en la elección de poemas o algo parecido), a su madre (que mostraba la alegría por el hijo en los ojos, en la expresión) a su hermano mayor que dijo estar nervioso pero que leyó con aplomo y seguridad el poema elegido y finalmente, micrófono en mano, a sus dos hijos, Rafael de cinco y Diego de ocho años (más o menos), que pusieron la nota más risueña y más tierna de la noche, uno con una frase que le dio a leer su padre: “Compren el libro de mi papá” y el otro con un breve poema leído con ritmo, pausas versales adecuadas y con gran soltura para su edad.

Funcionó. El acto resultó vistoso, y ameno. Luego, frente al autor, pudimos observar una larga fila de personas con el libro esperando la firma dedicada. No me quedé a felicitarle. Estaba muy ocupado firmando ejemplares.

Todo esto que puede parecer, y lo es, una crónica, es también para decirles que, oídos los poemas de este joven poeta, en alguno parecía percibirse alguna falta de ritmo, tal vez el modo de leerlo; pero leídos algunos después, en la tranquilidad de mi casa, no fue así. Si es cierto que en algunos poemas de construcción más formal, hay versos con alguna ligera cojera; pero si no su arquitectura externa, su decoración interior no necesita muleta.

No parece un primer libro, más bien el libro de un poeta maduro que nos habla del amor y, en él, del tiempo, del miedo, de la ira, de la ausencia… siempre desde una mirada de pisadas sentidas, vividas, soñadas, con dolor a veces, sí, pero siempre con esperanza. El amor, con su cara y su cruz, es el eje central de este libro escrito por un humanista que hace que poesía y vida, realidad y sueño, formen una sola unidad. Tal vez porque Rafael Fernández Campos, aun dedicándose profesionalmente a una actividad tan pragmática, no ha dejado nunca de visitar planetas que ni aquel pequeño príncipe / siquiera vislumbró. Os dejo aquí el poema que inicia este prometedor libro primero: La certeza

Tú eres la certeza

Yo visito planetas que ni aquel pequeño príncipe
siquiera vislumbró.

Abandono cercados
y encabrito a la noche en desesperos de frutas amargas
Maduras vetas de la madera de otros vientres

Tenso varas hasta conseguir quebrarlas

Y en el regreso, todo es ahora
Hasta saber que, contra toda lógica
Sembrando el desconcierto en hileras de espigas sosegadas
Hoy, o sea, siempre

Tú eres la certeza.

Julio Santiago: Poesía depilada II (Y seguro que habrá una III)

2011-05-06T06:50:00.001-07:00

Un segundo volumen de Poesía depilada II (ediciones Vitruvio, Madrid, 2011), nos trae al poeta Julio Santiago con su personal y diferente manera de hacer poesía. Pura Salceda lo dice muy bien en el prólogo: Si una característica puede definir al Julio Santiago poeta es la de autor diferente.

Este Poeta y pintor, cada vez que hace algo es capaz de convocar a tantos amigos que los lugares donde suele presentar sus libros o exponer sus dibujos, se quedan siempre pequeños. Y se quedan pequeños porque, además de llenarse físicamente, andan repletos de buenas vibraciones, de alegría, buen humor y, especialmente, de buen amor ya que Julio Santiago resulta persona querida por todos cuantos le conocemos y sabemos que él también nos quiere y por ello nos dedica poemas con inteligencia y afecto.

Y vuelvo a citar palabras de Pura Salceda como estas que dice en el prólogo y con las que me identifico: Y como gran fuerza creadora en la obra de Julio, por todas partes el sentimiento de la amistad, de las vivencias compartidas, en un juego de espejos en el que el poeta se reconoce y nosotros a él.

Esta Poesía depilada II de Julio Santiago, al igual que dije en Poesía depilada I, me ha parecido un estupendo ejercicio de síntesis, de esencialidad, de amor y de humor y, sobre todo una demostración de voz personal no al uso, no a la moda, no a la corriente de turno, no a nada y sólo dependiendo del sentir especial, y elemental de la idea de poesía ahorrativa, concisa, precisa, justa, sin tapujos, amorosa, erótica y humorística, pragmática y soñadora, sincera y con doble sentido, audaz y conservadora en su fondo, revolucionaria y con forma, una forma que forma (valga la redundancia) una poesía de hilo, vertical, que dice mucho con lo mínimo.

En anteriores ocasiones he dicho de Julio Santiago y de su poesía que: es un poeta que comenzó allá por los noventa del siglo pasado (qué barbaridad, con lo joven que es aún) a dar muestras ya de tener una voz que, con el tiempo, se muestra cada vez más propia, llena siempre de amistad, de ambivalencias pretendidas, una voz plena de amores y sin mala baba porque sólo atesora humor y afecto que nos ofrece a modo de poemas casi, casi, epigramáticos, empleando la palabra para pintar la idea, el concepto, como con un pincel que la embellece dándole ternura.

Ternura, mucha ternura tiene Julio Santiago y mucha bondad lleva dentro este extremeño de la villa de Miajadas (Cáceres) que la ofrece a todos, sin exclusiones, en una poesía que, no sé, pero parece querer instigar la revolución de la libertad interna y externa, de fondo y de forma y de paso hacer pensar a los lectores, que no viene mal de vez en cuando.

Quien pueda pensar que esta poesía es sólo esto, que ya es mucho, se equivoca porque Julio Santiago, en ella, nos ofreceen su poesía, también, una hondura reflexiva que hay que saber descubrir. Gloria Fuertes, de vivir, seguramente al hablar de Julito (así le llamábamos ella y yo), me guiñaría el ojo y diría: este enfermero no sólo quiere sanar los cuerpos sino las mentes y las mentalidades. Y se alegraría mucho por Julito.

Pero Gloria Fuertes, lamentablemente, ya no está. Su ausencia la notamos todos aquellos que la tratamos, la admiramos y la quisimos. También Julito nota su ausencia cada día desde hace ya doce años y unos meses. Por eso, en esta ocasión y en este libro le dice: Tu / ausencia / es / un / inmenso / mar / donde / se / me / olvida / nadar. Claro que de poder contestarle Gloria Fuertes, le diría, con mucho cariño y con un poco de socarronería: Julito: sigue nadando por este mar de la poesía y aunque Azorín (siempre me llamaba así) tenga razón en eso de que hay hondura en lo que dices, que está muy bien, tú no pierdas ese sentido del humor que tienes. Ese con el que nos adviertes al principio del libro.

Ad-Versencia Si
no
tiene
bien
desarrollado
el
sentido
del humor
no
lea
estos
poemas,
pueden
violar
su
sexibilidad.

J.R. Crespo: La palabra exacta

2011-04-30T05:47:00.000-07:00

J.R. Crespo nació en Madrid, 1972, pero pasó gran parte de su infancia en la tierra castellana de la familia: Tierra de Campos. Está licenciado en Historia Medieval por la Universidad Autónoma de Madrid en 1998. Aunque –dice Crespo – lo que realmente le interesaba era la Filología y no se matriculó en ella por temor al latín ya que lo de declinar, argumenta con ironía, le sonaba triste.

Conocí sus trabajos, poemas y relatos, antes de conocernos personalmente, allá por el año 98/99. Un familiar suyo me los hizo llegar al Centro de Estudios de la Poesía de San Sebastián de los Reyes (C.E.P.), del que por aquel tiempo era responsable. Me gustaron sus relatos, su lírica y directa forma de expresión les daba a sus historias una gran carga humana, llena de conciencia crítica, de compromiso y, al tiempo, de una fresca ternura como fondo, vistiendo las palabras de humanos adjetivos, mostrando personajes de sueños por cumplir en busca de justicia, de amor y libertad.

Sus poemas, entonces, se mostraban con menos recursos expresivos y menos intensidad emocional ( Cuando nos conocimos así se lo dije y le animé a escribir más relato y a conocer mejor y aprehender la poesía) Afortunadamente no me hizo mucho caso y, aunque nunca ha dejado el relato, se dedicó de lleno a la otra opción: conocer mejor la poesía. En el año 2000/2001 entró en contacto con el grupo de “jóvenes poetas” del CEP con quienes trabajo la poesía y participó en varios recitales y también, comenzó a publicar poemas en diferentes revistas como El Cobaya (Ávila), El erizo abierto(Granada)… Igualmente fue incluido en la antología Agua, símbolo y memoria publicada con motivo del 30 aniversario del emblemático Café Liberta8.

J.R. Crespo, me consta, tiene al menos un libro más escrito e inédito como este La palabra exacta que vengo a comentar hoy aquí, titulado Tras los muros del silencio, del que recuerdo un poema titulado Poema y tiempo que nos hablaba del vértigo de la página en blanco frente al deseo de encontrar, podíamos decir aquí, la palabra exacta, aquella que fuera capaz de expresar la idea, el concepto, de lo que este muchacho pretendía decir. Ya la ha encontrado.

Foto: R. Bórnez, M. lópez Azorín y J.R. Crespo ,al fondo, durante la presentación de un libro en enero de este año.

Ha pasado una docena de años y a finales de enero J. R. Crespo, me envió una copia de su último trabajo: el inédito La palabra exacta que al igual que su anterior libro anda ahora a la búsqueda de editor para su publicación. Con aquel no tuvo “suerte” para poder publicar pero J. R. Crespo no dejó por ello de continuar con aquello que le llena: la poesía. La palabra exacta es una recuperación a modo de homenaje a la familia y a la tierra que este poeta inicia con una cita de Don Antonio Machado perteneciente al poema Por tierras de España del libro Campos de Castilla: Veréis llanuras bélicas y páramos / -no fue por estos campos el bíblico jardín- / son tierras para el águila, un trozo de planeta / por donde cruza errante la sombra de Caín.

Cita que nos clarifica desde el principio este poemario repleto de intimas experiencias y hondas reflexiones sobre las personas que pueblan su memoria y sobre la tierra que habitaron: Claro que me enfado y grito y lloro / y maldigo esta tierra como los campesinos / que no tienen más remedio que habitarla; / tierra de ríos que no alcanzan el mar/ porque están secos como las almas / que pueblan sus soledades. / Páramo de polvo endurecido / por donde cruza Caín errante.

Y se enfada y grita y llora precisamente porque en esta tierra se forjó su niñez y se hizo hombre y la siente y la vive como suya porque la ha vivido a la sombra de las tapias / soñando figuras en las nubes a la que pide perdón por tenerla olvidada cuando ella, la tierra de orgullosas torres / clamando por un poco de lluvia, es la patria de su infancia y el origen de aquellos que forman parte de ese tiempo tan suyo (y tan de tantos). Por esa razón la primera sección de este libro la titula Retorno a lo eterno fugado donde nos habla de su padre, de la casa, del abuelo, del éxodo migratorio para sobrevivir en el páramo castellano porque sabe muy bien que Entre muros de adobe aprendió /a decir padre, madre, pan, quiero. Y busca esa palabra precisa, esa palabra exacta porque quiere Desenterrar lo escondido/ en lo hondo de las bodegas, /el pan, los latidos…

J.R. Crespo quería escribir sobre el polvo de los caminos con el palo de la memoria para que nadie supiera de sus secretos, de sus más íntimos secretos, de ternuras, de nostalgias, de rabias y de impotencias frente a la dureza de la vida, el tiempo... y quería cribar para que nadie supiese de todo ello; pero la poesía, siempre, dice más que el poeta y nos escribe el verso que considera necesario sin que, a veces, el poeta lo advierta.

Y, como un ángel a deshoras, como fuera del tiempo ya, se retrotrae hacia la infancia para evocar instantes, momentos, situaciones, para abrazarse a la íntima ternura, no ya del tiempo ido, sino del recuerdo, para apartar a dentelladas secas y calientes, la tristeza de la ausencia (el cayado del tiempo / repiquetea sobre el cemento de la calle), de los sentidos (El poeta sabe que no puede escribir en el polvo de los caminos ni guardar los secretos que, gritando a voces, andan deseando escribirse en la página en blanco para fijar el tiempo en la palabra exacta), del tiempo y la memoria en un hermoso libro que merece ya ser publicado para que el lector pueda abrazarse, como el poeta J.R. Crespo, a un tiempo y unas historias comunes a muchos porque ¿Quién es capaz, tras leer este breve poema, de no tener en cuenta la ausencia, el recuerdo, el dolor y la ternura de dos versos donde la dureza y el amor lo llenan todo?: Le sacamos de la casa a pedazos: / El reloj de plata, la chaqueta de ante, la gorra sin domingo.

Un buen libro donde lo íntimo se alía con el testimonio del tiempo, con el compromiso del hombre y, líricamente, reflexiona y llora y canta a y en esas tierras de Abel, que son tierras para el águila, un trozo de planeta / por donde cruza errante la sombra de Caín.

Francisco Caro: Paisaje (en tercera persona)

2011-04-19T06:38:00.001-07:00

Francisco Caro (Piedrabuena, Ciudad Real, 1947), con el libro Paisaje (En tercera persona), ha obtenido el XXI Premio Nacional de Poesía José Hierro publicado en la Colección Literaria Universidad Popular que edita el Ayuntamiento de San Sebastián de los Reyes (Madrid) Este profesor de Historia ha sido inédito hasta que, un día, decidió presentarse a un premio y lo ganó. Desde entonces, y de esto hará 6 o 7 años, su equipaje poético atesora los premios Asociación de Escritores de castilla la Mancha, Juan Alcaide, Ciudad de Zaragoza, Ateneo Jovellanos, Ciudad de Alcalá y este flamante José Hierro.

Naturalmente los premios acompañan a los libros Salvo de ti (Madrid, 2006), Mientras la luz (Ciudad Real, 2007) Las sílabas de la noche (Valdepeñas, 2008), Lecciones de cosas (Zaragoza, 2008), Calygrafías (Gijón, 2009), Desnudo de pronombre (Las Palmas,2009), Cuaderno de Boccaccio (Alcalá de Henares,2010) y este Paisaje (En tercera persona) que ha sido publicado en diciembre de 2010. Francisco Caro, ha dicho que: ganar este premio es un motivo más de satisfacción para continuar cultivando su pasión por la creación poética.

Es este libro un trabajo escrito a lo largo de los cinco últimos años, entre 2005 y 2010, y Caro lo ha definido como: Un intento de escribir la mirada del hombre sobre los instantes y sobre los espacios. Esta mirada (interior) tanto de la vida como de la escritura poética le hace decir al poeta que cada pie / debe ser trasladado / desde el sitio que ocupa. Cada palabra debe expresar lo preciso, el lugar exacto de la idea, del significado Contar, / colocar / cada verso en su huella. Este poeta de verso breve, enjuto, casi desnudo, escribe y fija el paisaje interior, el instante vivido.

Por eso, este poeta prefiere no borrar, / no volver,/ y entender lo vivido como una prohibición. Una inevitable prohibición que produce melancolía porque se tiene la certeza del otoño Como la playa ociosa / al final de septiembre, allí / donde la luz asume que su vigor caduca/ ajeno a la existencia de los otros, y tal vez por ese estado de ánimo del hombre que contempla el paisaje y se mira por dentro y sabe que no hay vuelta atrás, y comprende que lo que ha sido ya es ido, que sólo es ya memoria, tiempo, poco menos que nada, tal vez por eso, recuerda al joven y sonoro Darío de músicas azules y al Darío maduro de Ser y no saber nada, y ser sin rumbo cierto/ y el temor de haber sido y su futuro terror.

Lo que le produce sensación de vacío es el nacimiento de la melancolía, no ya sólo por ese futuro terror sino por Ser y no saber nada, en esa carretera cortada,(poema central del libro, diferente a lo que nos tiene acostumbrados en cuanto extensión y clarificador, pienso yo, de un Francisco Caro más abierto a la confesión sin fingimiento aunque el sujeto poético o lírico nos hable en tercera persona) a la que llega, en la que cree encontrarse, en la que mira ese paisaje interior que le acompaña y donde dice: todo deshecho: cuanto das y recibes; / nada de lo que fue valdría ahora, / nada de lo que es mira el futuro.

Paisaje (En tercera persona) es un libro que muestra la mirada interior de quien, viajero de la vida y buscador de la palabra, camino del invierno ya, se abraza a la memoria de lecturas ajenas, esas que han ido modelando su mundo, un mundo que, ahora, transcurrido el tiempo, se vuelve tal vez más escéptico, más descreído, como desencantado y más triste frente a una realidad que, tras el viaje, no ofrece más que lo que ofrece, nada más ( y esto me hace recordar los versos de dos poetas muy queridos por mí, don Antonio Machado: caminante no hay camino, y José Hierro: Después de tanto todo para nada), y recuerda a Darío de nuevo cuando piensa que la poesía nace de lo triste (aunque yo piense que no, que nace del dolor, del sufrimiento)

Francisco Caro nos ofrece una mirada del tiempo, de la vida y de la palabra. En él, me parece a mí, establece dos planos que se entremezclan: el metafísico, en el que el hombre, frente a esa carretera cortada en la que el tiempo es esa / calavera de perro que te mira, siente que eso es todo, que no hay más y percibe una dolorosa sensación de desamparo y desasosiego, un: Todo deshecho. Paraíso. Cuerpo laico. Carretera cortada. Y el metapoético: Con paciencia recoge / –igual que hiciera ayer, lo mismo que mañana – como si fueran leña, / palabras en el bosque. El poeta, el viajero, aún no acepta/ que todos sus afanes, / los latidos / los deseos que viven en el ápice, / en los dedos de cada llamarada, / se resuelvan en humo Se escribe, entre otras muchas cosas, para permanecer en la memoria de los otros.

Uno y otro plano terminan uniéndose en uno solo para formar, quizás, un único sueño: alcanzar el horizonte lejano, inalcanzable y, posiblemente, sentir que sólo / le queda como herencia la piedad. El libro es un estado anímico por la vida, la página y la eternidad, que se fija en el recuerdo que tienen los demás mientras te piensan, es un enigma. Lo demás sólo es pasar, el motivo del viaje o vivir sin motivos y, como en anteriores libros, ahora con la voz más sombría, menos enmascarada. Sin embargo, por un momento, parece regresar a su verso de sugerencia y de antifaz y se promete No mostrar a ninguna escrita multidud / las quemaduras.

Honda reflexión sobre la vida y la escritura de este manchego que anda sobre las cosas para contar y cantar este asombro de la creación mientras sigue vivo porque todavía / no sabe si está solo//// definitivamente solo. De lo que sí se ha dado cuenta en esta mirada reflexiva es que - como yo escribí hace treinta años – la soledad del alma / la soledad de Todo / la soledad de Nada, parece ser el final del viaje o como dijo Pepe Hierro, que viene a ser lo mismo, Después de todo, todo ha sido nada, pero como no hay verdades absolutas, decidme ¿Quién lo sabe? Lo que si parece saber el sujeto poético de este libro es:

que todo es
arquitectura estoica.

todo desecho: cuanto das y recibes;
nada de lo que fue valdría ahora,
nada de lo que es mira el futuro.

Todo desecho. Paraíso. Cuerpo laico. Carretera cortada.

JOSÉ HIERRO: NO TACHO TU NÚMERO DE TELÉFONO.

2011-03-31T09:10:00.001-07:00

José Hierro del Real (Madrid 3 de abril de 1922- Madrid 21 de diciembre de 2002), conocido por los que tuvimos la suerte de contar con su amistad como Pepe Hierro, cumple, el próximo 3 de abril, 89 años (Digo bien: cumple. Porque Pepe Hierro, para mí, sigue vivo. Este grandísimo poeta pertenece a la llamada primera generación de postguerra (años 40) dentro de la corriente llamada poesía desarraigada o existencial.

Aún recuerdo cuando me lo presentó Claudio Rodriguez (en el año 81, todavía no le habían dado el Premio Príncipe de Asturias de las Letras, el primero que se otorgó tras su creación), la emoción que sentí al estrechar la mano que había escrito Libro de las alucinaciones, el primer libro que yo había leido suyo mediados los años 60.

Pepe Hierro Nace en Madrid, aunque la mayor parte de su vida la pasa en Santander, puesto que su familia se traslada allí cuando Pepe tiene dos años. Allí, junto a su amigo, el también poeta, Jose Luis Hidalgo, conoce al maestro Gerardo Diego, que lee los primeros poemas de Pepe, siendo éste un adolescente.

Al acabar la guerra es encarcelado por pertenecer a una "organización de ayuda a los presos políticos", uno de estos presos es su propio padre. Pasa cinco años en prisión y es liberado en enero de 1944 en Alcalá de Henares. Tras salir de prisión, se marcha a Valencia y allí vive hasta 1946 que se instala en Madrid.

En 1949 se casó con María de los Ángeles Torres (Lines para todos los que la conociamos)y tuvieron 4 hijos

Tras otorgarle el Premio Cervantes fue elegido miembro de la Real Academia Española en abril de 1999,aunque antes de todo ésto Victor García de la Concha ya tenía en mente presentarle para la elección y Pepe se negaba:la Academía - decía - es para los técnicos del lenguaje y yo no lo soy; pero, finalmente,no llegó a leer el discurso de ingreso porque poco después, en 2000, sufrió un infarto de miocardio que se le complicó con un enfisema por tabaquismo, de lo cual murió el 21 de diciembre de 2002. Murió, pero no esta muerto. Pepe sigue vivo en su poesía y sigue junto a todos los que estuvimos junto a él durante tantos años. Por esta razón cuando hablo o escribo de José Hierro, siempre lo hago en presente.

Pepe tiene la manía de no poder escribir en su casa; lo hace en la cafetería “La Moderna” de la Avenida Ciudad de Barcelona, cercana a su domicilio de la calle Fuenterrabía; en ella, y en otros muchos bares y cafés, escribe casi toda su obra. Pepe tiene la costumbre, también, de dibujar constantemente en todas partes y en cualquier soporte, papel, servilletas etc. Muchos, me consta, somos los que guardamos los dibujos que, bien con rotuladores, lápices de color, hierbas, vino, café… se servía de lo que tenía a mano para su realización, nos regala cada dos por tres.

Pepe, con la poesía, es un trabajador lento y minucioso: algunos de sus poemas tardan mucho tiempo en encontrar la forma definitiva. Yo personalmente vivo junto a el el proceso creativo del poema “Vida”(entre otros muchos antes y después de éste), que luego incluye en su último libro “Cuaderno de Nueva York” y sé que le duró unos años hasta que, en 1992, lo dio por acabado.

José Hierro es Premio Adonais en 1947, Premio nacional de Poesía en 1953 y 1999, Premio de la Crítica en 1958 y 1965 Premio Príncipe de Asturias de las Letras en 1981, Premio Nacional de las Letras Españolas en 1990, Premio Reina Sofia de Poesía Iberoamericana en 1995, Premio Cervantes en 1998, y en 1999 le conceden el Premio Europeo de Literatura Aristeión y el Premio Ojo Crítico.

Da la impresión, a quien no lo conoce, de ser un hombre adusto y prepotente; pero no es así, Pepe es un hombre tierno y sentimental en su círculo de confianza y hasta inseguro a veces, y lo digo con conocimiento de causa. Pepe es, además de un gran poeta, un buen hombre. Por esta razón hoy que cumple 89 años, vengo a felicitar, al hombre y al poeta, con el que comparto muchos años de amistad y de poesía.Porque para mí Pepe Hierro sigue vivo en mi recuerdo y en la Poesía.

Hace unos años, con motivo de un Homenaje que le hicimos en en Centro Cultural de la Villa ( Los miércoles de la poesía de Fina de Calderón) escribí este texto y allí lo leí por vez primera tras su desaparición física. Más tarde, este mismo texto se publicó en un libro titulado DESPUÉS DE TODO como homenaje de Bilaketa a José Hierro. Un libro coordinado por Salvador Gutierrez el el que participamos muchos de sus amigos. Fue editado en el año 2004 por Bilaketa, en Aoiz (Navarra) , con la ayuda del Ministerio de Cultura.

Hoy que es su cumpleaños os le “cuelgo” aquí, amigos, con un brindis : ¡Va por ti Pepe!.

MEMORIA POÉTICA: 89 cumpleaños de Pepe Hierro.

JOSÉ HIERRO: NO TACHO TU NÚMERO DE TELÉFONO.

La primera vez que supe de Pepe Hierro fue en 1967. Supe de su poesía leyendo ese magnífico Libro de las alucinaciones. Libro que, para mí, es representativo de su mejor poesía.

Con él descubrí al poeta y descubrí también que

La poesía es como el viento
o como el fuego, o como el mar,
da apariencia de vida
a lo inmóvil, a lo paralizado

Desde aquel año, traté de conocer más y mejor al poeta que, con la poesía, vivía y moría muertes y vidas suyas y de otros. Con la poesía trataba -creo yo- de atrapar ese instante del tiempo que vive el hombre, para dejarlo -ya intemporal- por la memoria entre las páginas, como "palabra en el tiempo".

Ese tiempo, vivo pero detenido, le hacía preguntarse, interrogarse:

Inútilmente interrogas
desde tus párpados ciegos

¿Qué haces mirando las nubes
José Hierro?

Ese tiempo -"Que no conoce ni principio ni fin"- fue dando a sus ojos claridad, serenidad, para ver la realidad y proseguir esta vida que es un río, un mar, de risas y de llantos.

La realidad ha sido anoche
una habitación en penumbra,
con música de cristal y de humo

La realidad, Pepe, fue

ser herido
por las palabras y las disciplinas.
Soportar corazones, bocas, ojos
rigurosos, beber soledad

porque: "Después de nada o después de todo", querido Pepe Hierro...

Soñaba en tus oídos el ruiseñor del agua de la fuente,

oías los rumores del mundo porque tú eras la vida misma, sí, y...

Tu sangre era el mar mismo,
te contagiaba de su movimiento,
te enseñaban sus olas a no morir jamás

permaneciendo eterno, en ese instante, por la página y la memoria.

Lo sin tiempo es la muerte
.........................................

algo que no conoce ni principio ni fin,
que no parte ni llega

Pero tú aún estás vivo, te mueves vivo, y te sigues llamando Pepe Hierro.

Así es –todavía para mí- el poeta que descubrí hace treinta y seis años y que, luego, tras conocer al hombre en los años ochenta, traté y sé que tuve el afecto y la amistad y el magisterio (porque para mí fue como un padre, un hermano, un compañero, un maestro, un amigo...) de este Hombre-poeta que no es

Un hombre como otro cualquiera

No. Por eso, no borro de mi memoria su número de teléfono, no lo tacho de mi agenda. Si ahora marcara ese numero "que no puede escucharte" ya no responderías. Pero no lo borro, no lo olvido, no lo tacho porque fue un número único, porque sé que si llamo, ya no responderá Pepe Hierro, pero lo hará Lines, o tal vez Marian, o quizás la pequeña Hortensia, y a lo mejor imagino que también responde Pepe porque sé que está vivo, vivo en la memoria y por la página. Porque recuerdo y me digo:

Aquel que ha sentido una vez en sus manos temblar la alegría
no podrá morir nunca

Por eso (aún) estás aquí. Te mueves
vivo. (Sí.) Te llamas José Hierro. Alegría

Tu cabeza(que) "ha saboreado licores negros, (que) ha mordido panes amargos, frutos prohibidos.

Esa cabeza (que) ha oído historias maravillosas, (que) ha visto, ha sido, sol de piedra rojiza, amarilla de agua.
Que ha rozado los lechos de todos los ríos. Esta cabeza rodada, canto rodado"... Cabeza de soldado mogol, de hombre huidizo de todos y de sí mismo. Esta cabeza, dura en apariencia y dulce y tierna como ninguna... es como ese (su) Caballero de otoño, que

Viene, se sienta entre nosotros

y nos dice:

Este mar llevaba mucha vida,
y mucha muerte, y también mucha música

y entonces...
Nos llenamos de eternidad

Sí, de eternidad y de música. Una música que huele la flor de la más bella palabra, aunque no las embriague de aroma. Una música que cantó -que canta- sin que la música de otras olas, de otro mar, pueda apagarla.
Una música que es como el agua del río de la vida. Un río que nos lleva (entre sus músicas) hasta ese "mar que lleva tanta vida y tanta muerte, y también tanta música".

Una música -en fin- que hace que entendamos -sin palabras- todas las palabras.

Porque está viva, se mueve viva, y se llama José Hierro.

(Y es que...
Aquel que ha sentido una vez en sus manos temblar la alegría
no podrá morir nunca)

Manuel López Azorín, 2003.

Centro Cultural Blas de Otero: Asociación de Utilidad Pública

2011-03-25T10:06:00.001-07:00

Destaco la programación de los actos de celebración de la denominación de Utilidad Pública que ha organizado el Centro para celebrarlo con todos/as:

Foto: Invitación del CC Blas de otero para los actos de celebración

ACTOS DE CELEBRACIÓN DE LA DENOMINACIÓN DE "UTILIDAD PÚBLICA”

1 DE ABRIL A LAS 12,30 HORAS: Recibimiento de autoridades y descubrimiento de placa conmemorativa. (En la sede del Centro: Pº de Guadalajara, 12 San Sebastián de los Reyes)

2 DE ABRIL A LAS 12,30 HORAS: Actividades infantiles (Teatro, títeres, guiñol…)En la sede del Centro: Pº de Guadalajara 12, San Sebastian de los Reyes)

2 DE ABRIL A LAQS 18,00 HORAS: Presentación del libro “Solo la luz alumbra” de Manuel López Azorín. Intervienen Pascual Izquierdo, Filólogo y poeta. Luis Martínez de Mingo, Catedrático de Literatura, narrador. poeta y Basilio Rodríguez Cañada. Editor y Presidente del Pen Club de España y el autor.
(En la sede del Centro: Pº de Guadalajara,12. San Sebastián de los Reyes)

3 DE ABRIL A LAS 19,00 HORAS: GALA CELEBRACIÓN UTILIDAD PÚBLICA.
Con motivo de la celebración de la denominación de Utilidad Pública concedida a la Asociación, se culminan una serie de actividades que tendrán lugar en estos días con una gala musical en La Esfera de Alcobendas (Avda. Olímpica, 14) con varias actuaciones:

KID57, grupo local de rock , DANZA ORIENTAL, por alumnas del Centro Cultural y su profesora, Irene Jiménez. Extracto de la obra “100 años Miguel Hernández” por la Compañía de Teatro Blas de Otero.
MIGUEL LAGO, conocido cómico de la Paramount Comedy

ENTRADA LIBRE EN TODOS LOS ACTOS

Entrada al Centro Cultural Blas de Otero con sede en el Paseo de Guadalajara nº 12 de San Sebastián de los Reyes (Madrid)

Por orden del 15 de octubre, del Ministerio del Interior, publicada el día 30 de octubre de 2010, se declaran de Utilidad Pública diversas asociaciones, entre otras, la Asociación Centro Cultural Blas de Otero, inscrita en el Registro de Asociaciones de la Comunidad de Madrid con el nº 5.405.

La declaración de Utilidad Pública es el reconocimiento administrativo de que una asociación está constituida para asumir una finalidad de interés general. Es, pues, un reconocimiento social de la labor que realiza la Entidad sin ánimo de lucro y, es por ello, el fin de un largo proceso que este Centro Cultural Blas de Otero ha venido desenvolviendo en el ámbito de la Cultura, entendido en un sentido amplio, como actitud ante la vida y, por esta razón, se reconoce que se colabora en la consecución del bienestar social y participando, siquiera modestamente, con su actividad en las funciones que le competen a las Administraciones Públicas, y en tales razones se encuentra la justificación legal de que las asociaciones sean reconocidas como de Utilidad Pública.

En la actualidad existen en España 28.519 asociaciones. De ellas sólo 333 están declaradas de Utilidad Pública. Por esta razón para el Centro Cultural Blas de Otero y para todos aquellas personas que forman parte de él como socios, las sucesivas juntas directivas que a lo largo de su andadura se ha producido y, particularmente, Luis Pérez Lara, alma del este proyecto y su presidente que lo es desde su inicio en 1980 y, también, desde la puesta en marcha de la segunda etapa en los primeros años noventa, supone una enorme satisfacción por lo que esta declaración de Asociación de Utilidad Pública conlleva.

Fotos: Blas de Otero

Es importante, que la "memoria histórica" del Centro sea conocida por todos, para poder ver así la trayectoria de esta Asociación, tanto en su inicio en Madrid como en lo que llamaremos la segunda etapa en San Sebastián de los Reyes.

Os dejo un texto que Luis Pérez Lara me pasó hace tiempo:
Con los primeros años de la democracia, a finales de los años setenta, afloran en la sociedad española inquietudes (reprimidas durante cuarenta años) que se concretan, fundamentalmente en recabar información y adquirir formación para poder participar directamente en el proceso de cambios que se abría en esos momentos en todos los aspectos y, concretamente, en el terreno cultural. La mayoría de la sociedad, fundamentalmente la juventud, quería participar de alguna manera en los cambios que empezaban a producirse.

En 1979, un grupo de amigos implicados en esos cambios que se abrían paso poco a poco, deciden organizar y legalizar una asociación cultural con ámbito en la región de Madrid, que sirviera de soporte de participación para canalizar las inquietudes culturales que ya venían desarrollando más o menos clandestinamente, abriendo la puerta a otras muchas que se harían posible con la nueva situación.

Ese mismo año, la pérdida del gran poeta Blas de Otero, cuya poesía tanto había ayudado a entender lo que pasaba en aquella “…desesperada España, camisa limpia de mi esperanza”, el poeta que pedía “la paz y la palabra”, había sugerido como “hacer España a imagen y semejanza de la realidad más pura”. Blas de Otero dejaba una profunda huella en todos los que le habían leído en los difíciles años de la dictadura y, sin duda la dejó, más profunda aún, en la literatura española
Por todas estas razones los promotores de la Asociación decidieron ponerle el nombre de Blas de Otero con el objetivo y el compromiso de promocionar la cultura en todas sus facetas y de difundir la vida y obra del poeta.

Con ese nombre y con esos objetivos empezó a funcionar en 1980 la asociación. La primera sede de la Asociación fue fijada en la calle Amós de Escalante número 4 de Madrid, y la Comisión Gestora de esta nueva asociación cultural la componían Luis Pérez Lara (presidente), Pedro Gómez Cuevas (secretario), Enrique Navarro Fonz (tesorero), Juan José Junquera Junquera y Francisco José López Sánchez (vocales).
Se desarrollaron multitud de actividades. Destacable por su importancia social eran los 6 grupos de alfabetización con que contaba.

Foto: Pablo Neruda

Era una época de una demanda tremenda de actividades culturales: música, teatro, cine, etc., impulsada también por la irrupción de una serie de artistas latinoamericanos que aprovecharon el aperturismo para también ellos expresar su arte, produciéndose la primera fusión de culturas y surgiendo de ello montajes muy interesantes y enriquecedores. En lo que respecta al Centro, se hizo, con nuestro grupo de teatro y varios músicos chilenos dirigidos por León Canales, una lectura musicada de “Canto General” de Neruda, que con el tiempo se convirtió en una obra de teatro muy sugestiva.

foto:Festival de Musica latina
Foto: Claudio Rodríguez, Luis Pérez Lara

También se creó un cine-club que se hizo un hueco en la vida cultural de la capital, contando con la participación de no pocos directores y actores que apoyaban decididamente aquel proyecto.

Por nombrar a algunas de las personalidades de la cultura que colaboraron con el Centro Cultural Blas de Otero, decir que por allí pasaron Rosa León, Francisco Umbral, Juan Antonio Bardem, Ana Belén y Víctor Manuel, el prestigioso ceramista Arcadio Blasco… etc. entre otros muchos.

A finales de los 80 tuvo que cambiar de sede al disgregarse los componentes de aquella asociación por motivos laborales, políticos o personales. El Centro Cultural Blas de Otero pasó por un pequeño período de crisis, que fue remontado a primeros de los 90, estableciendo nueva sede en San Sebastián de los Reyes.

Hubo que renovar la Junta Directiva, y buscar una sede más adecuada a las actividades, ya que la que tenía inicialmente se limitaba a una oficina. Se consiguió del Ayuntamiento de San Sebastián de los Reyes que nos cediera un estupendo local de 900 m2, y que remodeló para nosotros. A partir de ahí, se abrió una etapa con un proyecto lleno, como siempre de ilusiones y muy ambicioso.

La puesta en marcha de la segunda etapa, digamos que se inició con unas jornadas y un gran homenaje al poeta que da nombre al Centro, es decir Blas de Otero y la creación de una revista monográfica (un único número) dedicada al poeta bilbaíno donde participaron muchos poetas de prestigio, pintores, escritores, etc. Participaron en los diferentes actos del homenaje, entre otros, el poeta Rafael Morales, buen amigo de Blas de Otero, el poeta Carlos Sahagún, y la profesora y compañera del poeta hasta su muerte, Sabina de la Cruz.

Fotos: La compañía de teatro CC Blas de Otero

A partir de entonces se retomó la Compañía de Teatro del Centro y en los últimos años ha representado obras de autores españoles. y extranjeros como: F. García Lorca, Buero Vallejo, Miguel Mihura, J. L. Alonso de Santos, Jaime Salom, Pirandello, Ibsen, Aristófanes, etc. Una compañía compuesta por 35 personas entre actores y equipo técnico que no solo recorre la geografía española sino que en 1997 fue seleccionada como única compañía extranjera en el festival internacional de Asti (Italia) y fue considerada por la prensa italiana como compañía revelación.

Fotos de diferentes actos

Igualmente en la sede de la asociación se realizan representaciones en la sala de Café Teatro
Foto: Matias Ávalos y Luis Felipe Barrio
todos los viernes con el objetivo de ofrecer espectáculos al tiempo que promocionar nuevos valores de las artes escénicas, la música y la danza, tratando de complementar la oferta cultural municipal con espectáculos de pequeño formato propios del Café-Teatro.

Exposición al aire libre de Julio Álvarez organizada por el Centro. En la foto, al fondo,el poeta José Hierro.

El Centro Cultural Blas de Otero cuenta asimismo con una sala de exposiciones.

Luis Pérez Lara en la inauguración de una exposición junto a los pintores Gema López y Julio Álvarez.(1996)

Un espacio donde pueden presentar sus obras todos aquellos artistas plásticos que, teniendo experiencia probada, no siempre cuentan con este tipo de lugares para darse a conocer.

Fotos: Actividades varias
En el Centro se ofrecen espacios y recursos humanos adecuados (Cursos y talleres) para la formación en las áreas de crecimiento ya personal, ya cultural o de ocio con el objetivo de complementar la oferta pública.

En este apartado la amplia oferta abarca tanto un abanico de edades como de cursos: Guitarra española, Piano, Canto, Dibujo y pintura, Taller de teatro, Danza Moderna, sevillanas, Danza oriental, Bailes de salón, Yoga, Pilates, etc.

Fotos de actividades deportivas.
También existen diferentes actividades para los socios tales como excursiones, salidas culturales, encuentros gastronómicos y un club de lectura así como equipo de futbol y un campeonato de mus. Pero además el Centro organiza todos los años una semana cultural a través de la música.

Fotos: Certamen poesía y relato breve

La Poesía y el relato es una constante en el Centro Cultural Blas de Otero. Este año de 2011 se va a convocar la XIV edición del Certamen Poético y la XII edición del Certamen de Relato breve donde un jurado compuesto por poetas y escritores reconocidos concede un premio y un accésit de cada modalidad y selecciona además, de los que resultan finalistas, tres poemas y tres relatos para, junto con los premiados, formar parte de la publicación en la colección “Nos queda la palabra” editada por el Centro Cultural Blas de Otero.

Foto: Publicaciones del Centro

Esto es, sin duda, un gran aliciente para aquellos que se presentan pues, al no ser un único premio, existen más posibilidad de publicar. El año 2010, por ejemplo, el Certamen Literario conto con la participación de 476 trabajos y de los que un 43 % llega del extranjero. Un Certamen de Poesía y de Relato breve, consolidado ya que, año tras año, va adquiriendo mayor interés.

Igualmente y dentro del ciclo "Con voz propia" se han realizado lecturas poéticas y homenajes a poetas.

Fotos: Homenajes a Fina de Calderón donde participaron poetas como José Javier Aleixandre,

Leopoldo de Luis,
Joaquín Benito de lucas,la hija de Gerardo Diego, Elena, Javier Lostalé, Manuel López Azorín y Carmina Casala (ambos en la foto en los extremos. Pariciparon actores como Carmen Sainz de la Maza, Aurora Bautista,la viuda de Buero Vallejo:Victoria Rodriguez,Francisco Valladares y Julio Nuñez (todos en la foto junto a Fina de Calderón y detras de ella Luis Pérez Lara) y músicos como los cantautores Rafa Mora y Moncho Otero, el pianista malagueño José Luis Zafra y la pianista rusa Eugenia Gabrieluk.

El Centro Cultural Blas de Otero después de más de treinta años de andadura en actividades de promoción y difusión de la Cultura, con la otorgación de la titularidad de Utilidad Pública, recibe un importante reconocimiento por parte de las Instituciones Políticas, que recibe con alegría y agradece.
Pero esto no significa, para quienes forman parte del Centro, hombres y mujeres que trabajan hoy (al igual que lo han hecho otros anteriormente, casi 31 años son muchos años de trabajo en pro de lo cultural) por y para el Centro sin más interés que aquel de gestionar y llevar a cabo una labor que pueda servir a la colectividad sin que les mueva nunca ningún ánimo de lucro. Hombres y mujeres que por su actitud, merecen el aplauso unánime de todos.

Fiestas Sanse: Voluntarios caseta del Centro, hombres

Yo, a todos/as los que han venido colaborando desinteresadamente durante todos estos años, los agrupo, los reúno mentalmente, en este Centro Cultural Blas de Otero y les ofrezco mi admiración y mi respeto y, a quienes hoy se esfuerzan por sacar adelante todos y cada uno de los proyectos en marcha, igualmente de manera desinteresada, como siempre, les deseo también que se lleven a cabo tal y como lo desean.

Fiestas Sanse: Voluntarios caseta del Centro mujeres luis y yo

Un Centro como este, que se auto-gestiona en un 90 o 95% , que cuenta con apenas un 5% de subvenciones de la suma total de las actividades que realiza … Un Centro que no compite con nadie sino que complementa la oferta cultural, merece todos los reconocimientos y todo el respeto por la labor que realiza.

Finalmente os dejo la dirección en internet del Centro Cultural Blas de Otero por si os interesa conocer más a fondo su trayectoria y sus programaciones. Igualmente podéis encontrarlo a través de Facebook. donde cuenta también con numerosos amigos.

www.blasdeotero.org